Tema da semana: Artesanato popular. Projeto pedagógico "artesanato popular da Rússia" Jogos didáticos e

Relevância do projeto:
Nas condições da sociedade moderna, as principais prioridades na criação de uma criança são seu desenvolvimento inicial e educação para garantir o sucesso e a prosperidade na vida adulta independente. E categorias como moralidade, patriotismo e espiritualidade estão longe dos primeiros lugares.
Não é à toa que dizem: "As crianças são o nosso futuro". E o que vai ser depende de nós adultos: pais, professores, sociedade como um todo. É preciso criar condições para que se forme e consolide o desejo inicial da criança pelo sublime, santo e bom. Uma vez que os hábitos e valores estabelecidos na infância se tornarão a base espiritual e moral para tomar decisões vitais no futuro.
Devemos também lembrar que as crianças são o nosso reflexo. Antes de tudo, nós mesmos devemos nos tornar portadores da cultura espiritual e moral que nos esforçamos para incutir nas crianças.
O patriotismo espiritual e criativo deve ser incutido desde a infância, e então se tornará parte integrante da alma da criança, o começo que gera a personalidade. Necessário organizar esses eventos que formam um sistema de conhecimento sobre a cultura popular russa entre pré-escolares, estabelecem as bases do patriotismo, amor por uma pequena pátria, pessoas de trabalho de diferentes profissões.
Objetivo do projeto:

1. Desperte nas crianças o interesse pela história e tradições nacionais da Rússia.
2. Mostre qual o papel que o patrimônio cultural e histórico do país desempenha na vida das pessoas modernas.
3. Revelar a importância das tradições nacionais (feriados, jogos, etc.) para a formação da cultura, qualidades morais do povo russo.

Com base na atividade cognitiva, promover o desenvolvimento da fala, artístico, estético, espiritual, moral, emocional e social das crianças.
Através da introdução das crianças na cultura de seu povo, formar nas crianças uma ideia de si mesmas e de outras pessoas, desenvolver um interesse cognitivo pelo artesanato popular da Rússia.
Objetivos do projeto:

• Introduzir as crianças ao artesanato popular;
• Contribuir para o desenvolvimento da fala da criança: enriquecer o vocabulário, aumentar a expressividade da fala;
• Desenvolver manifestações emocionais individuais em todas as atividades;
• Realizar o desenvolvimento espiritual, moral e estético da personalidade da criança;
• Desenvolver a capacidade de ver a beleza dos produtos de arte aplicada, para formar um gosto estético;
• Desenvolva as habilidades artísticas das crianças.

Métodos de implementação do projeto:
O projeto foi implementado através dos seguintes tipos de atividades conjuntas:

• atividade cognitiva
• Atividade comunicativa
• Atividade artística e criativa
• Atividade do jogo
• Trabalhar com os pais

Áreas educacionais abrangidas: atividade comunicativa, atividade artística e estética, atividade de pesquisa e pesquisa, cultura física.
Questão fundamental:
A alta perfeição artística das artes e ofícios contribui para a formação de sentimentos espirituais, morais e patrióticos nas crianças.
Hipótese: Se uma criança não é apresentada às artes e ofícios populares na infância pré-escolar, a plena familiarização com a história e a cultura de seu povo não será alcançada, o que levará ainda ao empobrecimento de seus sentimentos espirituais, morais e patrióticos.
Etapas do projeto:
Estágio preparatório.

• Recolha de informação e elaboração de literatura metodológica sobre o tema do projeto.
• Concepção de uma série de exposições para crianças sobre artesanato popular russo.
• Seleção de recursos visuais e didáticos, material de demonstração.
• Elaborar um plano de longo prazo, desenvolver notas, criar um ambiente em desenvolvimento.

palco principal- informativo, prático.

• Realização de aulas temáticas, concepção de exposições de vida popular. Produção de brinquedos folclóricos, artesanato, desenhos.
• Realização de aulas, conversas (frontal, subgrupo, individual).
• Excursão ao museu de história local, ao museu virtual de artesanato popular na Internet.
• Exposição de criatividade artística baseada em pinturas folclóricas, brinquedos.
• Leitura de contos de fadas, épicos e obras literárias.
• Memorização de poemas, provérbios, provérbios, enigmas.
• Aprendendo jogos folclóricos russos.

A fase final- apresentação do projeto.

• Exposição fotográfica "Somos artesãos".
• Apresentação dos materiais do projeto aos professores.
• Apresentação do projeto aos pais.

Resultado esperado:
Como resultado do trabalho abrangente para apresentar as crianças às artes e ofícios, elas desejam aprender mais sobre o trabalho dos mestres russos.
O conhecimento das obras dos artesãos populares, da história do artesanato forma nas crianças o respeito e o amor pela Pátria, a história do seu povo.
A arte popular contribui para o desenvolvimento da educação estética, desenvolve as habilidades criativas das crianças.

Planejamento antecipado

Desempenho do projeto:
Como resultado de um trabalho abrangente para introduzir as crianças nas artes decorativas e aplicadas, as crianças têm o desejo de aprender mais sobre o trabalho dos mestres russos e a vida do povo russo. As crianças de forma independente começaram a distinguir entre os estilos de tipos conhecidos de pintura decorativa, aprenderam a criar padrões expressivos no papel.
Assim, o tema das artes e ofícios é muito interessante e multifacetado, ajuda a desenvolver não apenas uma personalidade criativa, mas também traz à tona a integridade nas crianças, o amor pela terra natal, pelo país como um todo.
Recursos informativos:

1. Vershinina N. Gorbova O. Conhecimento das características das artes e ofícios no processo de jogos didáticos. //Educação pré-escolar. 2004 Nº 6.
2. Gribovskaya A.A. Arte popular e criatividade infantil. 2ª edição. - M.: Educação, 2006.
3. Gribovskaya A.A. Ensinar desenhos decorativos para pré-escolares, modelagem, apliques. - M.: Scriptorium, 2008.
4. Knyazeva O.A., Makhaneva M.D. Apresentando as crianças às origens da cultura popular russa. - São Petersburgo: Acidente, 1997.
5. Lyalina L.A. Jogos populares no jardim de infância. - M.: TC Esfera, 2009.
6. A arte popular na educação das crianças. /Ed. Komarova T.S. - M.: Sociedade Pedagógica da Rússia, 2005.
7. Skorolupova O.A. Conhecimento de crianças em idade pré-escolar sênior com artes e ofícios folclóricos russos. - M.: Scriptorium, 2006.
8. Solomennikova O.A. A alegria da criatividade. - M.: Mosaico-Síntese, 2008.
9. Khalezova N.B. Moldagem plástica e decorativa popular. - M.: TC Esfera, 2005.

O que é um brinquedo popular?
História brinquedos folclóricos remonta aos tempos antigos. Esta é a primeira forma de criatividade artística do povo que habitava a Rússia, que mudou ao longo dos séculos, combinando a cor e a versatilidade da cultura de nosso povo. Os materiais para a fabricação dos brinquedos eram variados. Eles fizeram de tudo que a natureza deu ao homem: barro, palha, pinhas e madeira. Como uma criança poderia não amar o brinquedo de uma criança? Afinal, tudo de que foi feito era tão familiar e familiar. Era como se a própria natureza desse ao homem de sua generosidade, para estimular a criatividade e dar vida a uma nova criação.
Assim que o bebê nasceu, seu fiel companheiro tornou-se um brinquedo ou "diversão", como nossos ancestrais o chamavam. O menor recebeu chocalhos ou "embaralhadores". Pode ser uma caixa de sementes de papoula seca, uma catraca, um pedaço de tecido brilhante com sinos ou costurado em pedaços de cobre.
Além do entretenimento, esses brinquedos, segundo os pais, serviam para atrair um bom espírito para o bebê, um anjo protetor que protege a criança dos maus espíritos e do mau-olhado. Um chocalho ou uma bola, simbolizando, segundo os ancestrais, o céu e o mundo celestial, por assim dizer, conectavam a criança ao mundo da bondade. O mais interessante é que nos brinquedos do nosso povo você não encontrará imagens de um personagem maligno ou assustador, porque antigamente acreditava-se que tal brinquedo poderia trazer maldade ao bebê.
A criança cresceu e os brinquedos ao seu redor mudaram. Eles se tornaram mais complicados, o ajudaram a aprender a andar, explorar independentemente o espaço ao seu redor. Para este fim, foram feitas várias cadeiras de rodas em uma vara. Tudo engenhoso é simples. Os eixos das rodas com partes móveis foram presos a uma vara.
O brinquedo cativou a criança com os sons que os sinos ou chocalhos presos a ele faziam, com o movimento rítmico das rodinhas - e o bebê começou a andar atrás do bastão com o brinquedo preso. Era a vez da cadeira de rodas, mas já na corda. Na maioria das vezes, era um cavalo - como símbolo do sol. A criança sentiu que seu amigo o seguia nos calcanhares, obediente à vontade do dono. Assim, pela primeira vez, a criança pôde sentir-se uma amiga forte e corajosa para seu brinquedo.
Nossos ancestrais eram perspicazes e inteligentes. Sentindo sensivelmente a natureza da criança, deram-lhe aquele brinquedo infantil, que não apenas entretinha, mas também ensinava o bebê, preparando-o para a vida futura. Havia poucos brinquedos, mas cada um deles acostumava a criança à vida adulta.
"E o que as meninas da aldeia jogavam?" - você pergunta. Claro, em bonecas de pano. As mães habilmente faziam bonecas para suas filhas com pedaços de tecido e cordas. Além disso, tal boneca não foi jogada fora, foi cuidadosamente mantida em casa, passando de filha para filha, porque as famílias camponesas tradicionalmente tinham muitos filhos. O rosto de tal boneca geralmente não era desenhado, e isso permitia que a criança criasse o personagem e a aparência de uma namorada de trapos. Nossos ancestrais acreditavam que tais jogos ensinam a menina a ser uma boa mãe e dona de casa no futuro.
Que tipo de bonecas de pano não foram feitas nas vastas extensões de terra russa. São também bonecas vepsianas, feitas de retalhos de tecido desgastado, personificando uma mulher casada. Estes também são "krupenichki" - sacos de bonecas nos quais os grãos de trigo sarraceno foram armazenados para a nova colheita. Essas bonecas também foram feitas para mulheres que queriam ter filhos o mais rápido possível. Isso também inclui uma boneca-anjo de Natal feita de tecido, simples, mas ao mesmo tempo inusitada. Essas bonecas foram usadas para decorar a árvore de Natal. Havia também bonecas. Tal boneca cabe facilmente na palma da sua mão. Ela foi colocada no berço ao filho recém-nascido, para que fosse ela quem tomasse sobre si todo o mal que se destinava ao bebê. Mais tarde, tal boneca foi colocada na mão do bebê, como uma espécie de massageador de dedos, e também inserida nas dobras das roupas da criança. Se os convidados viessem, eles elogiavam a boneca, não o bebê, com medo de azarar. Havia também bonecas - "moscovitas" (uma boneca com 6 crianças amarradas a um cinto - como símbolo de amor e ternura materna), "pilares" (uma boneca em tubos de casca de bétula) e gordinha "kostromushki" (uma boneca roliça em um vestido elegante, simbolizando saciedade e riqueza na casa). Havia brinquedos infantis característicos de uma determinada área. Esses brinquedos sobreviveram em nossa cultura até hoje.

