Thema der Woche: Volkshandwerk. Pädagogisches Projekt „Volkshandwerk Russlands“ Didaktische Spiele und

Projektrelevanz:
Unter den Bedingungen der modernen Gesellschaft liegt die Hauptpriorität bei der Erziehung eines Kindes in seiner frühen Entwicklung und Bildung, um Erfolg und Wohlstand im unabhängigen Leben eines Erwachsenen zu gewährleisten. Und Kategorien wie Moral, Patriotismus und Spiritualität stehen bei weitem nicht an erster Stelle.
Kein Wunder, dass sie sagen: „Kinder sind unsere Zukunft.“ Und was es sein wird, hängt von uns Erwachsenen ab: Eltern, Lehrern, der Gesellschaft als Ganzes. Es müssen Bedingungen geschaffen werden, unter denen der ursprüngliche Wunsch des Kindes nach dem Erhabenen, Heiligen und Guten geformt und gefestigt wird. Denn die in der Kindheit verankerten Gewohnheiten und Werte werden zur spirituellen und moralischen Grundlage für das Treffen wichtiger Entscheidungen in der Zukunft.
Wir müssen uns auch daran erinnern, dass Kinder unser Spiegelbild sind. Zuallererst müssen wir selbst Träger der spirituellen und moralischen Kultur werden, die wir Kindern vermitteln möchten.
Spiritueller, kreativer Patriotismus muss von Kindheit an eingeflößt werden, dann wird er zu einem integralen Bestandteil der Seele des Kindes, dem Anfang, der die Persönlichkeit hervorbringt. Notwendig organisieren solche Veranstaltungen, die ein System des Wissens über die russische Volkskultur bei Vorschulkindern bilden, den Grundstein für Patriotismus, Liebe für ein kleines Heimatland und Arbeitskräfte verschiedener Berufe legen.
Ziel des Projekts:

1. Wecken Sie bei Kindern Interesse an der Geschichte und den nationalen Traditionen Russlands.
2. Zeigen Sie, welche Rolle das kulturelle und historische Erbe des Landes im Leben moderner Menschen spielt.
3. Offenlegung der Bedeutung nationaler Traditionen (Feiertage, Spiele usw.) für die Bildung der Kultur und der moralischen Qualitäten des russischen Volkes.

Auf der Grundlage kognitiver Aktivität die sprachliche, künstlerische, ästhetische, spirituelle, moralische, emotionale und soziale Entwicklung von Kindern zu fördern.
Durch die Einführung von Kindern in die Kultur ihres Volkes, um bei Kindern eine Vorstellung von sich selbst und anderen Menschen zu entwickeln, um ein kognitives Interesse am Volkshandwerk Russlands zu entwickeln.
Projektziele:

• Kinder an Volkshandwerk heranführen;
• Tragen Sie zur Sprachentwicklung des Kindes bei: Bereichern Sie den Wortschatz, erhöhen Sie die Ausdruckskraft der Sprache;
• Entwickeln Sie bei allen Aktivitäten individuelle emotionale Manifestationen.
• Um die spirituelle, moralische und ästhetische Entwicklung der Persönlichkeit des Kindes durchzuführen;
• Die Fähigkeit entwickeln, die Schönheit von Produkten der angewandten Kunst zu sehen, einen ästhetischen Geschmack zu entwickeln;
• Entwickeln Sie die künstlerischen Fähigkeiten von Kindern.

Methoden zur Projektdurchführung:
Das Projekt wurde durch folgende Arten gemeinsamer Aktivitäten umgesetzt:

• kognitive Aktivität
• Kommunikative Aktivität
• Künstlerische und kreative Tätigkeit
• Spielaktivität
• Zusammenarbeit mit den Eltern

Abgedeckte Bildungsbereiche: kommunikative Tätigkeit, künstlerische und ästhetische Tätigkeit, Suche und Forschungstätigkeit, Sportunterricht.
Grundsätzliche Frage:
Trägt die hohe künstlerische Perfektion des Kunsthandwerks zur Erziehung spiritueller, moralischer und patriotischer Gefühle bei Kindern bei?
Hypothese: Wenn Sie das Kind nicht vorstellen Vorschulkindheit Mit Volkskunst und Kunsthandwerk wird eine vollständige Kenntnis der Geschichte und Kultur ihres Volkes nicht erreicht, was zu einer weiteren Verarmung ihrer spirituellen, moralischen und patriotischen Gefühle führen wird.
Phasen des Projekts:
Vorbereitungsphase.

• Sammlung von Informationen und Aufbereitung methodischer Literatur zum Thema des Projekts.
• Gestaltung einer Ausstellungsreihe für Kinder zum russischen Volkshandwerk.
• Auswahl an visuellen und didaktischen Hilfsmitteln, Demonstrationsmaterial.
• Abfassung perspektivischer Plan, Entwicklung von Abstracts, Schaffung einer Entwicklungsumgebung.

Hauptbühne- informativ, praktisch.

• Durchführung thematischer Kurse, Gestaltung von Ausstellungen zum Volksleben. Herstellung von Volksspielzeug, Kunsthandwerk, Zeichnungen.
• Durchführung von Unterricht, Gesprächen (frontal, Untergruppe, einzeln).
• Ausflug ins Heimatmuseum, in das virtuelle Museum für Volkshandwerk im Internet.
• Ausstellung künstlerischer Kreativität basierend auf Volksgemälden und Spielzeug.
• Lesen von Märchen, Epen und literarischen Werken.
• Auswendiglernen von Gedichten, Sprüchen, Sprichwörtern, Rätseln.
• Russische Volksspiele lernen.

Die letzte Etappe- Präsentation des Projekts.

• Fotoausstellung „Wir sind Handwerker“.
• Präsentation von Projektmaterialien für Lehrer.
• Vorstellung des Projekts vor den Eltern.

Erwartetes Ergebnis:
Durch die umfassende Arbeit zur Heranführung von Kindern an Kunst und Handwerk entsteht bei ihnen der Wunsch, mehr über die Arbeit russischer Meister zu erfahren.
Die Bekanntschaft mit den Werken der Volkshandwerker, mit der Geschichte des Handwerks formt bei Kindern Respekt und Liebe für das Mutterland, die Geschichte ihres Volkes.
Volkskunst trägt zur Entwicklung der ästhetischen Bildung bei und entwickelt die kreativen Fähigkeiten von Kindern.

Vorausplanung

Projektleistung:
Als Ergebnis einer umfassenden Arbeit zur Einführung von Kindern in die dekorative und angewandte Kunst entsteht bei Kindern der Wunsch, mehr über die Arbeit russischer Meister und das Leben des russischen Volkes zu erfahren. Die Kinder begannen selbstständig, zwischen den Stilen bekannter Arten der dekorativen Malerei zu unterscheiden und lernten, ausdrucksstarke Muster auf Papier zu erstellen.
Somit ist das Thema Kunsthandwerk sehr interessant und vielfältig, es trägt nicht nur zur Entwicklung einer kreativen Persönlichkeit bei, sondern fördert auch die Integrität der Kinder, die Liebe zu ihrem Heimatland, zu ihrem Land als Ganzes.
Informationsressourcen:

1. Vershinina N. Gorbova O. Kennenlernen der Besonderheiten des Kunsthandwerks im Prozess didaktischer Spiele. //Vorschulbildung. 2004 Nr. 6.
2. Gribovskaya A.A. Volkskunst und Kreativität der Kinder. 2. Aufl. - M.: Bildung, 2006.
3. Gribovskaya A.A. Vorschulbildung dekorative Zeichnung, Modellierung, Anwendungen. - M.: Skriptorium, 2008.
4. Knyazeva O.A., Makhaneva M.D. Einführung von Kindern in die Ursprünge der russischen Volkskultur. - St. Petersburg: Unfall, 1997.
5. Lyalina L.A. Volksspiele im Kindergarten. - M.: TC Sphere, 2009.
6. Volkskunst in der Kindererziehung. / Ed. Komarova T.S. - M.: Pädagogische Gesellschaft Russlands, 2005.
7. Skorolupova O.A. Bekanntschaft älterer Kinder im Vorschulalter mit russischem Volkskunsthandwerk. - M.: Skriptorium, 2006.
8. Solomennikova O.A. Die Freude an der Kreativität. - M.: Mosaik-Synthese, 2008.
9. Khalezova N.B. Volksplastik und Zierleisten. - M.: TC Sphere, 2005.

Was ist ein Volksspielzeug?
Geschichte Volksspielzeug reicht bis in die Antike zurück. Dies ist die früheste Form der künstlerischen Kreativität der in Russland lebenden Menschen, die sich im Laufe der Jahrhunderte verändert hat und die Farbe und Vielseitigkeit der Kultur unseres Volkes vereint. Die Materialien zur Herstellung von Spielzeug waren vielfältig. Sie stellten alles her, was die Natur dem Menschen gab: Ton, Stroh, Tannenzapfen und Holz. Wie könnte ein Kind solch ein Kinderspielzeug nicht lieben? Schließlich war alles, woraus es gemacht war, so vertraut und vertraut. Es war, als ob die Natur selbst dem Menschen ihre Gaben schenkte, um die Kreativität zu fördern und einer neuen Schöpfung Leben einzuhauchen.
Sobald das Baby geboren wurde, wurde sein treuer Begleiter zum Spielzeug oder „Vergnügungspark“, wie unsere Vorfahren es nannten. Die Kleinsten erhielten Rasseln oder „Shuffler“. Es könnte sich um eine getrocknete Mohndose, eine Ratsche, ein helles Stück Stoff mit Glöckchen oder aufgenähte Kupferstücke handeln.
Neben der Unterhaltung dienten diese Spielzeuge laut Eltern auch dazu, einen guten Geist an das Baby zu locken, einen Schutzengel, der das Kind vor bösen Geistern und dem bösen Blick schützt. Eine Rassel oder ein Ball, die den Vorfahren zufolge sozusagen den Himmel und die himmlische Welt symbolisierten, verbanden das Kind mit der Welt des Guten. Das Interessanteste ist, dass man in den Spielzeugen unseres Volkes keine Bilder mit bösen oder gruseligen Charakteren findet, denn früher glaubte man, dass ein solches Spielzeug dem Baby Böses bringen könnte.
Das Kind wuchs und die Spielzeuge um es herum veränderten sich. Sie wurden komplizierter, halfen ihm, laufen zu lernen und den Raum um ihn herum selbstständig zu erkunden. Zu diesem Zweck wurden verschiedene Rollstühle auf einem Stock hergestellt. Alles Geniale ist einfach. An einem Stock waren Radachsen mit beweglichen Teilen befestigt.
Das Spielzeug fesselte das Kind durch die Geräusche, die die daran befestigten Glöckchen oder Rasseln erzeugten, durch die rhythmische Bewegung der Räder – und das Baby begann, dem Stock mit dem daran befestigten Spielzeug hinterherzulaufen. Der Rollstuhl war an der Reihe, aber bereits an einer Schnur. Am häufigsten war es ein Pferd – als Symbol der Sonne. Das Kind hatte das Gefühl, dass sein Freund ihm auf den Fersen folgte und dem Willen des Besitzers gehorchte. So konnte sich das Kind zum ersten Mal wie ein starker und mutiger Freund seines Spielzeugs fühlen.
Unsere Vorfahren waren scharfsinnig und intelligent. Sie fühlten die Natur des Kindes sensibel und gaben ihm das Kinderspielzeug, das das Baby nicht nur unterhielt, sondern auch lehrte und es auf das spätere Leben vorbereitete. Es gab nur wenige Spielzeuge, aber jedes davon gewöhnte das Kind an das spätere Leben.
„Und was haben die Dorfmädchen gespielt?“ - du fragst. Natürlich in Stoffpuppen. Mütter fertigten geschickt Puppen für ihre Töchter aus Stoffstücken und Seilen. Darüber hinaus wurde eine solche Puppe nicht weggeworfen, sondern sorgfältig im Haus aufbewahrt und von Tochter zu Tochter weitergegeben, da Bauernfamilien traditionell viele Kinder hatten. Das Gesicht einer solchen Puppe war normalerweise nicht gezeichnet, und dies ermöglichte es dem Kind, sich den Charakter und das Aussehen einer Lumpenfreundin auszudenken. Unsere Vorfahren glaubten, dass solche Spiele dem Mädchen beibringen, in Zukunft eine gute Mutter und Hausfrau zu sein.
Was für Stoffpuppen wurden nicht in den weiten Weiten des russischen Landes hergestellt? Dies sind ebenfalls vepsische Puppen, die aus abgenutzten Stoffresten hergestellt werden und eine verheiratete Frau verkörpern. Dies sind auch „Krupenichki“ – Puppentaschen, in denen Buchweizenkörner für die neue Ernte aufbewahrt wurden. Solche Puppen wurden auch für Frauen hergestellt, die so schnell wie möglich Kinder haben wollten. Dazu gehört auch eine Weihnachtsengelpuppe aus Stoff, schlicht, aber zugleich ausgefallen. Mit diesen Puppen wurde der Weihnachtsbaum geschmückt. Es gab auch Babypuppen. Eine solche Babypuppe passt problemlos in Ihre Handfläche. Sie wurde dem neugeborenen Kind in die Wiege gelegt, so dass sie all das Böse auf sich nahm, das für das Baby bestimmt war. Später wurde eine solche Puppe wie eine Art Fingermassagegerät in die Hand des Babys gelegt und auch in die Falten der Kleidung des Kindes eingeführt. Wenn Gäste kamen, lobten sie die Puppe, nicht das Baby, aus Angst, es zu verhexen. Также были куклы - "московки"(кукла с привязанными к поясу 6 детками - как символ материнской любви и нежности), "столбушки"(кукла на берестяных трубочках) и толстушки-"костромушки"(толстенькая кукла в нарядном платье, символизирующая сытость и богатство im Haus). Es gab Kinderspielzeug, das für eine bestimmte Gegend charakteristisch war. Solche Spielzeuge haben in unserer Kultur bis heute überlebt.