brinquedo folclórico russo

A história dos brinquedos folclóricos começa nos tempos antigos. Está ligado à criatividade do povo, à arte popular, ao folclore. Um brinquedo é uma das formas mais antigas de criatividade; ao longo dos séculos, mudou junto com toda a cultura popular, absorvendo suas características nacionais e originalidade.
O principal material para a confecção dos brinquedos era o barro e a madeira e, a partir da primeira metade do século XIX, o papel machê. Eles também fizeram brinquedos de palha, musgo, pinhas e linho. Brinquedos de barro e madeira foram feitos em muitos lugares na Rússia. É possível indicar os centros mais importantes: o brinquedo de madeira foi feito principalmente nas províncias de Moscou e Nizhny Novgorod, o de barro - em Vyatka, Tula, Kargopol. Muitas das indústrias ainda existem hoje. O maior centro de brinquedos de madeira há muito tempo é Sergiev Posad, com as aldeias adjacentes. Imagens de gênero, figuras de senhoras, hussardos e monges dominaram os brinquedos de Sergiev Posad. Muito interessantes em forma e coloração eram as "mulheres-tolas" (como os próprios artesãos as chamavam), de 30 a 40 cm de altura, eram cortadas do chamado "triedro". De um de seus lados obteve-se um "costas" e as outras duas faces, convergindo em ângulo, foram processadas pelo mestre como um alto-relevo.
Uma pintura condicional de poucas cores criou uma imagem artística expressiva. De acordo com o enredo e estilisticamente, miniaturas escultóricas - "ninharia chinesa" - estão conectadas às "damas" e "hussardos". São pequenas figuras de madeira pintadas, de 4 a 5 cm de tamanho, diversas e curiosas em seus assuntos.
Outro centro de brinquedos, que se formou mais tarde, no início do século XVIII, foi a vila de Bogorodskaya, que se tornou uma grande embarcação de brinquedos de madeira. A escultura de Bogorodsk ainda ocupa um lugar significativo nas artes decorativas. Os artesãos de Bogorodsk, transmitindo as tradições de sua arte de geração em geração, criaram brinquedos originais e únicos.
Usando perfeitamente a expressividade artística da textura e cor da madeira, os artesãos combinam habilmente o tratamento de superfície lisa com cortes rasos e entalhes no brinquedo, com os quais transmitem vários detalhes. Os brinquedos de Bogorodsk são caracterizados por enredo, composições de grupo, cenas de gênero, os mestres costumam usar temas de contos de fadas e históricos. Muitos brinquedos são feitos em movimento, o que aumenta sua expressividade.
A província de Nizhny Novgorod também era um importante centro de produção de brinquedos de madeira e infantis, em muitos de seus distritos - Gorodetsky, Semenovsky, Fedoseevsky - os brinquedos eram cortados e pintados. O enredo principal dos brinquedos Gorodets são cavalos em equipes. O laconicismo desses brinquedos deu origem a uma forma estilizada peculiar. A coloração desses brinquedos está próxima da coloração dos móveis infantis, baús, tuescas, que criaram a glória da pintura de Gorodets.
De particular interesse é o brinquedo Dymkovo, em homenagem ao assentamento Dymkovo, perto da cidade de Kirov. A variedade de brinquedos Dymkovo é extremamente diversificada: senhoras, amas de leite, cavaleiros, hussardos, pássaros e animais fantásticos, composições de enredo com várias figuras. A plasticidade simplificada e lacônica dos brinquedos Dymkovo corresponde à natureza de sua pintura decorativa, marcante em seu colorido e originalidade.
Os brinquedos de argila das regiões de Voronezh, Tula e Arkhangelsk diferem na aparência uns dos outros, mas todos eles são caracterizados por extraordinária clareza e simplicidade de formas, beleza e fantasia.
Os artistas modernos aprendem com os melhores exemplos de brinquedos folclóricos, aprendem a buscar a sabedoria na simplicidade, aprendem a dominar o material perfeitamente.

Boneca russa.

A primeira boneca russa foi esculpida e pintada em uma oficina de brinquedos de Moscou apenas nos anos 90 do século 19, de acordo com um modelo trazido do Japão.
Esta amostra japonesa, feita com muito humor, era um conjunto de figuras do sábio japonês Fukurum inseridas umas nas outras - um velho careca com a cabeça erguida de inúmeros pensamentos.
A primeira matryoshka era um grupo infantil: oito bonecas representavam crianças de diferentes idades, desde a menina mais velha (grande) com um galo até um bebê enrolado em fraldas. Seus criadores foram Turner V.P. Zvezdochkin, que esculpiu as primeiras bonecas de madeira e o artista S.V. Malyutin. As parcelas originais das bonecas russas eram exclusivamente femininas: donzelas vermelhas coradas e cheias de madeira estavam vestidas com vestidos de verão e lenços, eram retratadas com gatos, cães, cestas, flores, pão e sal, etc. De repente, descobriu-se que as bonecas russas são muito populares na Europa, especialmente na Alemanha e na França. No início do século 20, começou uma exportação em massa de bonecas matryoshka. Na verdade, nessa época, a reputação de “primordialmente russos” foi fixada por trás de bonecas de ninho.
- Também é interessante que após o aparecimento da primeira boneca de nidificação em diferentes regiões da Rússia, os artistas começaram a pintar bonecas de nidificação, eles gostaram tanto da boneca Matryona! E todos eles fizeram isso de forma diferente.
Matryoshkas de Sergiev Posad

Eu sou de Sergiev Posad. Estou muito feliz em conhecê-lo.
Os artistas me deram um vestido de verão russo brilhante.
Eu tenho um padrão no meu avental há muito tempo.
Meu lenço é famoso por sua borda multicolorida.

Até o final dos anos 90 do século XIX, bonecas de nidificação eram feitas na oficina de Moscou "Educação Infantil", e após seu fechamento, a produção e pintura de bonecas de nidificação eram dominadas por oficinas de demonstração educacional em Sergiev Posad, um antigo centro de fazendo brinquedos. Foi aqui que a produção em massa deste brinquedo logo começou, e o tipo de matryoshka foi escolhido, chamado Sergiev Posad ou Zagorsk. O rápido florescimento da arte de fazer e pintar as bonecas Sergiev Posad nas primeiras décadas do século 20 foi tão peculiar que determinou o estilo de pintar bonecas na Rússia por muitos anos. Naquela época, foram criados os principais tipos de pintura das bonecas Sergiev Posad, cuja principal característica distintiva é o desejo de retratar a vida moderna na pintura. Sergiev Posad era uma colorida cidade russa nativa. A grande praça do mercado, localizada em frente ao mosteiro, estava quase sempre cheia de uma multidão heterogênea e barulhenta: mercadores, monges, peregrinos, artesãos. Em 1910, em Sergiev Posad, foi organizado um artel "Artesão-Artista" - que incluía quase todos os artesãos locais. Em 1928 foi transformada numa fábrica de brinquedos que existe até hoje. A boneca matryoshka de Sergiev Posad tem várias características distintivas: uma forma atarracada, um topo que se transforma suavemente em uma parte inferior espessa da estatueta, pintura em guache e revestimento em laca.
Bonecas Matryoshka de Polkhovsky Maidan

E eu, amigas, sou de Maidan.
Posso me tornar uma estrela da tela.
Decore minha roupa com flores
Com pétalas brilhantes
E bagas diferentes
Maduro e vermelho.

Em sua forma, a Matryoshka Polkhov difere marcadamente de suas irmãs Sergiev e Semenov. Além disso, sua diversidade incomum é surpreendente, de estatuetas de vários assentos, alongadas verticalmente com uma cabeça pequena e rigidamente delineada a estatuetas primitivas de um único assento - colunas e pupas roliças e semelhantes a cogumelos. A pintura das bonecas Polkhov é baseada em uma combinação de cores vermelho framboesa, verde e preto ao longo de um contorno previamente aplicado em tinta. “Flores com uma ponta” é a pintura mais típica e favorita em Polkhovsky Maidan, mais próxima e “variegada” - decoração com a ajuda de traços separados, “picadas” e pontos. Os mestres de Polkhovsky Maidan, bem como os vizinhos Merinovsky e Semyonovsky, pintam a matryoshka com tintas de anilina em uma superfície pré-preparada. Os corantes são diluídos com uma solução de álcool. A pintura de Sergius matryoshkas é feita sem um desenho preliminar em guache e apenas ocasionalmente em aquarela e têmpera, e a intensidade da cor é alcançada com a ajuda de envernizamento.