Russisches Volksspielzeug

Die Geschichte des Volksspielzeugs beginnt in der Antike. Es ist mit der Kreativität der Menschen, mit Volkskunst, mit Folklore verbunden. Ein Spielzeug ist eine der ältesten Formen der Kreativität; im Laufe der Jahrhunderte hat es sich zusammen mit der gesamten Volkskultur verändert und seine nationalen Besonderheiten und Originalität übernommen.
Das Hauptmaterial für die Spielzeugherstellung waren Ton und Holz, ab der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts auch Pappmaché. Sie stellten auch Spielzeug aus Stroh, Moos, Tannenzapfen und Flachs her. An vielen Orten in Russland wurden sowohl Ton- als auch Holzspielzeug hergestellt. Es ist möglich, die wichtigsten Zentren anzugeben: Das Holzspielzeug wurde vor allem in den Provinzen Moskau und Nischni Nowgorod hergestellt, das Tonspielzeug in Wjatka, Tula, Kargopol. Viele der Branchen existieren noch heute. Das größte Zentrum für Holzspielzeug ist seit langem Sergiev Posad mit den angrenzenden Dörfern. In den Spielzeugen von Sergiev Posad dominierten Genrebilder, Figuren von Damen, Husaren und Mönchen. Sehr interessant in Form und Farbe waren die „Damen-Narren“ (wie die Handwerker sie selbst nannten), 30-40 cm hoch, sie wurden aus dem sogenannten „Dreifler“ geschnitten. Von einer seiner Seiten wurde eine „Rückseite“ erhalten, die anderen beiden schräg zusammenlaufenden Flächen wurden vom Meister wie ein Hochrelief bearbeitet.
Eine bedingte Malerei mit wenigen Farben schuf ein ausdrucksstarkes künstlerisches Bild. Handlungstechnisch und stilistisch werden skulpturale Miniaturen – „Chinesische Kleinigkeiten“ – mit den „Damen“ und „Husaren“ in Verbindung gebracht. Dabei handelt es sich um winzige, bemalte Holzfiguren, 4-5 cm groß, vielfältig und neugierig in ihren Motiven.
Ein weiteres Spielzeugzentrum, das später, zu Beginn des 18. Jahrhunderts, entstand, war das Dorf Bogorodskaya, das zu einem großen Handwerk für Holzspielzeug wurde. Die Bogorodsker Schnitzerei nimmt immer noch einen bedeutenden Platz in der dekorativen Kunst ein. Bogorodsker Handwerker, die die Traditionen ihrer Kunst von Generation zu Generation weitergaben, schufen originelle, einzigartige Spielzeuge.
Die Handwerker nutzen die künstlerische Ausdruckskraft der Textur und Farbe des Holzes perfekt aus und kombinieren gekonnt eine glatte Oberflächenbehandlung mit flachen Schnitten und Kerben im Spielzeug, mit denen sie verschiedene Details vermitteln. Bogorodsk-Spielzeug zeichnet sich durch Handlung, Gruppenkompositionen und Genreszenen aus, Meister verwenden oft märchenhafte und historische Themen. Viele Spielzeuge sind beweglich gefertigt, was ihre Ausdruckskraft steigert.
Die Provinz Nischni Nowgorod war auch ein wichtiges Zentrum für die Herstellung von Holz- und Kinderspielzeug, in vielen ihrer Bezirke – Gorodetsky, Semenovsky, Fedoseevsky – wurden Spielzeuge geschnitten und bemalt. Die Haupthandlung von Gorodets Spielzeugen sind Pferde in Teams. Die Lakonizität dieser Spielzeuge führte zu einer eigentümlichen stilisierten Form. Die Farbgebung dieser Spielzeuge ähnelt der Farbgebung von Kindermöbeln, Truhen und Schreibtischen, die den Ruhm der Gorodets-Malerei begründeten.
Von besonderem Interesse ist das Dymkovo-Spielzeug, benannt nach der Siedlung Dymkovo in der Nähe der Stadt Kirow. Das Sortiment an Dymkovo-Spielzeugen ist äußerst vielfältig: Damen, Ammen, Reiter, Husaren, fantastische Vögel und Tiere, mehrfigurige Handlungskompositionen. Die vereinfachte und lakonische Plastizität der Dymkovo-Spielzeuge entspricht der Natur ihrer dekorativen Malerei und besticht durch ihre Farbigkeit und Originalität.
Tonspielzeuge aus den Regionen Woronesch, Tula und Archangelsk unterscheiden sich im Aussehen voneinander, zeichnen sich jedoch alle durch außergewöhnliche Klarheit und Einfachheit der Formen, Schönheit und Fantasie aus.
Moderne Künstler lernen von den besten Beispielen volkstümlicher Spielzeuge, lernen, Weisheit in der Einfachheit zu suchen, lernen, das Material perfekt zu beherrschen.

Russische Puppe.

Die erste russische Nistpuppe wurde erst in den 90er Jahren des 19. Jahrhunderts in einer Moskauer Spielzeugwerkstatt nach einem aus Japan mitgebrachten Modell geschnitzt und bemalt.
Dieses mit viel Humor angefertigte japanische Beispiel bestand aus einer Reihe ineinander gesteckter Figuren des japanischen Weisen Fukurum – eines kahlköpfigen alten Mannes, dessen Kopf aus zahlreichen Gedanken nach oben gestreckt war.
Die erste Matroschka war eine Kindergruppe: Acht Puppen stellten Kinder unterschiedlichen Alters dar, vom ältesten (großen) Mädchen mit einem Hahn bis zu einem in Windeln gewickelten Baby. Seine Schöpfer waren Turner V.P. Zvezdochkin, der die ersten Holzpuppen geschnitzt hat, und der Künstler S.V. Malyutin. Die ursprünglichen Darstellungen russischer Nistpuppen waren ausschließlich weiblich: Rötliche und volle hölzerne rote Mädchen waren in Sommerkleider und Schals gekleidet, sie wurden mit Katzen, Hunden, Körben, Blumen, Brot und Salz usw. dargestellt. Es stellte sich plötzlich heraus, dass russische Nistpuppen in Europa, insbesondere in Deutschland und Frankreich, sehr beliebt sind. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts begann ein Massenexport von Matroschka-Puppen. Tatsächlich wurde zu dieser Zeit der Ruf, „ursprünglich Russen“ zu sein, hinter Nistpuppen verankert.
- Es ist auch interessant, dass nach dem Erscheinen der ersten Nistpuppe in verschiedenen Regionen Russlands Künstler begannen, Nistpuppen zu bemalen, ihnen gefiel die Matryona-Puppe so gut! Und sie haben es alle anders gemacht.
Matroschkas aus Sergiev Posad

Ich komme aus Sergiev Posad. Ich bin sehr froh Dich zu treffen.
Künstler schenkten mir ein helles russisches Sommerkleid.
Ich habe schon seit langem ein Muster auf meiner Schürze.
Mein Taschentuch ist berühmt für seinen mehrfarbigen Rand.

Bis zum Ende der 90er Jahre des 19. Jahrhunderts wurden Nistpuppen in der Moskauer Werkstatt „Kindererziehung“ hergestellt, und nach deren Schließung wurde die Herstellung und Bemalung von Nistpuppen von pädagogischen Demonstrationswerkstätten in Sergiev Posad, einem alten Zentrum für, beherrscht Spielzeug herstellen. Hier begann bald die Massenproduktion dieses Spielzeugs und man wählte den Matroschka-Typ, der Sergiev Posad oder Zagorsk genannt wird. Der rasante Aufschwung der Kunst der Herstellung und Bemalung der Nistpuppen von Sergius Possad in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts war so eigenartig, dass er über viele Jahre hinweg den Stil der Bemalung von Nistpuppen in Russland bestimmte. Zu dieser Zeit entstanden die Haupttypen der Malerei der Nistpuppen von Sergiev Posad, deren Hauptunterscheidungsmerkmal der Wunsch ist, das moderne Leben in der Malerei darzustellen. Sergiev Posad war eine farbenfrohe russische Stadt. Der große Marktplatz gegenüber dem Kloster war fast immer voller bunter, lauter Menschen: Kaufleute, Mönche, Pilger, Handwerker. Im Jahr 1910 wurde in Sergiev Posad ein Artel „Handwerker-Künstler“ gegründet, dem fast alle örtlichen Handwerker angehörten. 1928 wurde daraus eine Spielzeugfabrik, die bis heute existiert. Die Matroschka-Puppe von Sergiev Posad weist eine Reihe von Besonderheiten auf: eine gedrungene Form, ein Oberteil, das sanft in einen verdickten unteren Teil der Figur übergeht, Gouachemalerei und Lackbeschichtung.
Matroschka-Puppen von Polkhovsky Maidan

Und ich, meine Freundinnen, komme vom Maidan.
Kann ich ein Filmstar werden?
Schmücke mein Outfit mit Blumen
Mit leuchtenden Blütenblättern
Und verschiedene Beeren
Reif und rot.

In ihrer Form unterscheidet sich die Polchow-Matroschka deutlich von ihren Schwestern Sergiev und Semenov. Darüber hinaus überrascht seine ungewöhnliche Vielfalt, von mehrsitzigen, vertikal verlängerten Figuren mit einem kleinen, streng umrissenen Kopf bis hin zu primitiven einsitzigen Figuren – Säulen und dicken, pilzartigen Puppen. Das Gemälde der Polchow-Nistpuppen basiert auf einer Kombination himbeerroter, grüner und schwarzer Farben entlang einer zuvor mit Tinte aufgetragenen Kontur. „Blumen mit Spitze“ ist das typischste und beliebteste Gemälde im Polkhovsky Maidan, näher und „bunt“ – Dekoration mit Hilfe einzelner Striche, „Stiche“ und Punkte. Die Meister des Polkhovsky Maidan sowie die Nachbarn Merinovsky und Semyonovsky bemalen die Matroschka mit Anilinfarben auf einer vorgrundierten Oberfläche. Farbstoffe werden mit einer Alkohollösung verdünnt. Die Malerei der Sergius-Matroschkas erfolgt ohne Vorzeichnung in Gouache und nur gelegentlich in Aquarell und Tempera, wobei die Farbintensität mit Hilfe von Firnis erreicht wird.

Matroschka Semjonowskaja

Ich komme aus der ruhigen, grünen Stadt Semyonov.
Ich bin gekommen, um dich zu besuchen.
Blumenstrauß Garten rosa, bordeauxrot
Als Geschenk mitgebracht.

Eines der Hauptzentren für die Herstellung und Bemalung von Nistpuppen ist die Stadt Semjonow. Hier entstand das berühmte Khokhloma-Gemälde, in dessen Ornamentzeichnungen Motive aus der Kultur der alten Rus zu finden sind. In ihrer Malerei folgen die Semjonow-Meister den Traditionen des „Gras“-Ornaments der alten Rus. Semyonov-Meister lassen mehr unbemaltes Holz, bemalen die Matroschka mit Anilinfarben und lackieren sie dann. Umreißen Sie zunächst die Konturen von Gesicht, Augen und Lippen mit einem dünnen Pinselstrich und tragen Sie Rouge auf. Dann zeichnen sie einen Schal auf den Kopf der Nistpuppe, zeichnen einen Rock, eine Schürze und Hände. Die Grundlage der Komposition im Gemälde der Semjonow-Nistpuppen ist eine Schürze, die einen Strauß üppiger Blumen darstellt. In der Ausführung dieses Blumenstraußes sind die Maltechniken antiker russischer Meister sichtbar. Mit der Zeit schien sich die Zeichnung des Straußes mit Kräutersäften zu füllen und immer dichter, farbenfroher und malerischer zu werden. Derzeit verwenden Meister in der Malerei drei Farben – Rot, Blau und Gelb – und variieren die Farbkombinationen von Schal, Sommerkleid und Schürze. Das Wichtigste bei der Färbung der Semjonow-Matroschka ist die Lösung der Hauptfarbe im Blumenstrauß, die den Ton für das gesamte Farbsystem vorgibt. Der Strauß ist traditionell asymmetrisch, leicht nach rechts verschoben, auf der Schürze platziert. Die Drechsler von Semenov schufen ihre eigene Form der Matroschka, die im Gegensatz zur Matroschka-Puppe von Sergiev Posad eine größere Harmonie aufweist, ein relativ dünnes „Oberteil“, das scharf in ein verdicktes „Unterteil“ übergeht. Die berühmte Semjonow-Matroschka unterscheidet sich in vielen Punkten von den Nistpuppen anderer Zentren. Bis zu 15-18 bunte Puppen werden hineingelegt. In Semjonow wurde die größte Nistpuppe mit 72 Sitzplätzen geschnitzt, deren Durchmesser 0,5 Meter und die Höhe 1 Meter beträgt.

Wjatka Matroschka

Unsere Lippen mit einer Schleife,
Ja, Wangen wie Äpfel,
Kenne uns schon lange
Alle Leute auf der Messe.
Wir sind Vyatka-Nistpuppen
Jeder auf der Welt ist schöner.
Bemalt, hell
Unsere Sommerkleider.

Die Bewohner von Wjatka und den umliegenden Dörfern beschäftigen sich seit langem mit der Herstellung von Spielzeug. Die besondere Originalität der bemalten Holzpuppe Vyatka besteht darin, dass die Nistpuppen nicht nur mit Anilinfarben bemalt, sondern auch mit Strohhalmen eingelegt wurden. In dieser Gegend ist die Stroheinlage für kunstvolle Holzprodukte auf Zimmermannsbasis, vor allem Kästen und Schatullen, seit langem bekannt. Zur Inkrustierung wird Roggenstroh verwendet, das auf speziellen Flächen angebaut und sorgfältig von Hand mit der Sichel geschnitten wird. Um einen dekorativen Effekt zu erzielen, wird ein Teil des Strohhalms in einer Sodalösung goldbraun gekocht, der andere Teil bleibt weiß. Anschließend wird der Strohhalm geschnitten, geglättet und mit einem Stempel die Details des gewünschten Musters ausgeschlagen. Kleben Sie die Strohhalme auf den rohen Nitrozelluloselack. Die mit Anilinfarben bemalte und mit Strohhalmen eingelegte Matroschka ist mit Öllack überzogen. Die Wjatka-Matroschka ist die nördlichste aller russischen Matroschka. Sie porträtiert ein blauäugiges Mädchen aus dem Norden mit einem sanften, schüchternen Lächeln. Das Gesicht dieser Matroschka fasziniert und zieht Sie an, sie sind so süß und freundlich.

Der Fantasie zeitgenössischer Künstler sind derzeit keine Grenzen gesetzt. Die traditionelle Art der Matroschka von Sergiev Posad, die einen Gegenstand in der Hand hält, wurde nun durch zahlreiche Varianten von Nistpuppen ergänzt – Mädchen, Frauen, manchmal sogar ältere Menschen, mit Körben voller Früchte, Samowar und Körben. Immer weiter verbreitet sind Matroschka-Puppen, auf deren Schürzen Geschichten aus russischen Volksmärchen abgebildet sind. Künstler mit ausreichenden technischen Fähigkeiten reproduzieren diese Szenen in der Technik der Lackminiaturmalerei aus dekorativem Palekh oder realistischem Fedoskin. Die Tendenz, bei der Bemalung moderner Nistpuppen dekorative Motive zu verwenden, die für die traditionellen Zentren der russischen Volkskultur charakteristisch sind, wird immer deutlicher.

Merkmale der Herstellung und Phasen der Bemalung von Nistpuppen.

Ich frage mich, wie eine Matroschka geboren wird?
Matroschka-Puppen werden aus Lärche, Linde und Espe hergestellt und im zeitigen Frühjahr gefällt.
Das Holz reift zwei bis drei Jahre, dann wird es maschinell gedrechselt und sorgfältig verarbeitet.
Der Meister wählt das Material für die Puppe sorgfältig aus und sucht nach einem Material, das weder Knoten noch Risse aufweist. Erst nachdem er sich von der Qualität des Werkstücks überzeugt hat, beginnt er mit der Arbeit.
Zuerst schärft er die kleinste Matroschka, manchmal ist sie ganz winzig, weniger als ein Nagel, dann mehr, mehr ...
Phasen des Bemalens von Nistpuppen. Werkstückschleifen. Musterumriss. Hintergrundzeichnung. Zeichnungsdetails. Schlussstrich. Lackieren.