Matrioska Semyonovskaya

Eu sou da pacata cidade verde de Semyonov.
Eu vim te visitar.
Buquê de flores jardim rosa, bordô
Trazido como um presente.

Um dos principais centros de fabricação e pintura de bonecas de nidificação é a cidade de Semyonov. Foi aqui que nasceu a famosa pintura Khokhloma, nos desenhos ornamentais dos quais existem motivos que remontam à cultura da antiga Rússia. Em sua pintura, os mestres Semyonov seguem as tradições do ornamento “grama” da Rússia Antiga. Os mestres Semyonov deixam mais madeira sem pintura, pintam a matryoshka com tintas de anilina e depois envernizam. Primeiro, delineie os contornos do rosto, olhos, lábios com um pincel fino, traga um blush. Então eles desenham um lenço na cabeça da boneca aninhada, desenham uma saia, um avental, as mãos. A base da composição na pintura das bonecas Semyonov é um avental, que retrata um buquê de flores exuberantes. Na forma de execução deste buquê, são visíveis as técnicas de pintura dos antigos mestres russos. Com o tempo, o desenho do buquê parecia se encher de sucos de ervas, tornando-se mais denso, colorido e pitoresco. Atualmente, os mestres usam três cores na pintura - vermelho, azul e amarelo, variando as combinações de cores do lenço, vestido de verão e avental. O principal na coloração do Semyonov matryoshka é a solução da cor principal no buquê, que define o tom de todo o sistema de cores. O buquê é tradicionalmente localizado no avental de forma assimétrica, ligeiramente deslocado para a direita. Os torneiros Semenov criaram sua própria forma de matryoshka, que, ao contrário da boneca Sergiev Posad, tem uma harmonia maior, um “topo” relativamente fino, que se transforma bruscamente em um “fundo” espesso. A famosa Matryoshka Semyonov difere das bonecas de outros centros em seus muitos lugares; até 15-18 bonecas multicoloridas são colocadas nele. Foi em Semyonov que a maior boneca de 72 lugares foi esculpida, cujo diâmetro é de 0,5 metros e a altura é de 1 metro.

Vyatka matryoshka

Nossos lábios com um arco,
Sim, bochechas como maçãs,
Nos conhece há muito tempo
Todas as pessoas na feira.
Nós somos bonecas Vyatka
Todos no mundo são mais bonitos.
Pintado, brilhante
Nossos vestidos de verão.

Os moradores de Vyatka e das aldeias vizinhas há muito se dedicam à produção de brinquedos. A originalidade especial da boneca de madeira pintada Vyatka é que as bonecas de nidificação não foram apenas pintadas com corantes de anilina, mas também incrustadas com canudos. A incrustação de palha de produtos artísticos de madeira à base de carpintaria, principalmente caixas e caixões, é conhecida nesta zona há muito tempo. Para a incrustação, é utilizada palha de centeio, cultivada em áreas especiais e cuidadosamente cortada à mão com uma foice. Para obter um efeito decorativo, uma parte do canudo é fervida em uma solução de soda até dourar, a outra permanece branca. Em seguida, o canudo é cortado, alisado, os detalhes do padrão desejado são eliminados com um carimbo. Cole os canudos no verniz de nitrocelulose bruto. Matryoshka, pintada com corantes de anilina e incrustada com canudos, é coberta com verniz a óleo. A Vyatka matryoshka é a mais setentrional de todas as bonecas russas. Ela retrata uma garota do norte de olhos azuis com um sorriso suave e tímido. O rosto desta matryoshka fascina e atrai você, eles são tão fofos e amigáveis.

Atualmente, a imaginação dos artistas contemporâneos não tem fronteiras. O tipo tradicional de matryoshka Sergiev Posad, segurando algum objeto na mão, agora foi reabastecido com inúmeras variantes de bonecas - meninas, mulheres, às vezes até idosos, com cestas cheias de frutas, samovares e cestas. As bonecas Matryoshka, em cujos aventais são retratadas tramas de contos folclóricos russos, estão se tornando mais difundidas. Artistas com habilidade técnica suficiente reproduzem essas cenas na técnica de pintura em miniatura de laca de Palekh decorativo ou Fedoskin realista. A tendência de usar motivos decorativos característicos dos centros tradicionais da cultura popular russa na pintura de bonecas modernas está se tornando mais perceptível.

Características de fabricação e etapas de pintura de bonecas aninhadas.

Eu me pergunto como nasce uma matryoshka?
As bonecas Matryoshka são feitas de lariço, tília e álamo, cortadas no início da primavera.
A madeira é envelhecida por dois a três anos, depois é ligada em máquinas e cuidadosamente processada.
O mestre escolhe meticulosamente o material para o boneco, procurando um que não tenha nó ou rachadura, e só depois de certificar-se da qualidade da peça é que começa a trabalhar.
Primeiro, ele afia a menor matryoshka, às vezes é bem pequena, menos que um prego, depois mais, mais ...
Estágios de pintura de bonecas aninhadas. Retificação da peça de trabalho. Contorno do padrão. Desenho de fundo. Detalhes do desenho. Golpe final. Lacagem.

Khokhloma Dourado

O Khokhloma dourado é um dos mais antigos artesanatos folclóricos originais russos que molda a vida e o modo de vida de gerações inteiras há séculos e é parte integrante da cultura russa.
Khokhloma é uma antiga palavra local associada à língua dos povos fino-úgricos que vivem na região do Trans-Volga. O nome Khokhloma foi dado ao rio que corre aqui, no qual surgiu uma vila - também Khokhloma, que se transformou em um grande assentamento comercial no século XVI. Durante vários séculos, artesãos nascidos nas aldeias vizinhas trouxeram para aqui à venda os utensílios e colheres de madeira pintada que fabricavam, que também passou a ser chamado de Khokhloma.
A arte de Khokhloma surgiu e se desenvolveu nas florestas da região do Trans-Volga, em um artesanato local em massa que fabricava utensílios e colheres de madeira, absorvendo a preciosa herança da cultura artística da Rússia Antiga e o trabalho secular e experiência criativa de muitos artesãos talentosos. De uma geração de artistas para outra, uma tecnologia única de pintar madeira em ouro sem o uso de ouro, conhecida pelos pintores de ícones da Rússia Antiga e adaptada por inventores originais locais para decorar utensílios de madeira, é transmitida no artesanato. A produção de utensílios Khokhloma foi travada por muito tempo pelo alto custo do estanho importado. Apenas um cliente muito rico poderia fornecer estanho aos artesãos. Na região do Trans-Volga, os mosteiros acabaram sendo esses clientes. Assim, as aldeias de Khokhloma, Skorobogatovo e cerca de 80 aldeias ao longo dos rios Uzola e Kerzhents trabalharam para o Mosteiro Trinity-Sergius. Dos documentos do mosteiro fica claro que os camponeses dessas aldeias eram chamados para trabalhar nas oficinas da Lavra, onde podiam se familiarizar com a produção de tigelas e conchas festivas. Não é por acaso que foram as aldeias e aldeias de Khokhloma e Skorobogatov que se tornaram o berço da pintura original de pratos, tão semelhantes aos preciosos.
Assim, a partir do século XVII, os utensílios de madeira pintados dos mestres do Trans-Volga eram famosos em toda a Rússia. Os pratos "cerimoniais" eram feitos por encomendas especiais em pequenos lotes de diferentes tipos de madeira, diferentes formas e acabamentos artísticos, e destinavam-se a presentes a eminentes convidados e embaixadores estrangeiros.
A arte de Khokhloma não é apenas uma pintura lindamente executada, mas também a capacidade de criar uma forma expressiva do produto, o conhecimento da complexa tecnologia de processamento de madeira. E poucas pessoas sabem quanto trabalho e paciência, habilidade e verdadeira inspiração esse processo complexo exige de pessoas de diferentes especialidades.
O padrão Khokhloma também é caracterizado pelo fato de que um ornamento de bagas folhosas, chamado de ervas, foi criado em um fundo preto, dourado ou vermelho - imagens de morangos, framboesas, amoras, groselhas, groselhas, cinzas de montanha, etc. - feito em combinações de vermelho e dourado, vermelho e preto ou dourado e preto.
Na pintura moderna de Khokhloma, o estilo e a cor do ornamento tradicional, “topo” e “fundo”, são preservados, mas o esquema de cores é expandido. Além do preto, vermelho e dourado - o tradicional tricolor que veio da pintura de ícones, são utilizadas as cores verde e amarelo, laranja e marrom. O pássaro de fogo, decorado com flores brilhantes, tornou-se o símbolo da pintura de Khokhloma. A capital do Khokhloma dourado é considerada a cidade de Semenov, localizada na região de Nizhny Novgorod.
Hoje Semenov é um centro turístico desenvolvido, onde é realizado o festival Golden Khokhloma - a alma da Rússia. Há algo para ver aqui. Os turistas podem visitar o museu e centro turístico Golden Khokhloma ou a fábrica de pintura Khokhloma para passear por suas oficinas, ver como nascem e pintam uma colher de pau, painel, matryoshka, belos pratos e móveis. Os hóspedes da nossa cidade têm a oportunidade de comprar artesanato exclusivo. Assim Semyonov Khokhloma tornou-se a marca registrada da cidade para o mundo inteiro. Esta é verdadeiramente a alma da Rússia.

Arte Gzhel

A primeira menção de Gzhel em documentos históricos ("Diploma Espiritual" de Ivan Kalita). Século XVI. No testamento do czar Ivan IV "o Terrível" Gzhel está listado entre os "volosts do palácio soberano". século XVII. Em 1663, o czar Alexei Mikhailovich emitiu um decreto "para encontrar argila nos volosts de Gzhel para vasos farmacêuticos e alquímicos".
Em 1710, o volost de Gzhel foi inteiramente atribuído à ordem da farmácia "para o trabalho de pratos alquímicos" e no final do século é composto por 16 aldeias, onde vivem 681 famílias e 4542 pessoas. Começo do século XIX.
Os produtos Gzhel são chamados de "pratos pálidos e coloridos", "o melhor de todo esse tipo de pratos feitos na Rússia", e o próprio volost Gzhel é "muito glorioso".
Já na época de Pedro I, foram feitas tentativas de organizar a produção de cerâmica artística na Rússia, mas seus resultados só se fizeram sentir em meados do século XVIII.
A honra de criar faiança artística russa pertence ao comerciante de Moscou Afanasy Grebenshchikov, que em sua fábrica pela primeira vez na Rússia em 1747 dominou a produção de majólica fina ou tsenina, como era então chamada. Os produtos de majólica tinham um caco colorido grosso coberto com esmalte branco; a maioria deles permaneceu sem pintura. A glória dos pratos de Grebenshchikov eram precisamente aqueles produtos que carregavam belos desenhos azuis em sua superfície levemente azulada. Suas formas foram desenhadas no estilo barroco e foram emprestadas de pratos de porcelana e prata, enquanto a pintura foi guiada por amostras de faiança de Delft da Holanda, que se tornou o ideal estético de seu tempo. Prevaleciam os motivos ornamentais preenchidos com tinta azul, cada um dos quais não era uma cópia, mas uma variante "contra o modelo ultramarino". Eles eram compostos por elementos típicos dos murais da época: cachos rocaille, cestos estilizados com flores, motivos de conchas, bordas com cruzamentos diagonais. Enfeites cobriam grandes tigelas de sopa (teriny), pratos, bandejas, em cada item tendo uma interpretação original, que se baseava no princípio de um grande ponto decorativo sobre um fundo claro.
Outro princípio característico da decoração dos pratos de Grebenshchikov é um padrão de renda branca sobre um fundo azulado com elementos geométricos e elementos de cestaria. Nem todos os produtos da fábrica Grebenshchikov são de igual valor artístico: alguns deles são grandes exemplos de majólica, criados por artesãos genuínos, outros traem a mão de um mestre iniciante. Os primeiros foram feitos sob encomenda, usados ​​na corte imperial, em instituições estatais ou nas casas da aristocracia (por exemplo, uma tigela de sopa com o brasão do famoso escritor e figura de teatro P. A. Sumarokov), os últimos continuaram oferta. A fábrica Grebenshchikov influenciou todo o desenvolvimento da cerâmica artística russa. Em particular, a experiência desta fábrica foi de grande importância para a maior região de cerâmica da Rússia - Gzhel.
Na história da cerâmica russa, Gzhel ocupa um lugar especial não apenas porque se tornou o centro da arte cerâmica popular, mas também porque forneceu argila a muitas fábricas, forneceu excelentes oleiros; eles, por sua vez, levaram as profundas tradições da cerâmica para outros lugares: os camponeses de Gzhel fundaram empresas de cerâmica em todos os lugares. De Gzhel majólica do século 18. e começa a história do desenvolvimento da cerâmica de arte popular na Rússia. Após a majólica no século XIX, começou a produção de semi-faiança, porcelana e faiança. Em apenas 50 anos, Gzhel dominou todos os principais tipos de produtos artísticos de barro.
As páginas mais brilhantes desta história caem na segunda metade do século 18, quando em Gzhel, localizada a 50 milhas de Moscou, quase toda a população de 30 aldeias começou a fazer majólica. Em termos de originalidade e maestria de execução, os mais interessantes são os kumgans e os kvass, que se caracterizam por uma forma específica, muitas vezes variada. O corpo inchado em forma de disco com nariz em forma de tronco foi montado em patas de leão e coroado com um pescoço de duas partes com tampa. Os fermentadores têm um orifício no meio do disco do corpo. O charme único dos Gzhel kumgans e kvass é dado por figuras escultóricas que foram colocadas no "ombro" de vasos em forma de disco, ou em sua própria superfície: imagens de homens com instrumentos musicais, mulheres lendo livros, mães com filhos; às vezes cenas de gênero de caça, guerra, etc. eram compostas de estatuetas. De grande interesse é a pintura em produtos de majólica Gzhel, que não pretende ser sofisticação, feita de maneira próxima à impressão popular. Distingue-se pelo domínio da composição e harmonia de cores. Cada quadro é fruto do trabalho de um oleiro, muitas vezes analfabeto, mas com o dom do artista, o que lhe permite combinar em seu trabalho observações da natureza, vida urbana e rural, impressões de outros tipos de arte e frutos da sua própria imaginação. Com uma mão confiante, um contorno marrom foi aplicado ao esmalte cru, que foi preenchido por dentro com tinta verde, azul, marrom e amarela. Motivos arquitetônicos, flora e fauna são refletidos principalmente nos desenhos Gzhel, às vezes figuras humanas, mas acima de tudo - pássaros, tão amados pela arte popular. Eles foram retratados em várias poses: em pé, sentados, esvoaçando, bicando, empoleirados em galhos, olhando para trás.
Outra característica inerente à arte popular foi herdada por Gzhel majolica - para acompanhar a imagem com inscrições sobre a época em que o navio foi feito, os nomes do mestre ou proprietário. Graças aos navios Gzhel, conhecemos mestres Gzhel do século XVIII como Nikifor Semenovich Gusyatnikov, Ivan Nikiforovich Sroslay, Ivan Ivanovich Kokun.
Uma área especial da majólica de Gzhel é a escultura. É tão original quanto os pratos, extraordinariamente vital, magistralmente, com soluções engenhosamente encontradas. As imagens, tiradas da vida real de seu tempo, atraem não apenas a habilidade artística de execução, mas também um alto grau de generalização.
A pequena escultura de majólica de Gzhel contribuiu para o despertar ainda maior do interesse nesta área da arte decorativa e aplicada e o surgimento de muitas figuras e composições de porcelana não apenas em Gzhel, mas também em outras fábricas de porcelana russas. No século 19 Mais dois tipos de cerâmica artística tornaram-se difundidos - semi-faiança (foi criada apenas em Gzhel) e faiança fina.
A arte da semi-faiança foi uma continuação direta da majólica Gzhel. A gama de produtos manteve-se quase inalterada (jarros, kumgans, kvass, rukomoi, tinteiros, caixas de sal), manteve-se a antiga arquitectura das formas, o mesmo cuidado com a decoração e a sua ligação com a forma. Mas a semi-faiança era tecnologicamente diferente da majólica, nasceu em outra época e, portanto, sua imagem artística tornou-se diferente.
Os produtos feitos de semi-faiança tinham um caco branco, mas ainda assim espesso, era pintado com tinta azul após a queima e derramado com esmalte transparente. A combinação de um caco branco com a pintura azul, quase exclusivamente ornamental com predominância de formas vegetais, é a especificidade da semi-faiança.
A nobre combinação de tinta azul e fundo branco é conhecida e utilizada há muito tempo: em porcelana chinesa, faiança de Delft, faiança fina inglesa. No entanto, em termos de conteúdo figurativo, estrutura composicional, natureza do traço, lugar ocupado no vaso, as pinturas em azul Gzhel sobre fundo branco de caco de semi-faiança são um fenómeno completamente independente na cerâmica.
O século XIX trouxe o rápido desenvolvimento da indústria de faiança, que se desenvolveu em paralelo com a produção de semi-faiança em Gzhel. A tecnologia de produção de faiança mudou, a imagem artística do novo material cerâmico tornou-se diferente. Ao contrário da majólica e da semi-faiança, a faiança tinha um caco fino, branco e leve coberto com esmalte transparente. Ele foi para a fabricação, principalmente de louças. As formas de decorá-lo são extremamente diversas: rega colorida em uma superfície lisa ou em relevo, tingindo a massa, pintura a pincel com tintas e lustres. No entanto, o método de impressão por transferência, inventado na Inglaterra especificamente para esse tipo de cerâmica, tem recebido a maior distribuição. Acabou sendo o mais econômico, o que foi extremamente importante para a indústria da arte.
Nos tempos soviéticos, o lugar principal começou a pertencer à fina faiança. A semi-faiança encontrou uma continuação em outro material cerâmico - inspirou artistas soviéticos a criar a porcelana Gzhel, que preservou as tradições da semi-faiança e, até certo ponto, sua imagem artística.
Após a semi-faiança, o período da porcelana começou na produção de Gzhel. No final do século XIX, os artesãos de Gzhel conseguiram alcançar extraordinários patamares artísticos e tecnológicos na fabricação de pratos. A mais fina faiança e porcelana branca como a neve não só agradavam aos olhos, mas também eram muito duráveis.
Após os eventos revolucionários de 1917, todas as fábricas de Gzhel foram nacionalizadas e permaneceram em ruínas até meados do século XX.
Hoje, a arte Gzhel reviveu novamente e, mais do que isso, recebeu um poderoso impulso no desenvolvimento graças às novas tecnologias modernas.

brinquedo Bogorodsk

Escultura Bogorodskaya, brinquedo Bogorodskaya - artesanato popular russo, que consiste na fabricação de brinquedos esculpidos e esculturas de madeiras macias (tília, amieiro, álamo). Seu centro é a vila de Bogorodskoye (distrito de Sergiev Posad da região de Moscou).