Goldenes Chochloma

Das Goldene Khokhloma ist eines der ältesten originalen russischen Volkshandwerke, das seit Jahrhunderten das Leben und die Lebensweise ganzer Generationen prägt und ein integraler Bestandteil der russischen Kultur ist.
Khokhloma ist ein altes lokales Wort, das mit der Sprache der in der Transwolga-Region lebenden finno-ugrischen Völker verbunden ist. Den Namen Khokhloma erhielt der hier fließende Fluss, an dem ein Dorf entstand – auch Khokhloma, das sich im 16. Jahrhundert zu einer großen Handelssiedlung entwickelte. Mehrere Jahrhunderte lang brachten in den umliegenden Dörfern geborene Handwerker hierher die von ihnen hergestellten bemalten Holzutensilien und Löffel zum Verkauf, die auch Khokhloma genannt wurden.
Die Kunst von Khokhloma entstand und entwickelte sich in den Wäldern der Transwolga-Region in einem lokalen Massenhandwerk, das hölzerne Drechselutensilien und Löffel herstellte und dabei das wertvolle Erbe der künstlerischen Kultur der alten Rus und der jahrhundertealten Arbeit und Kreativität aufnahm Erfahrung vieler talentierter Handwerker. Von einer Generation von Künstlern zur nächsten wird in diesem Handwerk eine einzigartige Technologie des Bemalens von Holz mit Gold ohne Verwendung von Gold weitergegeben, die den Ikonenmalern der antiken Rus bekannt war und von ursprünglichen Erfindern vor Ort für die Verzierung von Holzutensilien übernommen wurde. Die Herstellung von Khokhloma-Utensilien wurde lange Zeit durch die hohen Kosten für importiertes Zinn behindert. Nur ein sehr wohlhabender Kunde konnte die Handwerker mit Zinn versorgen. In der Transwolga-Region erwiesen sich Klöster als solche Kunden. So arbeiteten die Dörfer Khokhloma, Skorobogatovo und etwa 80 Dörfer entlang der Flüsse Uzola und Kerzhents für das Dreifaltigkeits-Sergius-Kloster. Aus den Unterlagen des Klosters geht hervor, dass die Bauern dieser Dörfer zur Arbeit in den Werkstätten der Lavra berufen wurden, wo sie sich mit der Herstellung festlicher Schalen und Schöpfkellen vertraut machen konnten. Es ist kein Zufall, dass es die Dörfer und Dörfer Khokhloma und Skorobogatov waren, die zum Geburtsort der ursprünglichen Malerei von Gerichten wurden, die den kostbaren Gerichten so ähnlich sind.
So waren die bemalten Holzutensilien der Transwolga-Meister ab dem 17. Jahrhundert in ganz Russland berühmt. „Zeremonielle“ Gerichte wurden auf Sonderbestellung in kleinen Mengen aus verschiedenen Holzarten, unterschiedlichen Formen und künstlerischen Veredelungen hergestellt und waren als Geschenke für bedeutende Gäste und ausländische Botschafter gedacht.
Die Kunst von Khokhloma ist nicht nur eine wunderschön ausgeführte Malerei, sondern auch die Fähigkeit, eine ausdrucksstarke Form des Produkts zu schaffen, das Wissen über die komplexe Technologie der Holzverarbeitung. Und nur wenige Menschen wissen, wie viel Arbeit und Geduld, Können und wahre Inspiration dieser komplexe Prozess von Menschen unterschiedlicher Fachrichtungen erfordert.
Das Khokhloma-Muster zeichnet sich auch dadurch aus, dass auf schwarzem, goldenem oder rotem Hintergrund ein blättrig-beeriges, sogenanntes Kräuterornament geschaffen wurde – Bilder von Erdbeeren, Himbeeren, Brombeeren, Stachelbeeren, Johannisbeeren, Eberesche usw. - hergestellt in Kombinationen aus Rot und Gold, Rot und Schwarz oder Gold und Schwarz.
In der modernen Khokhloma-Malerei bleiben Stil und Farbe des traditionellen Ornaments „oben“ und „Hintergrund“ erhalten, das Farbschema wird jedoch erweitert. Neben Schwarz, Rot und Gold – der traditionellen Trikolore, die aus der Ikonenmalerei stammt – werden auch die Farben Grün und Gelb, Orange und Braun verwendet. Der mit leuchtenden Blumen geschmückte feurige Feuervogel wurde zum Symbol der Khokhloma-Malerei. Als Hauptstadt des goldenen Khokhloma gilt die Stadt Semenov in der Region Nischni Nowgorod.
Heute ist Semenov ein entwickeltes Touristenzentrum, in dem das Festival „Goldenes Khokhloma – die Seele Russlands“ stattfindet. Hier gibt es etwas zu sehen. Touristen können das Goldene Khokhloma-Museum und Touristenzentrum oder die Khokhloma-Gemäldefabrik besuchen, um durch ihre Werkstätten zu schlendern und zu sehen, wie ein Holzlöffel, eine Tafel, eine Matroschka, wunderschönes Geschirr und Möbel entstehen und bemalt werden. Den Gästen unserer Stadt wird die Möglichkeit gegeben, einzigartige Kunsthandwerke zu erwerben. So wurde Semenov Khokhloma für die ganze Welt Visitenkarte Städte. Das ist wirklich die Seele Russlands.

Gzhel-Kunst

Die erste Erwähnung von Gzhel in historischen Dokumenten („Spirituelles Diplom“ von Ivan Kalita).XVI Jahrhundert. Im Testament von Zar Iwan IV. „dem Schrecklichen“ wird Gschel zu den „souveränen Palastvolosten“ aufgeführt. XVII Jahrhundert. Im Jahr 1663 erließ Zar Alexei Michailowitsch ein Dekret, „in den Gschel-Wolosten Ton für pharmazeutische und alchemistische Gefäße zu finden“.
Im Jahr 1710 wurde der Gzhel volost vollständig dem Apothekenorden „für die Arbeit alchemistischer Gerichte“ zugeschrieben und bestand am Ende des Jahrhunderts aus 16 Dörfern, in denen es 681 Haushalte und 4542 Menschen gab. Anfang des 19. Jahrhunderts.
Gzhel-Produkte werden als „blasse und farbige Gerichte“ bezeichnet, „das beste aller in Russland hergestellten Gerichte dieser Art“, und der Gzhel-Volost selbst ist „sehr herrlich“.
Bereits zu Zeiten Peters I. wurde versucht, die Produktion künstlerischer Keramik in Russland zu organisieren, deren Ergebnisse machten sich jedoch erst Mitte des 18. Jahrhunderts bemerkbar.
Die Ehre, russische künstlerische Fayence zu schaffen, gebührt dem Moskauer Kaufmann Afanasy Grebenshchikov, der 1747 in seiner Fabrik zum ersten Mal in Russland die Herstellung dünner Majolika oder Tsenina, wie sie damals genannt wurde, beherrschte. Majolika-Produkte hatten einen dicken farbigen Scherben, der mit weißer Emaille bedeckt war; die meisten davon blieben unbemalt. Der Ruhm von Grebenshchikovs Gerichten waren gerade die Produkte, die auf ihrer leicht bläulichen Oberfläche wunderschöne blaue Zeichnungen trugen. Ihre Formen waren im Barockstil gestaltet und orientierten sich an Porzellan- und Silbergeschirr, während sich die Bemalung an Mustern der modischen Delfter Fayence aus Holland orientierte, die zum ästhetischen Ideal ihrer Zeit wurde. Es überwogen mit blauer Farbe gefüllte Ornamentmotive, die jeweils keine Kopie, sondern eine Variante „gegen das Übersee-Vorbild“ darstellten. Sie bestanden aus Elementen, die für die Wandmalereien dieser Zeit typisch waren: Rocaille-Locken, stilisierte Körbe mit Blumen, Muschelmotive, Bordüren mit diagonalen Kreuzungen. Große Suppenschüsseln (Terini), Schüsseln und Tabletts waren mit Ornamenten bedeckt, wobei jedes Stück eine originelle Interpretation hatte, die auf dem Prinzip eines großen dekorativen Flecks auf hellem Hintergrund basierte.
Ein weiteres charakteristisches Prinzip der Dekoration von Grebenshchikovs Gerichten ist ein weißes Spitzenmuster auf bläulichem Hintergrund mit geometrischen Elementen und Elementen der Korbflechterei. Nicht alle Produkte der Grebenshchikov-Fabrik sind von gleichem künstlerischen Wert: Einige von ihnen sind hervorragende Beispiele für Majolika, die von echten Handwerkern hergestellt wurden, andere verraten die Hand eines unerfahrenen Meisters. Erstere wurden auf Bestellung gefertigt und am kaiserlichen Hof, in staatlichen Institutionen oder in den Häusern der Aristokratie verwendet (zum Beispiel eine Suppenschüssel mit dem Wappen des berühmten Schriftstellers und Theatermachers P. A. Sumarokov), letztere gingen weiter Verkauf. Die Grebenshchikov-Fabrik beeinflusste die gesamte Weiterentwicklung der russischen Kunstkeramik. Insbesondere die Erfahrungen dieser Anlage waren für die größte Töpferregion Russlands – Gschel – von großer Bedeutung.
In der Geschichte der russischen Keramik nimmt Gschel einen besonderen Platz ein, nicht nur, weil es zum Zentrum der Volkskeramikkunst wurde, sondern auch, weil es viele Fabriken mit Ton versorgte und hervorragende Töpfer lieferte; Sie wiederum trugen die tiefen Traditionen der Töpferei an andere Orte: Gschel-Bauern gründeten überall Keramikunternehmen. Aus Gzhel-Majolika des 18. Jahrhunderts. und die Geschichte der Entwicklung der Volkskunstkeramik in Russland beginnt. Nach der Majolika begann im 19. Jahrhundert die Herstellung von Halbfayence, Porzellan und Fayence. In nur 50 Jahren beherrschte Gzhel alle wichtigen Arten künstlerischer Tonprodukte.
Die hellsten Seiten dieser Geschichte fallen in die zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts, als in Gschel, 50 Meilen von Moskau entfernt, fast die gesamte Bevölkerung von 30 Dörfern begann, Majolika herzustellen. In Bezug auf Originalität und Ausführungsbeherrschung sind Kumgans und Kwas am interessantesten, die sich durch eine spezifische, vielfach unterschiedliche Form auszeichnen. Der scheibenförmig geschwollene Körper mit rüsselförmiger Nase war auf Löwentatzen montiert und mit einem zweiteiligen Hals mit Deckel bekrönt. Die Fermenter haben in der Mitte der Körperscheibe ein Loch. Der einzigartige Charme der Gzhel-Kumgans und des Kwass wird durch skulpturale Figuren verliehen, die entweder auf der „Schulter“ scheibenförmiger Gefäße oder auf deren Oberfläche platziert wurden: Bilder von Männern mit Musikinstrumenten, Bücher lesenden Frauen, Müttern mit Kindern; manchmal wurden Genreszenen von Jagd, Krieg usw. aus Figuren zusammengesetzt. Solche Gefäße dienten als Dekoration Feiertagstisch, waren mit Braga, Bier und Fruchtkwas gefüllt. Von großem Interesse ist das Gemälde auf Gschel-Majolika-Produkten, das keinen Anspruch auf Raffinesse erhebt und in einer Weise hergestellt wird, die dem populären Druck ähnelt. Es zeichnet sich durch die Beherrschung der Komposition und Farbharmonie aus. Jedes Bild ist das Ergebnis der Arbeit eines Töpfers, eines Menschen, der oft Analphabeten ist, aber über das Gespür des Künstlers verfügt, das es ihm ermöglicht, in seinem Werk Beobachtungen der Natur, des städtischen und ländlichen Lebens, Eindrücke aus anderen Kunstarten und die Früchte von zu kombinieren seine eigene Fantasie. Mit souveräner Hand wurde auf die ungebrannte Emaille eine braune Kontur aufgetragen, die innen mit grüner, blauer, brauner und gelber Farbe ausgefüllt wurde. Architekturmotive, Flora und Fauna spiegeln sich hauptsächlich in Gzhel-Zeichnungen wider, manchmal menschliche Figuren, vor allem aber Vögel, die in der Volkskunst so beliebt sind. Sie wurden in verschiedenen Posen dargestellt: stehend, sitzend, flatternd, pickend, auf Ästen sitzend, zurückblickend.
Ein weiteres der Volkskunst innewohnendes Merkmal wurde von der Gzhel-Majolika geerbt – das Bild mit Inschriften über die Zeit der Herstellung des Gefäßes und den Namen des Meisters oder Besitzers zu begleiten. Dank der Gzhel-Schiffe kennen wir Gzhel-Meister des 18. Jahrhunderts wie Nikifor Semenovich Gusyatnikov, Ivan Nikiforovich Sroslay und Ivan Ivanovich Kokun.
Ein besonderer Bereich der Gzhel-Majolika ist die Skulptur. Es ist so originell wie die Gerichte, ungewöhnlich vital, meisterhaft, mit genial gefundenen Lösungen. Die dem realen Leben ihrer Zeit entnommenen Bilder zeichnen sich nicht nur durch künstlerisches Können in der Ausführung, sondern auch durch einen hohen Grad an Verallgemeinerung aus.
Die kleine Majolika-Skulptur von Gzhel trug dazu bei, dass das Interesse an diesem Bereich der dekorativen und angewandten Kunst weiter geweckt wurde und viele Porzellanfiguren und -kompositionen nicht nur in Gzhel, sondern auch in anderen russischen Porzellanfabriken entstanden. Im 19. Jahrhundert Zwei weitere Arten künstlerischer Keramik verbreiteten sich – Halbfayence (sie wurde nur in Gzhel hergestellt) und Feinfayence.
Die Kunst der Halbfayence war eine direkte Fortsetzung der Gschel-Majolika. Die Produktpalette blieb nahezu unverändert (Krüge, Kumgans, Fermenter, Rukomoi, Tintenfässer, Salzkästen), die frühere Formenarchitektur blieb ebenso erhalten vorsichtige Haltung zum Dekor und seiner Verbindung mit der Form. Aber Halbfayence war technologisch anders als Majolika, sie wurde zu einer anderen Zeit geboren und daher wurde ihr künstlerisches Bild anders.
Produkte aus Halbfayence hatten einen weißen Scherben, der aber dennoch dick blieb, nach dem Brennen mit blauer Farbe bemalt und mit transparenter Glasur übergossen wurde. Die Kombination einer weißen Scherbe mit blauer Bemalung, die fast ausschließlich ornamentaler Natur war und überwiegend pflanzliche Formen aufweist, ist die Besonderheit der Halbfayence.
Die edle Kombination aus blauer Farbe und weißem Hintergrund ist seit langem bekannt und wird verwendet: in chinesischem Porzellan, Delfter Fayence, englischer Feinfayence. In Bezug auf den figurativen Inhalt, die kompositorische Struktur, die Art des Strichs und den auf dem Gefäß eingenommenen Platz sind die blauen Gzhel-Gemälde auf dem weißen Hintergrund einer Halbfayence-Scherbe jedoch ein völlig eigenständiges Phänomen in der Keramik.
Das 19. Jahrhundert brachte die rasante Entwicklung der Fayence-Industrie mit sich, die sich parallel zur Produktion von Halbfayencen in Gschel entwickelte. Die Technologie der Fayence-Herstellung hat sich verändert, das künstlerische Bild des neuen Keramikmaterials ist anders geworden. Im Gegensatz zu Majolika und Halbfayence hatte Fayence einen dünnen, weißen, hellen Scherben, der mit transparenter Glasur bedeckt war. Er widmete sich der Herstellung, hauptsächlich von Tafelgeschirr. Die Möglichkeiten, es zu dekorieren, sind äußerst vielfältig: farbiges Gießen auf einer glatten oder geprägten Oberfläche, Abtönen der Masse, Pinselmalerei mit Farben und Kronleuchtern. Am weitesten verbreitet ist jedoch das in England speziell für diese Keramikart erfundene Verfahren des Transferdrucks. Es erwies sich als das wirtschaftlichste, was für die Kunstindustrie äußerst wichtig war.
In der Sowjetzeit begann der Hauptplatz der feinen Fayence zu gehören. Halbfayence fand eine Fortsetzung in einem anderen Keramikmaterial – es inspirierte sowjetische Künstler zur Herstellung von Gschel-Porzellan, das die Traditionen der Halbfayence und bis zu einem gewissen Grad ihr künstlerisches Bild bewahrte.
Nach der Halbfayence begann die Porzellanzeit in der Herstellung von Gzhel. Bis zum Ende des 19. Jahrhunderts gelang es den Gzhel-Handwerkern, außergewöhnliche künstlerische und technologische Höhen bei der Herstellung von Gerichten zu erreichen. Feinste Fayence und schneeweißes Porzellan erfreuten nicht nur das Auge, sondern waren auch sehr langlebig.
Nach den revolutionären Ereignissen von 1917 wurden alle Gzhel-Fabriken verstaatlicht und blieben bis zur Mitte des 20. Jahrhunderts in einem schlechten Zustand.
Heute ist die Gzhel-Kunst wieder zu neuem Leben erwacht und hat dank neuer moderner Technologien darüber hinaus einen starken Entwicklungsimpuls erhalten.