Origem

Sergiev Posad e seus arredores há muito são considerados o centro histórico da fabricação de brinquedos na Rússia. Às vezes era chamada de "capital russa dos brinquedos" ou "capital do reino dos brinquedos". Brinquedos foram feitos em muitas aldeias vizinhas. Mas a mais famosa foi a vila de Bogorodskoe, localizada a cerca de 29 quilômetros de Sergiev Posad. Os artesanatos de brinquedo de Sergiev Posad e a vila de Bogorodsky são chamados por especialistas como dois ramos em um tronco. De fato, o artesanato tem raízes comuns: as tradições dos antigos plásticos semelhantes a pilares e a escola da escultura tridimensional em relevo na Trinity-Sergius Lavra, conhecida desde o século XV.
Segundo a lenda popular, há muito tempo uma família vivia na aldeia. A mãe decidiu divertir as criancinhas. Ela cortou uma estatueta “auka” de um bloco de toras. As crianças ficaram felizes, brincaram e jogaram o "auka" no fogão. Certa vez o marido começou a se reunir para o bazar e disse: “Vou pegar a “auka” e mostrar para os comerciantes do bazar”. "Auka" comprou e encomendou mais. Desde então, a escultura de brinquedos foi realizada em Bogorodskoye. E ela começou a ser chamada de "Bogorodskaya".
É bastante difícil determinar a data real da origem da pesca. Por muito tempo, a maioria dos pesquisadores acreditava que já desde o século XVII Bogorodskoye estava envolvido na escultura volumétrica em madeira. A base para tais declarações foram os livros do palácio do czar Alexei Mikhailovich, que fala sobre a compra de brinquedos para as crianças reais a caminho do Mosteiro da Trindade-Sérgio. Além disso, eles geralmente se referem não à fonte primária, mas às obras de D. Vvedensky e N. Tseretelli, pesquisadores conhecidos de brinquedos camponeses russos na década de 1930, que também não se baseiam em documentos de arquivo, mas na pesquisa de I. E. Zabelin. No entanto, este último cometeu um erro: a compra de brinquedos de madeira é indicada no livro de despesas de Ekaterina Alekseevna, esposa de Pedro I, na entrada de 1721. Mas, como escreve I. Mamontova em seu artigo: “No entanto, a fonte afirma inequivocamente que a compra foi feita em Moscou…”
Acredita-se que as primeiras obras sobreviventes do artesanato de Bogorodsk (localizadas no Museu Histórico do Estado, no Museu Estatal Russo, no Museu de Arte Folclórica em homenagem a S. T. Morozov e no Museu de Arte e Pedagógico de Brinquedos) datam do início do século XIX. século. Muito provavelmente, seria legítimo atribuir a origem do brinquedo esculpido de Bogorodsk aos séculos XVII e XVIII e a formação do ofício no final do século XVIII - início do século XIX.
No início, o artesanato era uma produção tipicamente camponesa. Os produtos eram feitos sazonalmente: do final do outono ao início da primavera, ou seja, quando havia uma pausa no trabalho agrícola. Por muito tempo, os escultores de Bogorodsk dependiam diretamente do ofício de Sergiev, trabalhando diretamente sob encomendas de compradores de Sergiev e fabricando, principalmente, os chamados produtos "cinza", que foram finalmente acabados e pintados em Sergiev Posad.
Ao mesmo tempo, foi no estágio inicial da formação do ofício de Bogorodsk que começaram a aparecer obras consideradas obras-primas da arte popular, incluindo: “O Pastor”, que se tornou uma espécie de clássico de Bogorodsk, leões com filhotes , cães com filhotes.
O artesanato surgiu em um ambiente puramente camponês, mas se desenvolveu sob forte influência da produção artesanal com um tipo diferente de cultura – município. Este tipo de cultura é uma simbiose de tradições urbanas e camponesas, que foi influenciada pela escultura em porcelana, ilustrações de livros, gravuras populares populares e obras de pintores profissionais.

Desenvolvimento

Já em meados do século 19, o centro de escultura mudou-se para Bogorodskoye, e o ofício Bogorodsky ganhou independência. Uma grande influência na formação do estilo de Bogorodsk propriamente dito foi exercida pelo trabalho de mestres como A. N. Zinin e, um pouco mais tarde, pela atividade de um artista profissional, nativo de Bogorodsk P. N. Ustratov. A época dos anos 1840-70 do século XIX, segundo vários especialistas, é o auge do artesanato esculpido de Bogorodsk.
A próxima etapa no desenvolvimento do negócio de brinquedos em Bogorodskoye está associada às atividades do Zemstvo Provincial de Moscou em 1890-1900 nesta área. Em 1891, uma oficina educacional e de demonstração foi organizada em Sergiev Posad, que combinava as funções de uma instituição de pesquisa e educação, e também vendia brinquedos na Rússia e no exterior. Alguns anos antes, em Moscou, com o apoio de S. T. Morozov, foi inaugurado o Museu de Artesanato de Moscou. Na verdade, foi todo um movimento, revivendo e apoiando a base nacional na arte popular moribunda. Tais figuras e artistas zemstvo como N. D. Bartram, V. I. Borutsky, I. I. Oveshkov desempenharam um papel significativo no desenvolvimento do ofício de Bogorodsk.
Artista profissional, colecionador e mais tarde fundador e primeiro diretor do Museu Estadual do Brinquedo (agora Museu do Brinquedo Artístico e Pedagógico) N. D. Bartram foi um dos primeiros a tentar preservar e reviver tradições antigas. No entanto, vendo que as obras antigas não cativavam os artesãos, passou a orientá-los para a criação de obras no estilo folclórico, mas seguindo os modelos dos artistas profissionais. O adversário deste caminho foi o artista e colecionador A. Benois, que considerou este processo um resgate artificial da pesca.
Na primeira década após a Revolução de Outubro, antigas amostras de zemstvo foram preservadas em Bogorodskoye, e os produtos do comércio foram exportados em grandes quantidades. Em 1923, o artel "Bogorodsky escultor" foi restaurado, no qual os mestres da geração mais velha continuaram seu trabalho e o ofício Bogorodsky ocupa um dos lugares principais. A mudança na estrutura social estimulou os artesãos a buscar novas formas e soluções artísticas. No entanto, foi justamente nessa época que surgiu o problema da “pintura de cavalete” que surgiu ainda no “período zemstvo”. Na década de 1930, surgiu a chamada escultura-brinquedo, que se distinguiu pela novidade do tema e sua divulgação.
Uma das datas mais trágicas da história do artesanato de Bogorodsk pode ser chamada de 1960, quando a organização artel do trabalho tradicional para o artesanato foi liquidada e substituída por uma fábrica. Este processo às vezes é apropriadamente chamado de "fabricação" da pescaria. A partir desse momento, o artesanato começou a morrer lentamente, e os conceitos de “indústria artística”, “plano”, “val” e outros conceitos completamente estranhos vieram para substituí-lo. Uma década e meia depois, por uma reviravolta maligna do destino, a vila de Bogorodskoye, com sua paisagem peculiar e as características do rio Kunya, atraiu a atenção dos engenheiros de energia. A situação no campo piorou. Casas de madeira com arquitraves de renda foram demolidas, jardins foram cortados e as reuniões tradicionais de Bogorodsk e a simplicidade da comunicação rural foram deixadas com eles. Mestres escultores mudaram-se para arranha-céus nos andares superiores, o artesanato tradicional tornou-se cada vez mais problemático. Em 1984, G. L. Dine escreveu no jornal “Arte Decorativa da URSS”: “... a vila próxima aos novos edifícios que avançam parece pequena e miserável. Provavelmente a zona de segurança também não a salvará agora. Inevitavelmente, o modo de vida das pessoas, sua aparência espiritual e moral mudará, o que significa que a arte de Bogorodsk também será transformada.

Recursos de pesca

A escultura de Bogorodsk é realizada usando uma faca especial "Bogorodsk" ("pique"). Uma das características distintivas do ofício sempre foi a fabricação de brinquedos móveis. O brinquedo mais famoso é "Ferreiros", geralmente representando um homem e um urso, que batem alternadamente na bigorna. Este brinquedo, que, segundo algumas fontes, tem mais de 300 anos, tornou-se um símbolo tanto do artesanato de Bogorodsk quanto do próprio Bogorodsky, tendo entrado no brasão de armas da vila
O brinquedo "Ferreiros" tem mais de 300 anos. "Ferreiros" tornou-se um símbolo da indústria de Bogorodsk. Vale a pena mover as ripas e o trabalho rápido começa imediatamente. As figuras se movem em um ritmo claro, martelos batem na bigorna no tempo. E o brinquedo "Galinhas" também é um fígado longo. Ela foi interpretada por crianças nos dias de Pushkin e Lermontov. Na intrincada “diversão” com equilíbrio está a ideia de ritmo, ao qual a criança é naturalmente sensível. É divertido ver como as galinhas bicam os grãos pintados em uma ordem estrita. Os mecanismos em si são simples, mas as ações são eficazes. O som aguça a dinâmica do brinquedo.
Galinhas de madeira coloridas em um carrinho, estatuetas de ferreiros, um homem e um urso - puxe a barra, e eles baterão com martelos em uma pequena bigorna ... Brinquedos engraçados, conhecidos na Rússia desde tempos imemoriais, tornaram-se o principal artesanato popular para os moradores da vila de Bogorodskoye, perto de Moscou.
O brinquedo tradicional de Bogorodsk são figuras não pintadas de pessoas, animais e pássaros feitos de tília, composições da vida de um camponês russo. Até agora, o “homem e o urso” são considerados o símbolo do ofício em várias produções de enredo, sendo a primeira o brinquedo móvel “Ferreiros”.

brinquedos Filimonov

Os brinquedos Filimonovo nasceram na aldeia de Filimonovo, distrito de Odoevsky, região de Tula. A aldeia situa-se perto de jazidas de barro bom. Talvez isso tenha determinado seu ofício (a lenda diz que o avô Filimon morava nesses lugares, ele fazia brinquedos). Principalmente as mulheres estavam envolvidas no negócio de brinquedos. A partir dos 7-8 anos, as meninas começaram a esculpir "assobios". Eles trabalhavam no inverno, em seu tempo livre do trabalho rural. Em seguida, os brinquedos eram vendidos em feiras e bazares nas cidades do condado mais próximas e em Tula. Atualmente, uma oficina de brinquedos de cerâmica está envolvida na fabricação de brinquedos de barro na vila de Filimonovo. As figuras são moldadas à mão, depois são secas várias vezes em uma sala aquecida, queimadas em um forno elétrico por 12 horas em alta temperatura (até 800 C) e pintadas sem branqueamento prévio (o barro local adquire uma cor branca brilhante após o disparo). Os brinquedos são pintados aqui não com pincel, mas com pena de ganso, usando tintas de anilina diluídas em ovo.
As artesãs mais antigas, preservando as tradições do artesanato, temas e tramas de brinquedos, fazem suas próprias adições e alterações. Animais e animais feitos por artistas diferem na forma e na pintura. Os brinquedos são engraçados, caprichosos e ao mesmo tempo simples na execução e muito expressivos.
As tramas do brinquedo Filimonovo são tradicionais - são senhoras, camponesas, soldados, casais dançantes, cavaleiros; de animais - vacas, ovelhas, cavalos, ursos; de pássaros - galinhas, galos e muito mais. Ao contrário dos brinquedos Dymkovo, todos os brinquedos Filimonov são apitos, mesmo senhoras e senhores. O apito está sempre na cauda dos animais e pássaros que eles seguram.
A argila local é especial: viscosa, oleosa, plástica. As artesãs tiram toda a figura de uma só vez - com esse método de modelagem, os brinquedos se tornam graciosos, de plástico. Quando endurece, a argila “fixa”, e então é necessário “apertar” e alisar novamente os produtos, o que torna sua forma ainda mais esticada e alongada. E isso acontece várias vezes até que o brinquedo não "congele". Após o disparo, eles começam a pintar o brinquedo.
Primeiro, listras e manchas amarelas são induzidas, depois são delineadas com uma "pena" vermelha, depois verde, azul, às vezes roxa.
Além disso, as artesãs variam a cor. Uma mancha azul cai em amarelo - fica verde, vermelho em amarelo dá, como dizem aqui, "quente" (laranja). A pintura é construída de acordo com o esquema tradicional: listras coloridas percorrem a forma, alternando com manchas sonoras locais. Existem também padrões mais complexos, especialmente em saias femininas: uma "espinha de peixe" ramificada, uma "baga" brilhante, um "asterisco" radiante ou "sol", brilho, entrelaçado em alegres inflorescências estampadas.
O círculo denota o sol na pintura, o triângulo - a terra, árvores de Natal e brotos - símbolo da vegetação e da vida. Todos esses padrões lembram as conexões entre o homem e a natureza. Apesar do fato de que o ornamento e a coloração da pintura são muito simples, os brinquedos após a pintura parecem muito brilhantes e festivos, expressivos e bem-humorados. Os rostos das figuras permanecem sempre brancos, e apenas pequenos traços e pontos delineiam os olhos, a boca e o nariz.
Existem poucas molduras no brinquedo de Filimonov, especialmente quando comparadas com as de Dymkovo, onde as molduras desempenham um papel não menos importante do que a pintura. Os mestres de Filimonov decoram apenas os olhos dos animais com molduras, o que alcança uma expressividade especial da imagem. Esses brinquedos são difíceis de confundir com quaisquer outros, pois possuem tradições próprias na interpretação da forma e da pintura. Todos os brinquedos têm corpos elásticos, pernas longas ou curtas, pescoços alongados com cabeças pequenas. Por exemplo, as senhoras têm saias altas em forma de sino com uma expansão discreta para baixo, a parte superior do corpo parece menor em comparação com a saia. A pequena cabeça termina em um chapéu alto e elegante.
Brinquedos engraçados retratando soldados de pernas compridas e alongadas em trajes característicos: uma jaqueta na cintura e calças listradas. Alguns brinquedos surpreendem com sua imaginação. Assim, entre os brinquedos há um monstro com cabeça de veado. Ele tem uma galinha nas mãos, um peru nas costas e uma galinha no rabo. Os brinquedos de animais distinguem-se pela plasticidade especial. Ovelhas, vacas e cavalos têm cabeças pequenas em pescoços alongados e pernas curtas dão estabilidade especial a todas as figuras. Todos os brinquedos são muito engraçados, e quando há muitos deles, é feriado. Quando você olha para os brinquedos Filimonov reunidos, um clima alegre aparece involuntariamente.

Características do brinquedo Filimonovo. A maior parte dos produtos das artesãs de Filimonovo são apitos tradicionais: senhoras, cavaleiros, vacas, ursos, galos, etc. Imagens de pessoas - monolíticas, mesquinhas com detalhes - estão próximas de figuras primitivas antigas. A saia de sino estreita das senhoras Filimonovo passa suavemente para um corpo curto e estreito e termina com uma cabeça em forma de cone, que é parte integrante do pescoço. Nas mãos arredondadas, a senhora costuma segurar um bebê ou um pássaro assobiando. Cavaliers parecem senhoras, mas em vez de uma saia eles têm pernas cilíndricas grossas calçadas em botas desajeitadas. As cabeças das figuras são coroadas com intrincados chapéus de aba estreita. Composições interessantes, moldadas a partir de várias figuras, por exemplo, "Lyubota" - uma cena de um encontro para os amantes.
Todos os personagens do mundo animal têm uma cintura fina e um pescoço longo com uma curva graciosa, transformando-se suavemente em uma cabeça pequena. Apenas a forma da cabeça e a presença ou ausência de chifres e orelhas permitem distinguir um animal do outro. Os chifres do carneiro são rosquinhas de cachos redondos, os chifres da vaca se erguem como uma lua crescente, os chifres do veado são como árvores ramificadas bizarras, e a cabeça do cavalo é coroada com pequenas orelhas cônicas. A misteriosa figura de um urso com um espelho. A fera de conto de fadas senta-se com as patas traseiras bem afastadas e segura um objeto oval nas patas dianteiras. Com seu pescoço alongado e curvo, parece mais uma girafa, apenas uma pequena cabeça lembra vagamente a de um urso.

Brinquedos de pintura. As artesãs de Filimonovo pintam seus brinquedos com tintas de anilina brilhantes misturadas em um ovo, aplicando-as com uma pena de galinha. Apesar da relativa escassez de sua paleta - carmesim, verde, amarelo e azul - os brinquedos são brilhantes e alegres.
Os animais são tradicionalmente pintados com listras multicoloridas ao longo do corpo e pescoço. A tinta de uma cor, geralmente verde ou carmesim, é usada para pintar a cabeça e o peito, que geralmente são cobertos com um ornamento simples e lúgubre.
Senhoras e senhores Filimonovo estão sempre vestidos com elegância e brilho, seus chapéus são decorados com listras multicoloridas, e o mesmo ornamento simples é aplicado na gola da jaqueta, na saia e nas calças. As roupas das figuras de Filimonov foram influenciadas, por um lado, pelo traje da cidade, por outro lado, pelos vestidos de verão caseiros dos camponeses, camisas e cintos bordados. O ornamento (traços multicoloridos, manchas, galhos, rosetas), aplicado sem um esquema específico, cria uma decoração colorida cativante.
A produção de brinquedos Filimonovo foi bastante reduzida no início do século XX, mas havia várias artesãs (E. I. Karpova, A. O. Derbeneva, A. F. Maslennikova, etc.) que não abandonaram seu ofício. Na década de 1960, graças aos esforços de críticos de arte e colecionadores, esse artesanato original foi restaurado. Hoje uma oficina de brinquedos está aberta em Odoev. As artesãs modernas de Filimonovo, preservando os métodos tradicionais de modelagem e pintura, tentam diversificar as tramas e tornar o brinquedo mais elegante.

brinquedos Dymkovo

O brinquedo Dymkovo é um artesanato de barro original que se originou e sobreviveu exclusivamente no território do território de Vyatka (região de Kirov), no assentamento de Dymkovo, onde os fabricantes de fogões e oleiros se estabeleceram há muito tempo. Poucas outras regiões da Rússia têm um símbolo tão brilhante e original quanto a região de Vyatka na forma de um brinquedo Dymkovo.