Bogorodsk-Spielzeug

Bogorodsk-Schnitzerei, Bogorodsk-Spielzeug - Russisch Volkshandwerk, bestehend aus der Herstellung von geschnitzten Spielzeugen und Skulpturen aus Weichhölzern (Linde, Erle, Espe). Sein Zentrum ist das Dorf Bogorodskoye (Bezirk Sergiev Posad der Region Moskau).

Herkunft

Sergijew Possad und seine Umgebung gelten seit langem als historisches Zentrum der Spielzeugherstellung in Russland. Manchmal wurde sie auch „Russische Spielzeughauptstadt“ oder „Hauptstadt des Spielzeugkönigreichs“ genannt. In vielen umliegenden Dörfern wurde Spielzeug hergestellt. Am bekanntesten war jedoch das Dorf Bogorodskoe, das etwa 29 Kilometer von Sergiev Posad entfernt liegt. Das Spielzeughandwerk von Sergiev Posad und dem Dorf Bogorodsky wird von Experten als zwei Zweige an einem Stamm bezeichnet. In der Tat haben Kunsthandwerke gemeinsame Wurzeln: die Traditionen der antiken säulenartigen Kunststoffe und die Schule der dreidimensionalen Reliefholzschnitzerei im Dreifaltigkeits-Sergius-Lavra, die seit dem 15. Jahrhundert bekannt ist.
Der Volkslegende zufolge lebte vor langer Zeit eine Familie im Dorf. Die Mutter beschloss, die kleinen Kinder zu unterhalten. Sie schnitt eine „Auka“-Figur aus einem Block Holz. Die Kinder freuten sich, spielten und warfen die „Auka“ auf den Herd. Einmal begann sich der Ehemann zum Basar zu versammeln und sagte: „Ich nehme die „Auka“ und zeige sie den Händlern auf dem Basar.“ „Auka“ kaufte und bestellte mehr. Seitdem wird in Bogorodskoje Spielzeug geschnitzt. Und sie wurde „Bogorodskaya“ genannt.
Es ist ziemlich schwierig, das tatsächliche Ursprungsdatum der Fischerei zu bestimmen. Lange Zeit glaubten die meisten Forscher, dass sich Bogorodskoje bereits seit dem 17. Jahrhundert mit volumetrischer Holzschnitzerei beschäftigte. Grundlage für solche Aussagen waren die Palastbücher des Zaren Alexei Michailowitsch, in denen es um den Kauf von Spielzeug für die königlichen Kinder auf dem Weg zum Dreifaltigkeits-Sergius-Kloster geht. Darüber hinaus beziehen sie sich meist nicht auf die Primärquelle, sondern auf die Werke von D. Vvedensky und N. Tseretelli, bekannten Forschern russischer Bauernspielzeuge in den 1930er Jahren, die sich ebenfalls nicht auf Archivdokumente, sondern auf die Forschungen von I. E. stützen. Zabelin. Letzterer machte jedoch einen Fehler: Der Kauf von Holzspielzeug ist im Spesenbuch von Ekaterina Alekseevna, der Frau von Peter I., im Eintrag von 1721 angegeben. Aber wie I. Mamontova in ihrem Artikel schreibt: „Die Quelle gibt jedoch eindeutig an, dass der Kauf in Moskau getätigt wurde…“
Es wird angenommen, dass die frühesten erhaltenen Werke des Bogorodsker Handwerks (befindet sich im Staatlichen Historischen Museum, im Staatlichen Russischen Museum, im nach S. T. Morozov benannten Museum für Volkskunst und im Kunst- und Pädagogischen Museum für Spielzeug) aus dem Anfang des 19. Jahrhunderts stammen Jahrhundert. Höchstwahrscheinlich wäre es legitim, den Ursprung des geschnitzten Bogorodsk-Spielzeugs auf das 17.-18. Jahrhundert und die Entstehung des Handwerks auf das Ende des 18. - Anfang des 19. Jahrhunderts zurückzuführen.
Das Handwerk war zunächst eine typische bäuerliche Produktion. Die Produkte wurden saisonal hergestellt: ab Spätherbst und zwar bis zum Frühjahr, als die landwirtschaftliche Arbeit unterbrochen wurde. Bogorodsker Schnitzer waren lange Zeit direkt vom Sergiew-Handwerk abhängig, arbeiteten direkt auf Bestellungen von Sergiev-Käufern und stellten hauptsächlich sogenannte „graue“ Waren her, die schließlich in Sergiev Posad fertiggestellt und bemalt wurden.
Gleichzeitig entstanden in der Anfangsphase der Entstehung des Bogorodsker Handwerks Werke, die als Meisterwerke der Volkskunst gelten, darunter „Der Hirte“, der zu einer Art Bogorodsker Klassiker geworden ist, Löwen mit Jungen , Hunde mit Welpen.
Das Handwerk entstand in einer rein bäuerlichen Umgebung, entwickelte sich jedoch unter dem starken Einfluss der handwerklichen Produktion mit einer anderen Kulturform – der Township. Diese Art von Kultur ist eine Symbiose städtischer und bäuerlicher Traditionen, die von Porzellanskulpturen, Buchillustrationen, populären Volksdrucken und Werken professioneller Maler beeinflusst wurde.

Entwicklung

Bereits Mitte des 19. Jahrhunderts verlagerte sich das Zentrum der Schnitzerei nach Bogorodskoye und das Bogorodsky-Handwerk erlangte seine Unabhängigkeit. Einen großen Einfluss auf die Bildung des eigentlichen Bogorodsker Stils hatten die Werke von Meistern wie A. N. Zinin und etwas später die Tätigkeit eines professionellen Künstlers, des aus Bogorodsk stammenden P. N. Ustratov. Die Zeit der 1840er-70er Jahre des 19. Jahrhunderts ist nach Ansicht einiger Experten die Blütezeit des Bogorodsker Schnitzhandwerks.
Die nächste Stufe in der Entwicklung des Spielzeuggeschäfts in Bogorodskoje ist mit den Aktivitäten des Moskauer Provinzials Zemstvo in den Jahren 1890-1900 in diesem Bereich verbunden. Im Jahr 1891 wurde in Sergiev Posad eine Lehr- und Demonstrationswerkstatt organisiert, die die Funktionen einer Forschungs- und Bildungseinrichtung vereinte und auch Spielzeug in Russland und im Ausland verkaufte. Einige Jahre zuvor wurde in Moskau mit Unterstützung von S. T. Morozov das Moskauer Handwerksmuseum eröffnet. Tatsächlich handelte es sich um eine ganze Bewegung, die die nationale Grundlage in der sterbenden Volkskunst wiederbelebte und unterstützte. Zemstvo-Figuren und Künstler wie N. D. Bartram, V. I. Borutsky und I. I. Oveshkov spielten eine bedeutende Rolle bei der Entwicklung des Bogorodsker Handwerks.
Als professioneller Künstler, Sammler und später Gründer und erster Direktor des Staatlichen Spielzeugmuseums (heute Kunst- und Pädagogisches Spielzeugmuseum) war N. D. Bartram einer der ersten, der versuchte, alte Traditionen zu bewahren und wiederzubeleben. Da er jedoch sah, dass die alten Werke die Handwerker nicht faszinierten, begann er, sie auf die Schaffung von Werken im Volksstil auszurichten, die jedoch den Vorbildern professioneller Künstler folgten. Der Gegner dieses Weges war der Künstler und Sammler A. Benois, der diesen Vorgang als künstliche Rettung der Fischerei betrachtete.
Im ersten Jahrzehnt nach der Oktoberrevolution wurden in Bogorodskoje alte Zemstvo-Proben aufbewahrt, die Produkte des Fischfangs in großen Zahlen ging in den Export. Im Jahr 1923 wurde das Artel „Bogorodsky-Schnitzer“ restauriert, in dem die Meister der älteren Generation ihre Arbeit fortsetzten und das Bogorodsky-Handwerk einen der führenden Plätze einnimmt. Der Wandel der Gesellschaftsstruktur regte die Handwerker zur Suche nach neuen Formen und künstlerischen Lösungen an. Allerdings entstand genau zu dieser Zeit das Problem der „Staffeleimalerei“, das bereits in der „Zemstvo-Zeit“ aufkam. In den 1930er Jahren erschien die sogenannte Spielzeugskulptur, die sich durch die Neuheit des Themas und seine Offenlegung auszeichnete.
Als eines der tragischsten Daten in der Geschichte des Bogorodsker Handwerks kann das Jahr 1960 bezeichnet werden, als die für das Kunsthandwerk traditionelle Artel-Arbeitsorganisation aufgelöst und durch eine Fabrikorganisation ersetzt wurde. Dieser Prozess wird manchmal treffend als „Herstellung“ der Fischerei bezeichnet. Von diesem Zeitpunkt an begann das Handwerk langsam zu sterben, und die Konzepte „Kunstindustrie“, „Plan“, „Val“ und andere völlig fremde Konzepte traten an seine Stelle. Eineinhalb Jahrzehnte später zog das Dorf Bogorodskoje mit seiner eigenartigen Landschaft und den Besonderheiten des Flusses Kunja durch eine böse Wendung des Schicksals die Aufmerksamkeit von Energieingenieuren auf sich. Die Situation vor Ort hat sich verschlechtert. Blockhäuser mit Spitzenarchitraven wurden abgerissen, Gärten abgeholzt und die traditionellen Bogorodsker Zusammenkünfte und die Einfachheit der ländlichen Kommunikation blieben zurück. Bildhauermeister zogen in Hochhäuser in die oberen Stockwerke, traditionelle Handwerke wurden immer problematischer. Bereits 1984 schrieb G. L. Dine in der Zeitschrift „Dekorative Kunst der UdSSR“: „... das Dorf neben den neuen Gebäuden, die darauf vordringen, wirkt klein und elend. Wahrscheinlich wird die Sicherheitszone sie jetzt auch nicht retten. Unweigerlich wird sich die Lebensweise der Menschen, ihr spirituelles und moralisches Erscheinungsbild ändern, was bedeutet, dass sich auch die Bogorodsker Kunst verändern wird.

Angelfunktionen

Das Bogorodsk-Schnitzen wird mit einem speziellen „Bogorodsk“-Messer („Hecht“) durchgeführt. Ein besonderes Merkmal des Handwerks war schon immer die Herstellung von beweglichem Spielzeug. Das bekannteste Spielzeug ist „Schmiede“, das meist einen Mann und einen Bären darstellt, die abwechselnd auf den Amboss schlagen. Dieses Spielzeug, das einigen Quellen zufolge mehr als 300 Jahre alt ist, ist zu einem Symbol sowohl des Bogorodsker Handwerks als auch von Bogorodsky selbst geworden und wurde in das Wappen des Dorfes aufgenommen
Das Spielzeug „Schmiede“ ist über 300 Jahre alt. „Schmiede“ ist zu einem Symbol der Bogorodsker Industrie geworden. Es lohnt sich, die Lamellen zu verschieben und schon beginnt die flotte Arbeit. Figuren bewegen sich in einem klaren Rhythmus, Hämmer schlagen im Takt auf den Amboss. Und auch das Spielzeug „Hühner“ ist langlebig. Sie wurde bereits zur Zeit von Puschkin und Lermontow von Kindern gespielt. Im komplizierten „Spaß“ mit dem Gleichgewicht liegt die Idee des Rhythmus, für den das Kind von Natur aus sensibel ist. Es macht Spaß zu beobachten, wie die Hühner in strenger Reihenfolge an den aufgemalten Körnern picken. Die Mechanismen selbst sind einfach, aber die Aktionen sind effektiv. Der Klang schärft die Dynamik des Spielzeugs.
Bunte Holzhühner auf einem Ständer, Figuren von Schmieden, ein Mann und ein Bär – ziehen Sie an der Stange, und sie werden mit Hämmern auf einen kleinen Amboss klopfen ... Lustige Spielzeuge, die in Russland seit jeher bekannt sind, sind zum Hauptvolk geworden Handwerk für Bewohner des Dorfes Bogorodskoje bei Moskau.
Das traditionelle Bogorodsker Spielzeug sind unbemalte Figuren von Menschen, Tieren und Vögeln aus Lindenholz, Kompositionen aus dem Leben eines russischen Bauern. Bisher galten der „Mann und der Bär“ als Symbol des Handwerks in verschiedenen Handlungsinszenierungen, allen voran das bewegliche Spielzeug „Schmiede“.