A história do brinquedo Dymkovo tem cerca de 400 anos. Os primeiros brinquedos Dymkovo eram apitos na forma de cavalos, carneiros, cabras e patos, feitos para o feriado anual "Apitos", ou "Apitos" - realizado em homenagem aos mortos na batalha de 1418 entre os Vyatchans e Ustyuzhans perto do paredes do Kremlin Khlynovsky (Khlynov é o antigo nome de Kirov). Segundo a lenda, à noite, sem se reconhecerem, duas tropas amigas entraram na batalha. Uma festa era celebrada anualmente para aqueles que morreram por acidente. Mais tarde, renasceu em festivais folclóricos. A celebração durou vários dias e foi preenchida com o assobio dos Vyatchans de apitos multicoloridos. “Quando você chega à praça e caminha entre a multidão assobiando, parece que você está andando no ar. Todo mundo tem riso e algum tipo de rosto ousado. As pessoas que caminham seguram cuidadosamente na frente de seus rostos um pequeno brinquedo de barro, no valor de três ou cinco copeques, representando uma besta de duas cabeças ou um carneiro com manchas douradas nas laterais. Eles assobiam na cauda deste carneiro ... ”(“ Notas Vyatka ”, V. Lebedev.).
No passado, fazer brinquedos Dymkovo era um negócio de família. Nos meses de verão, eles preparavam o barro, trituravam à mão ou esfregavam giz em moedor de tinta, no resto do tempo esculpiam, secavam, queimavam produtos, mais próximos do Assobiador, branqueavam com giz diluído em leite de vaca desnatado, pintados com tintas de ovo, decoradas com losangos de suor dourado. E na primavera, os barcos trouxeram o brinquedo Dymkovo para a cidade para um feriado, encantando crianças e adultos com sua arte.
No final do século 19, a pesca entrou em declínio. Nos anos 30 do século XX, como parte do renascimento de alguns artesanatos folclóricos, foi fornecido apoio ao renascimento e ao artesanato do brinquedo Dymkovo. Várias artesãs hereditárias organizaram o artel "Brinquedo Vyatka" com o apoio do primeiro pesquisador do ofício - o artista A.I. Denypin. O brinquedo é moldado de barro vermelho local em partes (ao contrário de outros brinquedos, que são moldados a partir de um único pedaço de barro). Antes da queima, os brinquedos são secos e só então queimados. Anteriormente, os brinquedos eram queimados em um verdadeiro forno russo, agora são queimados em fornos de mufla.

O brinquedo Dymkovo queimado tem uma cor marrom-avermelhada, comum para o barro. Para branquear, é usada uma mistura de giz e leite, na qual um brinquedo Dymkovo é mergulhado. Neste caso, a superfície é coberta com uma densa camada branca. Para colorir, foram usadas tintas secas moídas em um ovo. Agora o guache, diluído em um ovo, é usado. Mais de 400 anos de desenvolvimento do ofício, apesar da variedade de soluções de composição, certos enredos do brinquedo Dymkovo se estabeleceram, certas técnicas de design e um certo esquema de cores foram corrigidos. Meios-tons e transições imperceptíveis são estranhos ao brinquedo Dymkovo. Cores brilhantes não diluídas criam uma sensação de alegria de vida. Os padrões têm formas geométricas simples: círculos, xadrez, ondas. Em geral, até 10 cores podem ser usadas em cada brinquedo. Até hoje, o brinquedo Dymkovo é feito à mão, cada brinquedo é obra de um autor único. Como antes, os principais motivos do brinquedo Dymkovo são cavalos, senhoras, perus, carneiros, galos, veados, bem como composições de grupo. Historicamente, a princípio, o tema principal ainda era animais e figuras femininas. Mais tarde, com o desenvolvimento da pesca, surgiram os motivos urbanos. Alguma ironia ainda é característica do brinquedo Dymkovo: cabras e carneiros estão vestidos com calças brilhantes, ursos tocam instrumentos musicais.
Hoje, os artesãos seguem as tradições do brinquedo Dymkovo, mas ainda assim, cada artesão (e esse ofício é exclusivamente feminino) tenta desenvolver seu próprio estilo especial de autor.

pintura de Gorodets
Gorodets é uma cidade na região de Nizhny Novgorod Trans-Volga, na margem esquerda do Volga. É uma das mais antigas cidades fortificadas russas. Gorodets é o berço de uma grande variedade de artesanato. Ele era famoso pela escultura em madeira (escultura de casa “surda”), a fabricação de donets (uma tábua na qual a fiação fica) incrustada com carvalho de pântano, rodas de fiar, pintura de Gorodets e tábuas de pão de gengibre esculpidas.
O surgimento da pintura de Gorodets está associado à produção de donets de fiação de madeira nas aldeias localizadas perto de Gorodets. A produção de donets contribuiu para o surgimento do estilo pictórico local original.
Cavaleiros, carruagens, senhoras, soldados, cavaleiros, cães - este é o panteão de imagens criadas usando a técnica e o estilo de Gorodets Donets esculpidos, que não podem ser encontrados em nenhum outro lugar. Detalhes e motivos acompanhantes - troncos e galhos de árvores, silhuetas de pássaros pousados ​​neles - foram recortados nas figuras inseridas de cavalos e pessoas feitas de carvalho do pântano. Composicionalmente, a superfície do fundo embutido foi dividida em duas ou três camadas. Na camada superior, dois cavaleiros foram retratados nas laterais de uma árvore florida com um pássaro nos galhos, e cães foram retratados nas raízes da árvore. O segundo nível foi ocupado por uma faixa ornamental, motivos de enredo de gênero foram colocados no nível inferior.
Composições com cavalos, cavaleiros, árvores e cães ainda vivem nos murais de Gorodets. As fantasias sobre o tema dos passeios de cavalheiros e senhoras são variadas, mas os cavalos são firmemente preservados dos motivos tradicionais. A imagem de um cavalo incorpora a ideia de beleza e força. Em meados do século 19, foi feita uma transição de donets embutidos para sua pintura. Este processo começa com o destaque dos fundos esculpidos. Os artesãos começam a animar o tom claro da madeira e as inserções de carvalho preto com cor.
Uma técnica de pintura mais livre possibilitou a criação de novas tramas, ensinou a beleza de um traço pictórico livre, que permite escrever sem primeiro desenhar um contorno. Cada mestre tinha seus tons de cor favoritos e sua combinação. Ao mesmo tempo, eles usaram técnicas comuns para criar uma cor competente. Os mestres Gorodets conseguiram criar um equilíbrio de manchas coloridas na superfície de um objeto, alcançando a unidade de cor e a perfeição da pintura. O tempo de adição da pintura de Gorodets leva cerca de 50 anos. O estilo desta pintura está tomando forma, nasce o ornamento Gorodets, no qual grandes formas e manchas coloridas, mesquinhas e lacônicas, tornam-se decisivas. Além dos donets, foram pintadas cadeiras de rodas e cadeiras altas para crianças. Perto do estilo dos donets pintados estavam as pinturas de urinóis - caixas de bast nas quais eram colocadas meadas de fios. Escreviam histórias de casamento com cavalos, noivos, tertúlias: “um fiandeiro e um cavalheiro conversando”, “um pássaro em uma árvore”, “um cachorro perto de uma árvore”.
O período de 1870-1900, associado ao rápido desenvolvimento geral da atividade pesqueira dos habitantes da região da floresta Trans-Volga, é marcado pela adição final do estilo de pintura de Gorodets.
Após o declínio experimentado pelo artesanato no início do século XX e a quase completa cessação de suas atividades durante a Primeira Guerra Mundial, o renascimento foi uma questão difícil. Na década de 1930, foram organizadas oficinas de arte pública.
Em 1951, um comércio de carpintaria, móveis e artel de arte foi estabelecido na vila de Kurtsevo, e Aristarkh Konovalov, um mestre hereditário da pintura de Gorodets, foi eleito presidente. Sua mãe e tio, avô e bisavô trabalhavam na indústria.
Desde 1954, começa a produção de móveis infantis com pintura Gorodets. Em 1957, uma aula de pintura de Gorodets foi aberta na escola vocacional Semyonov. A variedade de coisas fabricadas está se expandindo muito lentamente, o famoso cavalo de balanço de Gorodets aparece e as pinturas de enredo começam a reviver. Em 1960, o artel foi transformado na fábrica de pintura Gorodetskaya e, em dezembro de 1965, a fábrica Kurtsevskaya se fundiu com a fábrica de móveis Gorodets em uma empresa, que recebeu o nome geral de pintura Gorodets. Em 1969, um laboratório experimental e criativo foi criado na fábrica, no qual Faina Nikiforovna Kasatova começou a trabalhar, em 1970 A.V. Sokolov e L. F. Bespalova, N.A. Stolesnikov. Lindas artesãs L.A. aparecem. Kubatkina, T. N. Rukina, P. F. Sorina, G. N. Timofeeva, N. N. Noskov. É com o trabalho do laboratório experimental que se conectam as pesquisas no campo de novas composições de enredo.
A escolha das primeiras obras recaiu sobre os temas e composições de festas com chá no samovar. Todas as buscas foram baseadas inicialmente na adesão diligente aos métodos dos antigos mestres. Ao mesmo tempo, procurou-se o tipo de produtos nas pinturas dos quais é aconselhável colocar parcelas. Este trabalho foi realizado com a ajuda do Institute of Art Industry. O trabalho mais original desses anos foi o painel retangular "Conselho Artístico" de Lilia Fedorovna Bespalova. Nesta composição, em vez de pratos e um samovar, o esquema da festa tradicional de Gorodets inclui produtos de arte de Gorodets. Sob a orientação dos artistas do laboratório, a qualidade do trabalho das artesãs de Gorodets vem melhorando gradativamente, das quais 60 passam a trabalhar no grupo da autora. Eles pintam caixas de pão, pratos decorativos de parede, prateleiras com conjuntos de suprimentos ou tábuas de corte, tábuas de bolo, suprimentos, caixões, etc. A cor dominante dos murais de Gorodets é o cromo amarelo brilhante ou o cinábrio. Geralmente são a cor dominante, o fundo de toda a pintura como um todo; tons de azul, verde e às vezes "branqueados" (rosa, azul) são usados ​​para escrever um padrão, preto e branco - para trabalhar os detalhes.