Filimonov-Spielzeug

Filimonovo-Spielzeug wurde im Dorf Filimonovo, Bezirk Odoevsky, Region Tula, geboren. Das Dorf liegt in der Nähe von guten Tonvorkommen. Vielleicht bestimmte dies ihr Handwerk (die Legende besagt, dass Großvater Filimon an diesen Orten lebte und Spielzeug herstellte). Im Spielzeuggeschäft waren überwiegend Frauen tätig. Im Alter von 7 bis 8 Jahren begannen Mädchen, „Pfeifen“ zu formen. Sie arbeiteten im Winter in ihrer Freizeit von der Landarbeit. Anschließend wurden die Spielzeuge auf Messen und Basaren in den nächstgelegenen Kreisstädten und in Tula verkauft. Derzeit beschäftigt sich im Dorf Filimonovo eine Keramikspielzeugwerkstatt mit der Herstellung von Tonspielzeug. Die Figuren werden von Hand geformt, dann mehrmals in einem beheizten Raum getrocknet, in einem elektrischen Muffelofen 12 Stunden lang bei hoher Temperatur (bis zu 800 °C) gebrannt und ohne vorheriges Tünchen bemalt (lokaler Ton erhält eine strahlend weiße Farbe). nach dem Brennen). Die Spielzeuge werden hier nicht mit einem Pinsel, sondern mit einer Gänsefeder bemalt, wobei auf einem Ei verdünnte Anilinfarben verwendet werden.
Die ältesten Handwerkerinnen nehmen unter Wahrung der Handwerkstraditionen, Themen und Handlungsstränge des Spielzeugs ihre eigenen Ergänzungen und Änderungen vor. Von Künstlern geschaffene Tiere und Tiere unterscheiden sich in Form und Bemalung. Die Spielzeuge sind lustig, skurril und gleichzeitig einfach in der Ausführung und sehr ausdrucksstark.
Die Handlungsstränge des Filimonovo-Spielzeugs sind traditionell – das sind Damen, Bäuerinnen, Soldaten, Tanzpaare, Reiter; von Tieren - Kühen, Schafen, Pferden, Bären; von Vögeln - Hühnern, Hähnen und vielem mehr. Im Gegensatz zu Dymkovo-Spielzeugen sind alle Filimonov-Spielzeuge Pfeifen, auch Damen und Herren. Die Pfeife befindet sich immer im Schwanz der Tiere und Vögel, die sie halten.
Lokaler Ton ist etwas Besonderes: zähflüssig, ölig, plastisch. Die Handwerkerinnen ziehen die ganze Figur auf einmal heraus – bei dieser Modelliermethode werden die Spielzeuge anmutig und plastisch. Wenn es aushärtet, „härtet“ der Ton aus, und dann ist es notwendig, die Produkte wieder zu „spannen“ und zu glätten, wodurch ihre Form noch gestreckter und länger wird. Und das passiert mehrmals, bis das Spielzeug überhaupt nicht mehr „einfriert“. Nach dem Brennen beginnen sie, das Spielzeug zu bemalen.
Zuerst werden gelbe Streifen und Flecken induziert, dann werden sie mit einer roten „Feder“ umrandet, dann grün, blau, manchmal lila.
Darüber hinaus variieren die Kunsthandwerkerinnen die Farbe. Ein blauer Strich fällt auf Gelb – es wird grün, Rot auf Gelb ergibt, wie man hier sagt, „heiß“ (orange). Das Gemälde ist nach dem traditionellen Schema aufgebaut: Farbige Streifen verlaufen entlang der Form und wechseln sich mit klangvollen lokalen Flecken ab. Insbesondere auf Damenröcken gibt es auch komplexere Muster: Ein verzweigtes „Fischgrätenmuster“, eine leuchtende „Beere“, ein strahlendes „Sternchen“ oder „Sonne“ funkeln ineinander und verflechten sich zu fröhlich gemusterten Blütenständen.
Der Kreis bezeichnet im Gemälde die Sonne, das Dreieck – die Erde, Weihnachtsbäume und Sprossen – ein Symbol für Vegetation und Leben. Alle diese Muster erinnern an die Verbindungen zwischen Mensch und Natur. Trotz der Tatsache, dass die Verzierung und Farbgebung des Gemäldes sehr einfach ist, wirken die Spielzeuge nach dem Bemalen sehr hell und festlich, ausdrucksstark und gutmütig. Die Gesichter der Figuren bleiben stets weiß und nur kleine Striche und Punkte umreißen Augen, Mund und Nase.
Es gibt nur wenige Zierleisten in Filimonovs Spielzeug, vor allem im Vergleich zu Dymkovos Spielzeug, wo Zierleisten keine geringere Rolle spielen als die Bemalung. Filimonovs Meister verzieren nur die Augen von Tieren mit Zierleisten, was dem Bild eine besondere Ausdruckskraft verleiht. Diese Spielzeuge sind schwer mit anderen zu verwechseln, da sie ihre eigenen Traditionen in der Interpretation von Form und Bemalung haben. Alle Spielzeuge haben elastische Körper, lange oder kurze Beine, verlängerte Hälse und kleine Köpfe. Beispielsweise haben die Damen hohe Glockenröcke mit einer unauffälligen Erweiterung nach unten, der Oberkörper wirkt im Vergleich zum Rock kleiner. Der kleine Kopf endet in einem hohen, eleganten Hut.
Lustige Spielzeuge, die langbeinige und längliche Soldaten in charakteristischen Kostümen darstellen: eine Jacke in der Taille und gestreifte Hosen. Manche Spielzeuge überraschen mit ihrer Fantasie. Unter den Spielzeugen befindet sich also ein Monster mit einem Hirschkopf. Er hat ein Huhn in seinen Händen, einen Truthahn auf seinem Rücken und ein Huhn auf seinem Schwanz. Tierspielzeug zeichnet sich durch besondere Plastizität aus. Schafe, Kühe und Pferde haben kleine Köpfe auf verlängerten Hälsen und kurze Beine verleihen allen Figuren besondere Stabilität. Alle Spielzeuge sind sehr lustig, und wenn es viele davon gibt, ist es ein Feiertag. Wenn man die versammelten Filimonov-Spielzeuge betrachtet, stellt sich unwillkürlich eine freudige Stimmung ein.

Merkmale des Filimonovo-Spielzeugs. Der Großteil der Produkte der Filimonovo-Handwerkerinnen sind traditionelle Pfeifen: Damen, Reiter, Kühe, Bären, Hähne usw. Menschenbilder – monolithisch, geizig mit Details – ähneln antiken primitiven Figuren. Der schmale Glockenrock der Filimonovo-Damen geht fließend in einen kurzen, schmalen Körper über und endet mit einem kegelförmigen Kopf, der fest mit dem Hals verbunden ist. In runden Händen hält die Dame meist ein Baby oder einen pfeifenden Vogel. Kavaliere sehen aus wie Damen, aber statt eines Rocks haben sie dicke, zylindrische Beine, die in plumpen Stiefeln stecken. Die Köpfe der Figuren sind mit aufwendig gearbeiteten Hüten mit schmaler Krempe gekrönt. Interessante Kompositionen, geformt aus mehreren Figuren, zum Beispiel „Lyubota“ – eine Verabredungsszene für Verliebte.
Alle Charaktere der Tierwelt haben eine dünne Taille und einen langen Hals mit einer anmutigen Biegung, der sanft in einen kleinen Kopf übergeht. Nur die Form des Kopfes und das Vorhandensein oder Fehlen von Hörnern und Ohren ermöglichen die Unterscheidung eines Tieres vom anderen. Die Hörner des Widders sind runde Locken-Donuts, die Hörner der Kuh ragen wie eine Mondsichel hervor, die Hörner des Hirsches ähneln bizarr verzweigten Bäumen und der Kopf des Pferdes ist mit kleinen kegelförmigen Ohren gekrönt. Die geheimnisvolle Figur eines Bären mit Spiegel. Das Märchentier sitzt mit weit gespreizten Hinterbeinen und hält einen ovalen Gegenstand in seinen Vorderpfoten. Mit seinem länglichen, gebogenen Hals ähnelt es eher einer Giraffe, nur ein kleiner Kopf ähnelt entfernt dem eines Bären.

Malspielzeug. Filimonovo-Handwerkerinnen bemalen ihre Spielzeuge mit hellen Anilinfarben, die auf einem Ei gemischt sind, und tragen sie mit einer Hühnerfeder auf. Trotz der relativ spärlichen Farbpalette – Purpur, Grün, Gelb und Blau – sind die Spielzeuge hell und fröhlich.
Tiere werden traditionell mit mehrfarbigen Streifen entlang des Körpers und des Halses bemalt. Für die Bemalung von Kopf und Brust wird einfarbige, meist grüne oder purpurrote Farbe verwendet, die oft mit einem einfachen grellen Ornament bedeckt ist.
Die Damen und Herren von Filimonovo sind immer elegant und farbenfroh gekleidet, ihre Hüte sind mit bunten Streifen verziert und das gleiche schlichte Ornament ist am Kragen der Jacke, am Rock und an der Hose angebracht. Die Kleidung der Filimonov-Figuren wurde einerseits von der städtischen Tracht, andererseits von bäuerlichen selbstgesponnenen Sommerkleidern, bestickten Hemden und Gürteln beeinflusst. Das ohne bestimmte Schema aufgetragene Ornament (mehrfarbige Striche, Flecken, Zweige, Rosetten) schafft ein einprägsames farbenfrohes Dekor.
Die Produktion von Filimonovo-Spielzeugen wurde zu Beginn des 20. Jahrhunderts stark reduziert, aber es gab mehrere Handwerkerinnen (E. I. Karpova, A. O. Derbeneva, A. F. Maslennikova usw.), die ihr Handwerk nicht aufgaben. In den 1960er Jahren wurde dieses ursprüngliche Handwerk dank der Bemühungen von Kunstkritikern und Sammlern restauriert. Heute ist in Odoev eine Spielzeugwerkstatt geöffnet. Moderne Filimonovo-Handwerkerinnen, die die traditionellen Methoden des Modellierens und Malens beibehalten, versuchen, die Handlungen zu diversifizieren und das Spielzeug eleganter zu gestalten.

Dymkovo-Spielzeug

Dymkovo-Spielzeug ist ein originelles Tonhandwerk, das ausschließlich auf dem Territorium des Wjatka-Territoriums (Region Kirow) in der Siedlung Dymkovo entstand und überlebte, wo sich seit langem Ofenbauer und Töpfer niedergelassen haben. Nur wenige andere Regionen Russlands verfügen über ein so leuchtendes und originelles Symbol wie die Region Wjatka in Form eines Dymkovo-Spielzeugs.

Die Geschichte des Dymkovo-Spielzeugs reicht etwa 400 Jahre zurück. Die ersten Dymkovo-Spielzeuge waren Pfeifen in Form von Pferden, Widdern, Ziegen und Enten, die für den jährlichen Feiertag „Whistles“ oder „Whistles“ hergestellt wurden – zu Ehren derer, die in der Schlacht von 1418 zwischen den Vyatchans und Ustyuzhans in der Nähe von Dymkovo getötet wurden Mauern des Chlynowski-Kremls (Chlynow ist der alte Name für Kirow). Der Legende nach zogen nachts zwei einander befreundete Truppen in die Schlacht, ohne sich gegenseitig zu erkennen. Jährlich wurde ein Fest für die Unfalltoten gefeiert. Später wurde es zu Volksfesten wiedergeboren. Die Feier dauerte mehrere Tage und war erfüllt vom Pfeifen der Vyatchans aus bunten Pfeifen. „Wenn man auf dem Platz ankommt und durch die pfeifende Menge geht, scheint es, als würde man auf Luft gehen. Jeder hat lachende und irgendwie gewagte Gesichter. Gehende Menschen halten sich vorsichtig ein kleines Tonspielzeug im Wert von drei oder fünf Kopeken vors Gesicht, das ein zweiköpfiges Tier oder einen Widder mit goldenen Flecken an den Seiten darstellt. Sie pfeifen im Schwanz dieses Widders ...“ („Vyatka Notes“, V. Lebedev.).
In der Vergangenheit war die Herstellung von Dymkovo-Spielzeugen ein Familienunternehmen. In den Sommermonaten bereiteten sie Ton vor, mahlten ihn von Hand oder rieben klumpige Kreide in Farbmühlen, in der restlichen Zeit formten sie, trockneten, brannten Produkte, näher am Whistler wurden sie mit in entrahmter Kuhmilch verdünnter Kreide gebleicht und bemalt Eierfarben, verziert mit Rauten aus goldenem Schweiß. Und im Frühjahr brachten Boote das Dymkovo-Spielzeug für einen Urlaub in die Stadt und erfreuten Kinder und Erwachsene mit ihrer Kunst.
Ende des 19. Jahrhunderts geriet die Fischerei in den Niedergang. In den 30er Jahren des 20. Jahrhunderts wurde im Rahmen der Wiederbelebung einiger Volkshandwerke die Wiederbelebung und das Handwerk des Dymkovo-Spielzeugs unterstützt. Mehrere erbliche Handwerkerinnen organisierten mit Unterstützung des ersten Forschers des Handwerks – der Künstlerin A.I. – das Artel „Vyatka-Spielzeug“. Denypin. Das Spielzeug ist in Teilen aus lokalem rotem Ton geformt (im Gegensatz zu anderen Spielzeugen, die aus einem einzigen Stück Ton geformt sind). Vor dem Brennen werden die Spielzeuge getrocknet und erst dann gebrannt. Früher wurden Spielzeuge in einem echten russischen Ofen gebrannt, jetzt werden sie in Muffelöfen gebrannt.

Das gebrannte Dymkovo-Spielzeug hat eine rotbraune Farbe, die für Ton üblich ist. Zum Tünchen wird eine Mischung aus Kreide und Milch verwendet, in die ein Dymkovo-Spielzeug getaucht wird. In diesem Fall ist die Oberfläche mit einer dichten weißen Schicht bedeckt. Zum Färben wurden auf einem Ei gemahlene trockene Farben verwendet. Jetzt wird Gouache, verdünnt auf einem Ei, verwendet. Im Laufe der 400-jährigen Entwicklung des Handwerks haben sich trotz der Vielfalt kompositorischer Lösungen bestimmte Handlungsstränge des Dymkovo-Spielzeugs festgelegt, bestimmte Designtechniken und ein bestimmtes Farbschema festgelegt. Halbtöne und unmerkliche Übergänge sind dem Dymkovo-Spielzeug fremd. Unverdünnt leuchtende Farben erzeugen ein Gefühl von Lebensfreude. Muster haben einfache geometrische Formen: Kreise, Karos, Wellen. Im Allgemeinen können in jedem Spielzeug bis zu 10 Farben verwendet werden. Bis heute wird Dymkovo-Spielzeug von Hand gefertigt, jedes Spielzeug ist ein einzigartiges Autorenwerk. Die Hauptmotive des Dymkovo-Spielzeugs sind nach wie vor Pferde, Damen, Truthähne, Widder, Hähne, Hirsche sowie Gruppenkompositionen. Historisch gesehen waren zunächst Stilltiere und Frauenfiguren das Hauptthema. Später, mit der Entwicklung der Fischerei, entstanden urbane Motive. Eine gewisse Ironie ist noch immer charakteristisch für das Dymkovo-Spielzeug: Ziegen und Widder tragen helle Hosen, Bären spielen Musikinstrumente.
Heute folgen die Handwerker den Traditionen des Dymkovo-Spielzeugs, aber dennoch versucht jede Handwerkerin (und dieses Handwerk ist ausschließlich weiblich) ihren eigenen, besonderen Autorenstil zu entwickeln.

Gorodets-Gemälde
Gorodets ist eine Stadt in der Transwolga-Region Nischni Nowgorod, am linken Wolga-Ufer. Es ist eine der ältesten russischen Festungsstädte. Gorodets ist der Geburtsort einer Vielzahl von Handwerken. Er war berühmt für seine Holzschnitzerei („taube“ Hausschnitzerei), die Herstellung von Donets (ein Brett, auf dem die Spinnmaschine sitzt) mit Mooreichen-Intarsien, Spinnrädern, Gorodets-Gemälde und geschnitzten Lebkuchenbrettern.
Die Entstehung der Gorodets-Malerei ist mit der Herstellung hölzerner Spinndonets in den Dörfern in der Nähe von Gorodets verbunden. Die Herstellung von Donets trug zur Entstehung des ursprünglichen lokalen Bildstils bei.
Reiter, Kutschen, Damen, Soldaten, Kavaliere, Hunde – das ist das Pantheon der Bilder, die mit der Technik und dem Stil der geschnitzten Gorodez-Donez geschaffen wurden, die es sonst nirgendwo gibt. Details und Begleitmotive – Baumstämme und Äste, Silhouetten darauf sitzender Vögel – wurden zu den eingefügten Figuren von Pferden und Menschen aus Mooreiche geschnitten. Die Oberfläche des eingelegten Bodens war kompositorisch in zwei oder drei Ebenen unterteilt. In der oberen Etage waren zwei Reiter an den Seiten eines blühenden Baumes mit einem Vogel auf den Zweigen und Hunde an den Wurzeln des Baumes abgebildet. Die zweite Ebene wurde von einem Zierstreifen eingenommen, Genre-Handlungsmotive wurden in der unteren Ebene platziert.
Kompositionen mit Pferden, Reitern, Bäumen und Hunden leben noch immer in den Wandgemälden von Gorodets. Fantasien zum Thema Spaziergänge von Herren und Damen sind vielfältig, Pferde bleiben jedoch fest von traditionellen Motiven fern. Das Bild eines Pferdes verkörpert die Idee von Schönheit und Stärke. Mitte des 19. Jahrhunderts erfolgte der Übergang von der Donets-Intarsienmalerei zur eigenen Bemalung. Dieser Prozess beginnt mit der Hervorhebung der geschnitzten Böden. Handwerker beginnen, den hellen Holzton und die Einsätze aus schwarzer Eiche mit Farbe zu beleben.
Eine freiere Maltechnik ermöglichte die Erstellung neuer Handlungsstränge und lehrte die Schönheit eines freien Bildstrichs, der es ermöglicht, zu schreiben, ohne vorher eine Kontur zu zeichnen. Jeder Meister hatte seine Lieblingsfarbtöne und deren Kombination. Gleichzeitig nutzten sie gängige Techniken, um eine kompetente Farbe zu erzeugen. Den Meistern von Gorodets gelang es, ein Gleichgewicht aus bunten Flecken auf der Oberfläche eines Objekts zu schaffen und so eine einheitliche Farbe und Vollständigkeit der Malerei zu erreichen. Die Entstehungszeit des Gorodets-Gemäldes dauert etwa 50 Jahre. Der Stil dieses Gemäldes nimmt Gestalt an, das Gorodets-Ornament ist geboren, in dem große Farbformen und Flecken, geizig und lakonisch, entscheidend werden. Zusätzlich zu den Donets wurden Kinderrollstühle und Hochstühle bemalt. Dem Stil der bemalten Donets ähnelten die Gemälde von Urinalen – Bastkästen, in die Garnstränge gesteckt wurden. Sie schrieben Hochzeitsgeschichten mit Pferden, Bräutigamen und Zusammenkünften: „ein Spinner und ein Herr im Gespräch“, „ein Vogel auf einem Baum“, „ein Hund in der Nähe eines Baumes“.
Der Zeitraum von 1870 bis 1900, der mit der allgemeinen raschen Entwicklung der Fischereitätigkeit der Bewohner der Waldregion Transwolga verbunden war, ist durch die endgültige Hinzufügung des Stils der Gorodets-Malerei gekennzeichnet.
Nach dem Niedergang des Handwerks zu Beginn des 20. Jahrhunderts und der fast vollständigen Einstellung seiner Tätigkeit im Ersten Weltkrieg, die Wiederbelebung war eine schwierige Angelegenheit. In den 1930er Jahren wurden öffentliche Kunstwerkstätten organisiert.
Im Jahr 1951 wurde im Dorf Kurtsevo eine Tischler-, Möbel- und Kunstartel gegründet und Aristarkh Konovalov, ein erblicher Meister der Gorodets-Malerei, zum Vorsitzenden gewählt. Seine Mutter und sein Onkel, Großvater und Urgroßvater arbeiteten in der Branche.
Seit 1954 beginnt die Produktion von Kindermöbeln mit Gorodets-Malerei. Im Jahr 1957 wurde an der Semjonow-Berufsschule eine Klasse für Gorodez-Malerei eröffnet. Das Sortiment an hergestellten Dingen erweitert sich sehr langsam, das berühmte Schaukelpferd aus Gorodets erscheint und die Handlungsbilder beginnen wiederzubeleben. 1960 wurde das Artel in die Gorodetskaya-Gemäldefabrik umgewandelt, und im Dezember 1965 fusionierte die Kurtsevskaya-Fabrik mit der Gorodets-Möbelfabrik zu einem Unternehmen, das den allgemeinen Namen Gorodets-Gemälde erhielt. 1969 wurde in der Fabrik ein experimentelles und kreatives Labor eingerichtet, in dem Faina Nikiforovna Kasatova 1970 zu arbeiten begann. Sokolov und L.F. Bespalova, N.A. Stolesnikow. Wunderschöne Handwerkerinnen aus L.A. erscheinen. Kubatkina, T.N. Rukina, P.F. Sorina, G.N. Timofeeva, N.N. Noskow. Mit der Arbeit des Versuchslabors sind Recherchen im Bereich neuer Handlungskompositionen verbunden.
Die Wahl der ersten Werke fiel auf die Themen und Kompositionen von Festen mit Teetrinken am Samowar. Alle Recherchen basierten zunächst auf der sorgfältigen Befolgung der Methoden der alten Meister. Gleichzeitig wurde nach der Art von Produkten gesucht, in deren Gemälden es ratsam ist, Plots zu platzieren. Diese Arbeit wurde mit Hilfe des Instituts für Kunstindustrie durchgeführt. Das originellste Werk dieser Jahre war die rechteckige Tafel „Artistic Council“ von Lilia Fedorovna Bespalova. In dieser Komposition enthält das Schema des traditionellen Gorodets-Festes anstelle von Geschirr und einem Samowar Kunstprodukte aus Gorodets. Unter der Anleitung der Künstlerinnen des Labors verbessert sich allmählich die Qualität der Arbeit der Gorodets-Handwerkerinnen, von denen 60 in der Autorengruppe zu arbeiten beginnen. Sie bemalen Brotkästen, dekorative Wandteller, Regale mit Vorräten oder Schneidebrettern, Kuchenbretter, Vorräte, Schatullen usw. Die vorherrschende Farbe der Gorodets-Wandgemälde ist entweder leuchtend gelbes Chrom oder Zinnober. Sie sind meist die dominierende Farbe, der Hintergrund des gesamten Gemäldes; Blaue, grüne und manchmal „weiße“ Töne (Rosa, Blau) werden verwendet, um ein Muster zu schreiben, Schwarz und Weiß – um die Details herauszuarbeiten.

Motive der Gorodets-Malerei.
Die häufigsten Motive sind: Blumen – Rosen, Tassen mit symmetrischen Blättern, Tiere – ein Pferd, ein Vogel. Reiter, Kutschen, Damen, Soldaten, Kavaliere und Hunde sind traditionell für die Handlung von Gorodets Gemälde.
Komposition. In der Gorodets-Malerei gibt es drei Arten von Kompositionen: Blumenmalerei; Blumenmalerei mit Einbeziehung der Motive „Pferd“ und „Vogel“; Handlungsmalerei.
Eine solche Aufteilung ist bedingt, da das Handlungsgemälde ohne Blumenmotive nicht vollständig ist und hinsichtlich der Konstruktionsschemata vielfältig ist. Und selbst wenn Produkte mit Gorodets-Bemalung auf der Grundlage derselben Zusammensetzung, jedoch in unterschiedlichen Farben, hergestellt werden, kann man die Ähnlichkeit nicht sofort erkennen.

Blumenmalerei. Dieser Typ wird am häufigsten verwendet und ist am einfachsten durchzuführen. In einer weniger komplexen Version kann eine einzelne Blume mit davon abweichenden Blättern bei der Arbeit dargestellt werden. In einer komplexeren Variante ist beispielsweise oft ein Streifen floraler Ornamente an den Seitenwänden abgebildet und der Deckel ist mit kreisförmig eingeschriebenen Blumen verziert. Auf den Deckeln von Brotkästen sind Blumen meist in einem Rechteck oder einer Raute angeordnet. Im floralen Ornament lassen sich die folgenden häufigsten Ornamentarten unterscheiden: „Blumenstrauß“ – symmetrisch dargestellt. Normalerweise auf Schneidebrettern oder Geschirr geschrieben. „Girlande“ ist eine Art „Blumenstrauß“, bei dem sich eine oder zwei große Blüten in der Mitte befinden, kleinere Blüten mit Blättern gehen von ihnen zu den Seiten auseinander. Sie können in einen Kreis oder einen Streifen passen oder halbmondförmig (auf Bildschirmschonern in den Ecken) platziert werden. Diese Art von Blumenornamentkomposition wird am häufigsten beim Bemalen von Schneidebrettern, Brotkästen, Schatullen, Geschirr und Kindermöbeln verwendet.

Zhostovo-Gemälde
Die Zhostovo-Malerei ist ein altes und atemberaubend schönes Handwerk. Der Unterschied zwischen Zhostovo und anderen Gemälden besteht in der Fülle an Farben, hellen und unvergleichlichen Tönen, dem Realismus von Blumen und Vögeln und anderen Elementen. Leider begannen wir mit der Zeit, unsere traditionellen Gemälde zu vergessen. Aber in letzter Zeit erfreuen sich traditionelle Wandgemälde dank verschiedener Kreativstudios, die immer mehr werden, immer größerer Beliebtheit. Die Leute wollen diese Fähigkeit erlernen. Die moderne Zhostovo-Malerei wird heute für alles verwendet, von der Dekoration bis zur Bemalung von Innenelementen. Dieses einzigartige und schöne Kunsthandwerk schmückt unseren Alltag.

Geschichte der Schostowo-Malerei
Die Schostowo-Malerei ist ein Volkshandwerk der künstlerischen Bemalung von Metalltabletts, das im Dorf Schostowo, Bezirk Mytischtschi, Region Moskau, existiert. Das Handwerk der bemalten Metalltabletts entstand Mitte des 18. Jahrhunderts. im Ural, wo sich die metallurgischen Anlagen der Demidovs befanden (Nischni Tagil, Nevyansk, Werch-Neyvinsk), und erst in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts begann man in den Dörfern der Moskauer Provinz - Zhostov - mit der Herstellung von Tabletts, Troitsky, Novoseltsevo usw. Bald wurde das Moskauer Handwerk zum führenden. Derzeit konzentriert sich die Produktion von Tabletts mit Lackmalerei auf das Dorf Zhostovo in der Region Moskau und auf Nischni Tagil. Ab der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts gab es in mehreren Dörfern der Moskauer Provinz Werkstätten zur Herstellung bemalter Tabletts: Ostaschkow, s. Troitsky, Sorokin, Khlebnikov und andere. Die Zhostovo-Fabrik geht auf die Werkstatt (eröffnet 1825) der Bauern, der Brüder Vishnyakov, zurück, die ihren Willen bezahlten. Im Jahr 1928 schlossen sich mehrere Artels auf der Grundlage von Werkstätten nach der Revolution zu einem zusammen – „Metalpodnos“ im Dorf Zhostovo, das später (1960) in die Fabrik für dekorative Malerei in Zhostovo umgewandelt wurde.

Zhostovo-Maltechnik
Tabletts bestehen aus gewöhnlichem Eisenblech. Geschmiedete Produkte werden grundiert, gespachtelt, geschliffen und lackiert, wodurch ihre Oberfläche vollkommen glatt wird. Anschließend werden sie mit Ölfarben bemalt und mit mehreren Schichten transparentem, farblosem Lack überzogen. Der wichtigste Vorgang, der echte Kreativität erfordert, ist das Malen. Malthemen - Blumen- und Blumenornamente sowie Alltagsszenen aus dem Volksleben, Landschaften, Szenen von Volksfesten, Hochzeiten und Teepartys. Die häufigste Art von Schostowo-Gemälden ist ein Blumenstrauß, der sich in der Mitte des Tabletts befindet und an der Seite mit einem kleinen goldenen Muster umrahmt ist. In dieser Konstruktion kann man eine gewisse Widerspiegelung der Komposition des Staffelei-Stilllebens des 19. Jahrhunderts sehen, eingeschlossen in einen vergoldeten Rahmen. Das Motiv selbst erhielt jedoch eine dekorativere und bedingtere Interpretation als bei Staffeleigemälden. Es wird Teil eines dekorativen Gegenstands. Spezielle Techniken ermöglichen es den Handwerkern, es organisch einzupassen, als ob es mit der lackierten Oberfläche des Tabletts „verschmolzen“ würde. Der Strauß hat sich zu einer eleganten Blumengruppe entwickelt, die locker auf einem glänzenden Lackhintergrund platziert ist. Drei oder vier große Blüten (Rose, Tulpe, Dahlie und manchmal bescheidenere Stiefmütterchen, Ackerwinde usw.) waren von vereinzelten kleineren Blüten und Knospen umgeben, die durch flexible Stängel und leichtes „Gras“, also kleine Zweige usw., miteinander verbunden waren Flugblätter.
Das Bild schien aus einer schimmernden Tiefe geboren zu sein und löste sich darin auf, mit transparenten Schatten und aufblitzenden hellen Blumensträußen an der Oberfläche. Leicht im Hintergrund „ertrunken“, wirkten die Blumen leicht halbvolumetrisch, taktvoll gegebene Verkürzungen und Biegungen der Ränder durchbrachen optisch nicht die Ebene des Objekts. Die Technik der Zhostovo-Malerei sowie die Bemalung jedes Tabletts selbst ist originell und einzigartig, da sie ohne Muster durchgeführt wird. Hinter der fesselnden Leichtigkeit und der uneingeschränkten Kunstfertigkeit des Schreibens verbirgt sich eine enorme Fähigkeit, die in der Vergangenheit von Generationen talentierter, unbekannter Bauernkünstler entwickelt wurde.
Zhostovo-Künstler malen mit Ölfarben und weichen Eichhörnchenpinseln. Während der Arbeit hält der Künstler das Tablett auf seinem Knie und dreht es bei Bedarf. Und die Hand mit dem Pinsel ruht auf einem Holzbrett, das quer über dem Tablett liegt. Der Künstler skizziert zunächst nur das zukünftige Gemälde, zeichnet frei mit schnellen und präzisen Strichen. Und selbst wenn der Meister die Zeichnung wiederholt, improvisiert er, fügt er etwas Neues hinzu.

Die Lackierung erfolgt in 4 Schritten:

1. Beginnt mit „ Kritzeleien“, die allgemeine Silhouette des Bildes und die Lage der Hauptpunkte werden mit gebleichten Farben umrandet. Die bemalten Tabletts werden mehrere Stunden lang in Öfen getrocknet.
2. Die nächsten Schritte, „ Teneschka" Und " Dichtung“, Formen von Blumen und Blättern werden gebaut; Zuerst werden transparente Schatten aufgetragen, dann werden helle Bereiche des Gemäldes mit dichten, leuchtenden Farben „gepflastert“.
3. Darauf folgt „ Blendung“, also die Anwendung von Aufhellungsstrichen, die alle Volumina klären.
4. Das Gemälde endet mit eleganter Grafik. Zeichnungen" Und " Bindungen". Die elastischen Linien der „Zeichnung“ verlaufen locker um die Kontur der Blütenblätter und Blätter und betonen im Kontrast dazu ausdrucksstark deren saftige Malerei. Kleine Zweige, nicht zufällig „Bindemittel“ genannt, mildern den Übergang zum Hintergrund. Jeder Handwerker nutzt diese traditionellen Techniken, die sich im Handwerk entwickelt haben, auf seine Weise und spielt kreativ mit den dekorativen Möglichkeiten der Pinselschrift (z. B. kann „Glanz“ sanft mit dem „Futter“ „verschmelzen“ oder sich deutlich abheben). Es).
Dadurch tauchen endlose Varianten ähnlicher Motive und Bilder auf, wörtliche Kopien oder Wiederholungen findet man jedoch nie zwischen ihnen. So ist jedes Tablett ein einzigartiges Kunstwerk. Manchmal erstrahlt das Gemälde in einem besonderen, flackernden Licht. Dieser Meister verwendete im Bild Perlmuttfragmente und legte sie direkt auf das Tablett. Die Mittel der Schostowo-Kunst sind lebendig und ausdrucksstark. Es verfügt über ein eigenes künstlerisches System, eigene Bildtechniken und einen eigenen Stil, der aus einer Mischung von ornamentalen Volksgemälden und einem realistischen Bildstillleben besteht, das von Volksmeistern beherrscht wird. Die Kunst von Zhostovo basiert auf den von Generationen entwickelten Schreibtechniken, ohne die seine künstlerische Meisterschaft unmöglich gewesen wäre. Es entsteht im Prozess einer Art Wandgemälde, das die strenge Konsequenz und Verfeinerung handwerklicher Techniken mit der Improvisation der Kreativität verbindet. Der Reiz der Kunst Zhostovos liegt in der Aufrichtigkeit, Unmittelbarkeit ihres Inhalts und ihrer Ausdrucksmittel. Es ist in all seinen Erscheinungsformen demokratisch; seine Wahrnehmung erfordert keine besonderen Kenntnisse und Schulungen. Garten- und Wildblumen – sowohl real als auch aus der Fantasie des Künstlers geboren, in Blumensträußen gesammelt und in Kränzen und Girlanden ausgebreitet – dieses Thema berührt jeden Menschen und weckt den Sinn für Schönheit.

Arbeitet in der Technik der Schostowo-Malerei
Heute ist die dekorative Malerei auf dem Vormarsch. Dies bedeutet nicht, dass es im Leben der Fischerei keine Schwierigkeiten und Probleme gibt. Sie existieren in allen Bereichen unserer Kultur, die sich der modernen rücksichtslosen Kommerzialisierung widersetzen muss. Zhostovo wird nachgeahmt und versucht, den Stil und sogar die Manieren des Autors der Künstler nachzuahmen. Das in der Branche tätige Team verfügt über höchste Professionalität, die durch langjährige harte Arbeit und kreative Suche, Verbesserung der Fähigkeiten und ständige Konzentration auf die besten Beispiele aus dem Erbe alter Meister erreicht wird. Dazu müssen wir das Studium der Kunstgeschichte, des klassischen Stilllebens und verschiedener Arten russischer angewandter Kunst und Volkskunst hinzufügen, um das „kreative Sparschwein“ der Meister aufzufüllen.

Projektrelevanz:

Das Problem der Entwicklung der kindlichen Kreativität ist derzeit sowohl theoretisch als auch praktisch eines der relevantesten: Schließlich geht es um die wichtigste Voraussetzung für die Bildung einer individuellen Identität eines Menschen bereits im Anfangsstadium seiner Formation. Viele Wissenschaftler (A.V. Bakushinskaya, P.P. Blonsky, T.S. Shatsky, N.P. Sakulina, Yu.V. Maksimov, R.N. Smirnova und andere). Sie stellten fest, dass Kunst die ersten lebendigen, figurativen Vorstellungen über das Mutterland und seine Kultur weckt, zur Erziehung des Schönheitssinns beiträgt und die künstlerischen Fähigkeiten von Kindern entwickelt.

Das kulturelle Erbe wird von Generation zu Generation weitergegeben. Indem wir die Welt des Kindes entwickeln und bereichern, indem wir Elemente der spirituellen Kultur in diese Entwicklung einbringen, tragen wir so zur Entwicklung der patriotischen Gefühle unserer Kinder bei. Die Einführung in die einheimische Kultur sollte zum Hauptbestandteil der Erziehung jedes Kindes – eines Bürgers seines Vaterlandes – werden. Die Objekte, die das Kind von Kindheit an umgeben und in seiner Seele ein Gefühl von Schönheit und Bewunderung wecken, müssen national sein. Dann werden unsere Kinder von Kindheit an stolz auf ihr Land sein, es lieben, seine Natur schützen, die Traditionen und Bräuche ihres Volkes beobachten und gleichzeitig ihren eigenen künstlerischen Geschmack entwickeln.

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Vorschau:

Projekt

„Volkshandwerk als Mittel zur Entwicklung.“ Kreativitätältere Kinder im Rahmen der Umsetzung des Landesbildungsstandards“

Nikolaeva L.N.

Potylitsina N.V.

MBDOU „Schneeflocke“

2015

Projekttyp: kognitiv – kreativ;

Projektbeteiligte:Kinder der Vorbereitungsgruppe für die Schule, Eltern von Schülern, Erzieher.

Projektrelevanz:

Das Problem der Entwicklung der kindlichen Kreativität ist derzeit sowohl theoretisch als auch praktisch eines der relevantesten: Schließlich geht es um die wichtigste Voraussetzung für die Bildung einer individuellen Identität eines Menschen bereits im Anfangsstadium seiner Formation. Viele Wissenschaftler (A.V. Bakushinskaya, P.P. Blonsky, T.S. Shatsky, N.P. Sakulina, Yu.V. Maksimov, R.N. Smirnova und andere). Sie stellten fest, dass Kunst die ersten lebendigen, figurativen Vorstellungen über das Mutterland und seine Kultur weckt, zur Erziehung des Schönheitssinns beiträgt und die künstlerischen Fähigkeiten von Kindern entwickelt.

Das kulturelle Erbe wird von Generation zu Generation weitergegeben. Indem wir die Welt des Kindes entwickeln und bereichern, indem wir Elemente der spirituellen Kultur in diese Entwicklung einbringen, tragen wir so zur Entwicklung der patriotischen Gefühle unserer Kinder bei. Die Einführung in die einheimische Kultur sollte zum Hauptbestandteil der Erziehung jedes Kindes – eines Bürgers seines Vaterlandes – werden. Die Objekte, die das Kind von Kindheit an umgeben und in seiner Seele ein Gefühl von Schönheit und Bewunderung wecken, müssen national sein. Dann werden unsere Kinder von Kindheit an stolz auf ihr Land sein, es lieben, seine Natur schützen, die Traditionen und Bräuche ihres Volkes beobachten und gleichzeitig ihren eigenen künstlerischen Geschmack entwickeln.

Als wir die Kinder beobachteten, ihre Spiele spielten und mit ihnen redeten, stellten wir fest, dass unsere Kinder wenig über die Traditionen des russischen Volkes und sein Handwerk wissen. Dies ist nicht überraschend, da moderne Kinder in ihrer Umgebung nur sehr selten auf Volkshandwerk stoßen. Im Kindergarten, der im Rahmen des Programms „Von der Geburt bis zur Schule“ arbeitet, ist die Anzahl der Kurse, um Kinder mit dem Handwerk des russischen Volkes vertraut zu machen, begrenzt. Volkskunst und Kunsthandwerk (Volkshandwerk) – eine breite Palette von Produkten, die aus einfachen improvisierten Materialien und einfachen Werkzeugen hergestellt werden. Diese traditionelle Handwerksart zeichnet sich durch vielfältige kreative Tätigkeiten aus, bei denen mit Hilfe von Geschick und Einfallsreichtum Dinge mit den eigenen Händen geschaffen werden.Lehrer-Wissenschaftler haben bewiesen, dass Volkskunst bei Kindern die ersten hellen, figurativen Vorstellungen über das Mutterland und seine Kultur weckt, zur Bildung des Schönheitssinns beiträgt und die künstlerischen Fähigkeiten von Kindern entwickelt.Vor diesem Hintergrund beschlossen wir, zusätzliche Arbeiten durchzuführen, um Kinder mit der Volkskunst vertraut zu machen und gleichzeitig das Entwicklungsumfeld der Gruppe zu bereichern. Zu diesem Zweck wurde dieses Projekt entwickelt. Die Arbeit des Projekts ist in drei Richtungen aufgebaut:

1. Arbeit mit Kindern (theoretisch und praktisch);
2. Zusammenarbeit mit den Eltern;
3. Schaffung einer Entwicklungsumgebung.

Für die Arbeit wurden die beliebtesten Arten von Volksgemälden ausgewählt - Dunst, Khokhloma, Gzhel, Gorodets, jakutisches Ornament.

Der Prozess des Kennenlernens jedes Gemäldes ist immersiv, während wir versuchen, jedes Thema in die meisten Bildungsbereiche zu integrieren.

Hypothese: Wenn wir Vorschulkindern in verschiedenen Aktivitäten das Volkshandwerk Russlands näherbringen, können sich unsere Kinder als Teil des russischen Volkes fühlen und stolz auf ihr Land sein, das reich an glorreichen Traditionen ist. Die Schaffung einer Entwicklungsumgebung, die mit Volkshandwerk angereichert ist, wird zur Entwicklung der kreativen Fähigkeiten der Kinder beitragen.

Ziel des Projekts: Bildung und Entwicklung künstlerischer Fähigkeiten der Schüler durch Interaktion mit Kunst und Handwerk.

Projektziele:

• Entwickeln Sie die künstlerischen und kreativen Fähigkeiten von Kindern.
• Pflegen Sie ein stetiges Interesse an Volkskunst Russland, Jakutien.
• Einbindung der Eltern in den pädagogischen Raum, Stärkung des Interesses an einer Zusammenarbeit mit dem Kindergarten.

Phasen der Projektumsetzung.

Vorbereitungsphase:

• Das Studium methodischer Literatur, Internetressourcen.
• Auswahl an visuellen und didaktischen Materialien (thematische Bilder, Poster mit Wandelementen);
• Vorbereitung von Präsentationen, um Kinder mit Volkshandwerk vertraut zu machen;
• Auswahl volkstümlicher Werke, Gedichte zum Thema Volkshandwerk;
• Vorbereitung von Materialien zur Organisation kreativer Aktivitäten von Kindern;
• Erstellen eines Plans zur Schaffung einer Entwicklungsumgebung;
• Gemeinsam mit den Eltern die Schaffung von Minimuseen für Volkskunst;

Hauptbühne.

Die letzte Phase:

1. Zusammenfassung der Projektergebnisse;
2. Gestaltung der Ausstellung „Volkshandwerk“ im Museum;
3. Entwicklung eines Methodensets „Einführung in das Volkshandwerk“.

Standort des Projekts:

• Vorschulgruppe „Bell“;
• Musikhalle;
• Kunstatelier;
• Museum;
• Methodisches Büro.

Externe Beziehungen:

• Heimatmuseum Aldan – Organisation von Ausflügen,
• Regionale Massenmedien – Berichterstattung über das Projekt.

Erwartete Ergebnisse:

Wir glauben, dass die Teilnahme am Projekt sowohl für Kinder als auch für Eltern interessant und lehrreich sein wird.

Wir hoffen, dass die Kinder es tun werdenbildete Vorstellungen über verschiedene Arten der Bemalung von Objekten, als nationales Erbe und moralische Werte.Die durchgeführte Arbeit wird zur Bildung und Entwicklung der künstlerischen Fähigkeiten der Schüler im späteren Leben beitragen. Nach der Teilnahme am Projekt werden Eltern der gemeinsamen Kreativität mit Kindern mehr Aufmerksamkeit schenken.Respekt vor den Objekten der Volkskunst.

KOMMUNALE STAATLICHE VORSCHULBILDUNGSEINRICHTUNG DER STADT NOWOSIBIRSK „KINDERGARTEN № 388 DES KOMBINIERTEN TYPS „BABY“

kreatives Projekt „Der Einsatz manueller Arbeit bei der Entwicklung der kindlichen Sprache durch das Studium des russischen Volkshandwerks“

Umsetzungszeitraum 1 Jahr

Vom fünfjährigen Kind bis zu mir ist es nur ein Schritt.
Und vom Neugeborenen bis zum Fünfjährigen ist es ein schrecklicher Weg.
L.N. Tolstoi

Ab dem ersten Lebensjahr eines Kindes ist das Ergreifen und Fühlen eines Gegenstandes nicht nur für die Entwicklung der motorischen Fähigkeiten, sondern auch für die Sprachentwicklung von großer Bedeutung. In diesem Alter versucht das Baby, „die ganze Welt selbst in die Hand zu nehmen“. Von diesem Moment an beginnt eine neue Phase in der Entwicklung der Hand und des Gehirns. Ein Sprung in der motorischen Entwicklung führt zu einem Sprung in der Sprachentwicklung.

In den Werken vieler Wissenschaftler finden wir Aufmerksamkeit für die Sprachprobleme von Vorschulkindern. Also A.E. Vodovozova glaubte, dass Bildung auf Volkssprache und Volkskunst basieren sollte.

Eine einzigartige Art von Kinderaktivität in Vorschulalter produktiv oder praktisch ist. Mit dieser Art von Aktivität können Sie die Grundbedürfnisse des Kindes befriedigen: den Wunsch, praktisch mit Gegenständen zu handeln, um ein sinnvolles Ergebnis zu erzielen. Im Prozess der praktischen Tätigkeit entwickelt das Kind die Feinmotorik der Hand, räumliche Darstellungen, es beherrscht verschiedene Methoden des praktischen Handelns, lernt die Eigenschaften verschiedener Materialien kennen, Elemente der Kreativität treten auf, Sprache entwickelt sich.

Mit dem Arbeitssystem und der richtigen Herangehensweise des Erziehers leisten die Elemente der Handarbeit einen wichtigen Beitrag zur geistigen Entwicklung des Kindes, sie ermöglichen es, die Grundbedürfnisse des Kindes zu befriedigen: den Wunsch, praktisch mit Gegenständen zu handeln, um ein aussagekräftiges Ergebnis zu erhalten. Diese universellen Formen künstlerischer Tätigkeit tragen zur ästhetischen, intellektuellen und kreativen Entwicklung des Kindes bei.

Handarbeit ist eng mit der kognitiven Entwicklung verbunden, die dazu beiträgt, den Geist von Kindern mit neuen Inhalten zu bereichern, die gesammelten und empfangenen Informationen zu systematisieren, künstlerische und kreative Fähigkeiten und eine positive emotionale Wahrnehmung der Welt um sie herum zu entwickeln.

Bei der Arbeit mit Kindern kamen wir zu dem Schluss: Das Kind braucht das Ergebnis, das ihm Freude, Staunen, Überraschung bereitet. Denn beim Basteln mit eigenen Händen spiegelt das Kind nicht nur das wider, was es um sich herum sieht, sondern zeigt auch seine Fantasie, Kreativität und Vorstellungskraft. IN Handarbeit offenbart seine innere Welt.

Wir glauben, dass das wirksamste Mittel zur Entwicklung der kindlichen Sprache das Studium des Volkshandwerks durch Handarbeit ist.

Ich stufe das Projekt ein

Festlegung von Zielen und Vorgaben, Projektplanung, Auswahl methodischer Werkzeuge.

Ziel des Projekts: Schaffung eines Arbeitssystems zur Sprachentwicklung mit Hilfe manueller Arbeit durch das Studium des russischen Volkshandwerks.

Aufgaben für Kinder:

1. Interesse an der „Erforschung“ des Materials wecken, beim Kind den Wunsch wecken, etwas mit eigenen Händen zu tun.

2. Bei Kindern praktische Fähigkeiten im Umgang mit Materialien und Werkzeugen zu entwickeln.

3. Entwicklung fördern Feinmotorik Hände, Steigerung der Sprachentwicklung, kreative Einstellung zur Welt um uns herum.

Aufgaben für Lehrer:

1. Verbessern Sie Ihre beruflichen Fähigkeiten, Ihre Selbstbildung und Ihre Selbstentwicklung.

2. Bedingungen schaffen, um Kindern verschiedene Methoden des Umgangs mit Materialien und Werkzeugen beizubringen.

3. Erstellen Sie ein Arbeitssystem zu diesem Thema.

4. Bei Kindern ein Interesse für die Herstellung von Kunsthandwerk aus verschiedenen Materialien zu wecken, um die konstruktiven und kreativen Fähigkeiten des Kindes zu erkennen.

5. Stimulieren Sie die Entwicklung von Sprache, Gedächtnis, Aufmerksamkeit, Denken und Vorstellungskraft.

Aufgaben für Eltern:

1. Schaffung günstiger Bedingungen für die Entwicklung des Kindes in der Familie unter Berücksichtigung der im Kindergarten erworbenen Erfahrungen der Kinder.

2. Entwicklung der gemeinsamen Kreativität von Eltern und Kindern.

3. Bei den Eltern die Fähigkeit zu entwickeln, die Persönlichkeit eines Kindes zu erkennen, seine Meinung zu respektieren und die zukünftige Arbeit mit ihm zu besprechen.

4. Eltern für das Gruppenleben zu interessieren, den Wunsch zu fördern, daran teilzunehmen.

Projektdauer: langfristig

Projekttyp: kreativ.

Projektbeteiligte:

Gruppenpädagogen,

- Kinder der Vorbereitungsgruppe,

- Eltern.

Organisationsformen der Arbeit mit Kindern:

▪ gemeinsame Forschungsaktivitäten;

▪ produktive Aktivitäten mit einer Untergruppe von Kindern;

▪ selbstständige Interaktion mit Themenumfeld;

▪ kreativ individuelle Arbeit Kinder.

Integration von Bildungsbereichen:„Kognition“, „Sprachentwicklung“, „Künstlerisch und ästhetisch“, „Arbeit“, „Sozial – Kommunikativ“.

Erwartete Ergebnisse des Projekts für Kinder:

• Beherrschung der einfachsten praktischen Fähigkeiten in der Handarbeit; Vorstellungen über die Eigenschaften von Objekten; Entstehung kognitiver Aktivität.
• Entwicklung der Feinmotorik der Hand entsprechend dem Alter der Kinder; Manifestation der Unabhängigkeit bei der Wahl der Mittel und Materialien.
• Die Entwicklung der Sprache, die Steigerung des Niveaus der Sprachentwicklung, der gesunden Aussprache, des Wortschatzes, der grammatikalischen Struktur und der kohärenten Sprache.
• Entwicklung von Vorstellungskraft, räumlichem und logischem Denken.

Erwartete Ergebnisse für Lehrer:

• Steigerung der pädagogischen Kompetenz in dieser Richtung.
• Suchen Sie nach Möglichkeiten, Aufgaben umzusetzen.

Für Eltern:

• Das Aufkommen des Interesses am Bildungsprozess, die Entwicklung von Kreativität, Wissen und Fähigkeiten bei Kindern.
• Wunsch, mit Lehrern zu kommunizieren, am Leben einer Gruppe im Vorschulalter teilzunehmen.

II. Phase des Projekts

Langfristiger Arbeitsplan für die Umsetzung des Projekts

September „Russische Matroschka, russisches Spielzeug“

Ziel: Matroschka. Das Verständnis der Kinder für Volkskunst weiter bereichern. Um Kindern eine Vorstellung von der russischen Matroschka zu vermitteln, als wäre es ein altes Spielzeug. Interesse an Volkskunst wecken.

Achten Sie auf Helligkeit, Eleganz, Bestandteile, Komposition und Farbgebung.

Eine ästhetische Wahrnehmung von Volkskunstobjekten entwickeln.

Gespräche: „Russland ist mein Handwerker“, „Alles über Nistpuppen“, „Reisen mit einer Nistpuppe“

„Fiktion lesen“: Gedichte über Nistpuppen, Puppen V. Prikhodko, T. Ladonshchikov.

Kreative Geschichten erfinden: „Die Abenteuer der Matroschka – Nastya“, „Oh, Nistpuppe, gut!“ Fingergymnastik: „Matroschka“
Untersuchung von Illustrationen und Fotoalben: „Russische Matroschka“, „Russische Volkstracht“, „Kostüme der Völker Russlands“.
Künstlerische Kreativität:
Zeichnung: „Mezen Matroschka“
Anwendung „Ein Sommerkleid für eine Matroschka-Puppe dekorieren“ Modellieren: „Na ja, Matroschkas sind einfach ein Wunder!“
nicken: „Semjonowskaja Matroschka“ mit einer Präsentation. Entwerfen Sie ein selbstgemachtes Buch: „Alles über Nistpuppen“, indem Sie gemeinsam mit den Eltern eine russische Nistpuppe herstellen. Unterhaltung: „Matroschkas kamen zu Besuch“, „Russische Messe“.

Oktober „Puppen aus Omas Truhe“

Ziel: Künstliche Puppen begleiten seit Jahrhunderten das Leben der russischen Bauern. Sie wurden sorgfältig in Truhen aufbewahrt und von Generation zu Generation weitergegeben.

Gespräche: „Woher kam die Truhe?“, „Russische Antiquitäten“, „Was spielten unsere Großmütter“, „Warum brauchten unsere Vorfahren Puppen?“.

Untersuchung von Illustrationen und Fotoalben: „Alte Puppen“, „Puppen in russischen Volksspielen und Ritualen“.

Zusammenstellung kreativer Geschichten: „Meine Lieblingspuppe.“

„Lesen von Belletristik“ M.A. Pozharova „Stoffpuppe“, I. Ryumin „Puppen unserer Großmütter“.

Künstlerische Kreativität:
Zeichnung: „Zeichne eine Stoffpuppe“

Modellierung: „Das Spielzeug meiner Großmutter“

NOD: „Reise in die Vergangenheit einer Puppe“ mit Präsentation Meisterkurs: Herstellung von Amulettpuppen „Hase am Finger“, „Kuvadka“, „Pelenashka“, „Kuloma“.

Ausflug nach DDT Gaidar, Kreis „Sibirochka“ – Puppen herstellen.

Interaktion mit den Eltern: Bitten Sie die Großmütter, Kunsthandwerk zur Dekoration der Ausstellung mitzubringen (Stricken, Sticken usw.).

November „Tonspielzeug“ „Smoky“

Ziel:„Dymkovo-Spielzeug“ Erzählen Sie den Kindern die Geschichte des Dymkovo-Spielzeugs. Kenntnisse über die Eigenschaften von Malspielzeugen, die Farbe und die Hauptelemente des Musters erwerben.

Gespräche: „Alles über die Geschichte des Dymkovo-Spielzeugs“

Untersuchung von Illustrationen und Fotoalben: Untersuchung eines Bildes mit der Darstellung des Dorfes „Dymkovo“, Untersuchung illustrierter Bücher über Dymka. „Fiktion lesen“: Gedichte lernen über Dymkovo-Spielzeug.

Künstlerische Kreativität:
Zeichnung: „Gemälde der jungen Dame aus Dymkowo“.

Modellierung: „Dymkovskaya junge Dame“ (aus Salzteig)

Dezember „Wunderbares Gzhel“

Ziel: Machen Sie Kinder weiterhin mit russischem Volkshandwerk und insbesondere mit Gzhel-Porzellan bekannt. Kenntnisse über die Eigenschaften von Malspielzeugen, die Farbe und die Hauptelemente des Musters erwerben.

Liebe und Respekt für die Arbeit der Handwerker wecken.

Interesse am Studium des Volkshandwerks entwickeln, Arbeiten zur „Gewöhnung“ an das Bild der Produkte von Volkshandwerkern durchführen und deren Wahrnehmung durch Folklore verbessern.

Fördern Sie weiterhin das Interesse der Kinder am russischen Volkshandwerk und den Wunsch, es zu studieren.

Kindern die Liebe zur russischen Volkskunst und ein Verständnis für den Zusammenhang zwischen verschiedenen Arten der Kreativität (Holzarchitektur, Keramikhandwerk, russische Volksmusik und Folklore) zu vermitteln.

Gespräche: Gespräch über die Besonderheiten des Volkshandwerks „Das blaue Wunder von Gzhel“.

Untersuchung von Illustrationen und Fotoalben: Untersuchung von Produkten aus Gzhel.

Künstlerische Kreativität:

Zeichnung: „Blumen von Gzhel“
Modellierung: „Gzhel-Teekanne“ (Salzteig)

Anwendung: „Feen-Gzhel-Blume“

NOD: „Die Kunst der Gzhel-Meister“ mit einer Präsentation

Meisterkurse zur Herstellung von Gzhel-Gerichten – Pappmaché, Salzteig, Plastilin, Papierdesign und Applikationen.

Gzhel-Gerichte bemalen

Januar „Russische Küche“

Ziel: Kennenlernen der russischen Küche durch Kinder mit verschiedenen Rezepten der russischen Küche. Respekt vor der russischen Kultur und der Geschichte der russischen Küche fördern. Kindern eine Vorstellung von einem Gusseisen, einem Kessel und einem russischen Ofen vermitteln. Über das, was sie in Russland gekocht haben.

Gespräche: „Über die Vielfalt der Gerichte in der russischen Küche“

Untersuchung von Illustrationen und Fotoalben: Untersuchung von Büchern, Enzyklopädien über die russische Küche.

Kreative Geschichten schreiben: „Mein Lieblingsgericht“

Präsentationen über die russische Küche ansehen.

Künstlerische Kreativität:

Modellierung: Bagels (Salzteig)

Zeichnung: „Kartoffel – russisches Essen“

Anwendung: „Kalachi im russischen Ofen“

Ausflug zur russischen Hütte.

Erstellen Sie gemeinsam mit den Eltern ein selbstgemachtes Buch „Die Geschichte der russischen Küche“

Februar „Goldenes Khokhloma“ Ziel: Bekanntschaft von Kindern mit den Arbeiten von Holzhandwerkern. Kindern beibringen, die charakteristischen Merkmale verschiedener Holzbearbeitungstechniken zu unterscheiden. Fördern Sie weiterhin das Interesse der Kinder am russischen Volkshandwerk und den Wunsch, es zu studieren.

Gespräche: „Geschichte der Holzutensilien“. Aus welchem ​​Material bestehen Khokhloma-Gerichte? Wie kann dieses Utensil verwendet werden? Welche Gedichte, Sprichwörter, Sprüche kennen Sie?

Untersuchung von Illustrationen und Fotoalben: Untersuchung von Illustrationen, Fotografien, Leseliteratur, Gedichten über Khokhloma.

NOD: „Khokhloma-Wunder“ mit einer Präsentation.

Künstlerische Kreativität:

Modellierung: „Tablett „Ryabinka““

Anwendung: Zusammenarbeit"Platte"

Bemalung von Holzlöffeln: „Unsere Khokhloma-Löffel sind das beste Souvenir“

Marsch „Russische Volksmärchen“ Ziel: Wecken Sie das Interesse an russischen Volksmärchen. Bei Kindern kreative Fähigkeiten, kreative Vorstellungskraft, Denken und Fantasie entwickeln und das Interesse an der Erledigung der Aufgabe wecken.

Gespräche: „Warum heißen Märchen russisches Volk?“, „Welche Märchen gibt es?“

Zusammenstellung kreativer Geschichten: „Mein Lieblingsmärchen“

Präsentation ansehen: „Zu Besuch im Märchen“

Künstlerische Kreativität:

Wir machen Märchen mit unseren eigenen Händen „Chipollino“, „Moydodyr“, „Lebkuchenmann“, „Die gestohlene Sonne“, „Die Froschprinzessin“

Ausflug in die nach Lermontov benannte Bibliothek

Märchen zum Selbermachen mit den Eltern.

April „Osterbasteln“

Ziel: Mitte April feiern alle Orthodoxen das strahlende Osterfest. Ostern wird auch in Kindergärten gefeiert. Entwickeln Sie Sprachaktivität und ästhetischen Geschmack.

Gespräche: „Was ist Ostern?“ mit einer Präsentation

„Reading Fiction“: „Die Legende von der Lerche Christi“

Künstlerische Kreativität:

Zeichnung: „Osterkuchen dekorieren“

Modeln: „Eier für den Urlaub“

Ausflug zum DDT Gaidar, Kreis „Sibirochka“.

Meisterkurs zur Herstellung von Ostereiern

Mai „Russland ist mein Handwerker“

Ziel: Das letzte Gespräch dient der Unterhaltung. Festigung des Wissens der Kinder über russisches Kunsthandwerk, über russisches Handwerk.

Festigung des Verständnisses der Beziehung zwischen russischer dekorativer und angewandter Kunst, russischer Volksmusik und russischer Folklore.

Kindern beibringen, die charakteristischen Merkmale jeder Art von Malerei, für Keramikhandwerk, für Spielzeug verschiedener Handwerke zu unterscheiden.

Gemeinsam mit Kindern, Eltern und Pädagogen Schaffung eines Minimuseums „Museum für Volkshandwerk“

Folklore-Feiertag „Russland ist mein Handwerker“

III Bühne

Projektumsetzung

Modellieren aus Teig „Dymkovo junge Dame“

Bildhauerei und Malerei von „Gzhel-Gerichten“ Erstellen eines Ordners – Verschieben von „Volkshandwerk“

selbstgemachte Bücher „Geschichte der russischen Küche“

Zeichnung: „Zeichnen Sie Ihre Lieblingsmärchenfiguren“

IV-Stadium

Projektpräsentation

Kinder, Pädagogen und Eltern beteiligten sich aktiv an kreativen Aktivitäten und stellten ihr Projekt vor

• Kinder stellten verschiedene handgemachte Produkte her.
• In der Elternecke und in der Gruppe wurden Ausstellungen kreativer Kinderarbeiten organisiert.
• Es entstand ein Minimuseum „Volkshandwerk“.

Ausstellung der Werke „Khochloma-Löffel“ Kreativität von Kindern und Eltern „Russische Matroschka“

Ausstellung „Wonderful Gzhel“ Märchen mit eigenen Händen „Ein Märchen besuchen“

Ausstellung " Osterei» Ausstellung von Kinderwerken „Dymkovo junge Dame“

Minimuseum „Volkshandwerk“

Projektergebnisse.

• Kinder kennen und benennen mindestens 7 Materialarten und 7 Materialeigenschaften (Natur, Schrott, Papier, Plastilin, Teig, Fäden etc.).
• Sie wissen, wie man mit Materialien (Kleber, Scheren, Stapel, Stöcke usw.) umgeht.
• Die Entwicklung der gestalterischen Fähigkeiten und des künstlerischen Geschmacks: Sie erfinden und verwirklichen ein Design, selbstständig, nach Wahl der Kinder, dekorieren es.
• Die Feinmotorik der Hände ist gut entwickelt: Kinder befestigen die Teile selbstständig fest.
• Der aktive und passive Wortschatz der Kinder wurde aktiviert und bereichert.

Autoren: Donina Olga Vladimirovna, Senkova Yulia Viktorovna
Position: Pädagogen der höchsten Qualifikationskategorie
Arbeitsort: MKDOU d/s Nr. 388
Standort: Gebiet Nowosibirsk, Nowosibirsk

Thema der Woche: Volkshandwerk

Durchführungsbedingungen ____________________________

Geplante Produkte der Kind-Erwachsenen-Interaktion: Ausstellung

LITERATUR

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    Bartkovsky A. I. Goldenes Khokhloma. Visuell – ein methodischer Leitfaden für Lehrer und Eltern. Verlag „Karapuz“, 2002.
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Pozdnyakova T.V., Pädagogin MBDOU Nr. 417, Nischni Nowgorod

Perspektivischer Plan für die Arbeit mit Eltern in Mittelgruppe

Ein vielversprechender Plan für die Arbeit mit Eltern in der Senioren- und Vorbereitungsgruppe