Motivos da pintura de Gorodets.
Os motivos mais comuns são: flores - rosas, xícaras com folhas simétricas, animais - um cavalo, um pássaro. Cavaleiros, carruagens, senhoras, soldados, cavaleiros, cães são tradicionais para a trama que Gorodets pinta.
Composição. Existem três tipos de composição na pintura de Gorodets: pintura de flores; pintura de flores com a inclusão do motivo “cavalo” e “pássaro”; pintura de enredo.
Tal divisão é condicional, pois a pintura do enredo não se completa sem motivos florais, é diversa em termos de esquemas construtivos. E mesmo que os produtos com pintura Gorodets sejam feitos com base na mesma composição, mas em cores diferentes, você não pode capturar imediatamente a semelhança.

pintura de flores. Esse tipo é o mais usado, é o mais fácil de executar. Em uma versão menos complexa, uma única flor com folhas divergentes pode ser retratada no trabalho. Em uma versão mais complexa, por exemplo, uma faixa de ornamento floral é frequentemente retratada nas paredes laterais e a tampa é decorada com flores inscritas em um círculo. Nas tampas das caixas de pão, as flores geralmente são dispostas em um retângulo ou losango. No ornamento floral, os seguintes tipos de ornamento mais comuns podem ser distinguidos: "Bouquet" - representado simetricamente. Geralmente escrito em tábuas ou pratos. "Garland" é uma espécie de "buquê", quando uma ou duas flores grandes estão localizadas no centro, flores menores com folhas divergem delas para os lados. Eles podem caber em um círculo, uma faixa ou ser colocados em forma de crescente (em protetores de tela de canto). Este tipo de composição de ornamento floral é mais frequentemente usado ao pintar tábuas de corte, caixas de pão, caixões, pratos e móveis infantis.

Pintura de Zhostovo
A pintura de Zhostovo é um ofício antigo e belíssimo. A diferença entre Zhostovo e outras pinturas é a abundância de cores, tons brilhantes e incomparáveis, o realismo de flores e pássaros e outros elementos. Infelizmente, com o tempo, começamos a esquecer nossas pinturas tradicionais. Mas recentemente, graças a vários estúdios criativos, que estão se tornando cada vez mais, os murais tradicionais estão ganhando mais popularidade. As pessoas querem aprender essa habilidade. A pintura moderna de Zhostovo agora é usada em tudo, desde decorações à pintura de elementos interiores. Este artesanato único e bonito decora nossa vida cotidiana.

História da pintura Zhostovo
A pintura de Zhostovo é um artesanato popular de pintura artística de bandejas de metal, existente na vila de Zhostovo, distrito de Mytishchi, região de Moscou. O ofício de bandejas metálicas pintadas surgiu em meados do século XVIII. nos Urais, onde estavam localizadas as usinas metalúrgicas dos Demidovs (Nizhny Tagil, Nevyansk, Verkh-Neyvinsk), e somente na primeira metade do século XIX, as bandejas começaram a ser feitas nas aldeias da província de Moscou - Zhostov, Troitsky, Novoseltsevo, etc. Logo a nave de Moscou se tornou a principal. Atualmente, a produção de bandejas com pintura em laca está concentrada na vila de Zhostovo, na região de Moscou, e em Nizhny Tagil. A partir da primeira metade do século XIX, oficinas para a produção de bandejas pintadas funcionaram em várias aldeias da província de Moscou: Ostashkov, s. Troitsky, Sorokin, Khlebnikov e outros A fábrica de Zhostovo remonta à oficina (inaugurada em 1825) dos camponeses, os irmãos Vishnyakov, que pagaram o testamento. Em 1928, vários artels se formaram com base em oficinas após a revolução se fundir em um - "Metalpodnos" na vila de Zhostovo, que mais tarde (1960) foi transformada na fábrica de pintura decorativa de Zhostovo.

Técnica de pintura Zhostovo
As bandejas são feitas de chapa de ferro comum. Os produtos forjados recebem primer, massa de vidraceiro, polimento e envernizamento, o que torna sua superfície perfeitamente lisa, depois pintadas com tintas a óleo e cobertas com várias camadas de verniz transparente incolor por cima. A operação mais importante que exige criatividade genuína é a pintura. Temas de pintura - ornamentos florais e florais e cenas cotidianas da vida popular, paisagens, cenas de festivais folclóricos, casamentos e festas de chá. O tipo mais comum de pintura de Zhostovo é um buquê localizado no centro da bandeja e emoldurado na lateral com um pequeno padrão dourado. Nesta construção, pode-se observar um certo reflexo da composição da natureza morta de cavalete do século XIX, encerrada em moldura dourada. Mas o motivo em si recebeu uma interpretação mais decorativa e condicional do que nas pinturas de cavalete. Torna-se parte de uma coisa decorativa, técnicas especiais permitiram aos artesãos encaixá-lo organicamente, como se o “derrete” na superfície lacada da bandeja. O buquê se transformou em um elegante grupo de flores, frouxamente colocadas em um fundo lacado brilhante. Três ou quatro flores grandes (rosa, tulipa, dália, e às vezes amores-perfeitos mais modestos, trepadeiras, etc.) folhetos.
A imagem parecia nascer de uma profundidade cintilante, dissolvendo-se nela com sombras transparentes e buquês brilhantes piscando na superfície. Ligeiramente "afogadas" no fundo, as flores pareciam leves semi-volumétricas, escorços dados com tato e voltas das bordas não rompem visualmente o plano do objeto. A técnica de pintura de Zhostovo, assim como a pintura de cada bandeja em si, é original e única, pois é realizada sem amostras. Por trás da leveza cativante e da arte irrestrita da escrita, encontra-se uma enorme habilidade desenvolvida por gerações de talentosos artistas camponeses desconhecidos no passado.
Os artistas de Zhostovo pintam com tintas a óleo e pincéis de esquilo macios. Enquanto trabalha, o artista segura a bandeja no joelho e, quando necessário, a vira. E a mão com o pincel repousa sobre uma prancha de madeira sobre a bandeja. A princípio, o artista apenas esboça a pintura futura, desenha livremente com traços rápidos e precisos. E mesmo repetindo o desenho, o mestre improvisa, acrescenta algo novo.

A pintura é realizada em 4 etapas:

1. Começa com " rabiscos”, a silhueta geral da imagem, a localização dos principais pontos são delineados com tintas esbranquiçadas. As bandejas pintadas são secas em fornos por várias horas.
2. As próximas etapas, " tenezhka" e " junta”, são construídas formas de flores e folhas; primeiro, sombras transparentes são aplicadas e, em seguida, as áreas claras da pintura são “pavimentadas” com cores densas e brilhantes.
3. Isto é seguido por " brilho”, ou seja, a aplicação de pinceladas de clareamento que esclarecem todos os volumes.
4. A pintura termina com grafismos elegantes" desenhos" e " ligações". As linhas elásticas do “desenho” percorrem facilmente o contorno das pétalas e folhas, enfatizando expressivamente sua suculenta pintura em contraste. Pequenos galhos, não chamados acidentalmente de "encadernação", suavizam a transição para o plano de fundo. Cada artesão usa essas técnicas tradicionais que se desenvolveram no ofício à sua maneira, brincando criativamente com as possibilidades decorativas da escrita com pincel (por exemplo, “glare” pode “derreter” suavemente com o “laying”, ou pode se destacar claramente no isto).
Como resultado, surgem infinitas variantes de motivos e imagens semelhantes, mas nunca se vê cópias literais ou repetições entre eles. Assim, cada bandeja é uma obra de arte única. Às vezes, a pintura brilha com uma luz trêmula especial. Este mestre usou fragmentos de madrepérola na imagem, colocando-os diretamente na bandeja. Os meios da arte de Zhostovo são vivamente expressivos. Possui um sistema artístico próprio, técnicas pictóricas e estilo original, formado a partir de uma mistura de pinturas folclóricas ornamentais e uma natureza-morta pictórica realista dominada por mestres folclóricos. A arte de Zhostovo baseia-se nas técnicas de escrita desenvolvidas por gerações, sem as quais seu domínio artístico teria sido impossível. Nasce no próprio processo de uma espécie de pintura-mural, combinando a estrita consistência e refinamento das técnicas artesanais com a improvisação da criatividade. O encanto da arte de Zhostovo está na sinceridade, imediatismo de seu conteúdo e meios de expressão. É democrático em todas as suas manifestações; sua percepção não requer conhecimento e treinamento especiais. Jardim e flores silvestres - reais e nascidas da fantasia do artista, coletadas em buquês e espalhadas em coroas e guirlandas - esse tema ressoa em qualquer pessoa, desperta uma sensação de beleza.

Trabalha na técnica de pintura de Zhostovo
Hoje, a pintura decorativa está em ascensão. Isso não significa que não existam dificuldades e problemas na vida da pesca. Eles existem em todas as áreas da nossa cultura, que tem que resistir à comercialização moderna imprudente. Zhostovo é imitado, tentando imitar o estilo e até os modos dos artistas do autor. A equipa que trabalha na indústria tem o maior profissionalismo, alcançado por muitos anos de trabalho árduo e busca criativa, aperfeiçoamento de competências e foco constante nos melhores exemplos da herança dos antigos mestres. A isso devemos acrescentar o estudo da história da arte, natureza morta clássica e vários tipos de arte aplicada e folclórica russa, reabastecendo o "cofrinho criativo" dos mestres.

Relevância do projeto:

O problema do desenvolvimento da criatividade infantil é atualmente um dos mais relevantes tanto em termos teóricos quanto práticos: afinal, estamos falando da condição mais importante para a formação de uma identidade individual de uma pessoa já nos primeiros estágios de sua formação. Muitos cientistas (A.V. Bakushinskaya, P.P. Blonsky, T.S. Shatsky, N.P. Sakulina, Yu.V. Maksimov, R.N. Smirnova e outros). Eles observaram que a arte desperta as primeiras idéias vívidas e figurativas sobre a Pátria, sua cultura, contribui para a formação do senso de beleza e desenvolve as habilidades artísticas das crianças.

O patrimônio cultural é passado de geração em geração. Desenvolvendo e enriquecendo o mundo da criança, introduzindo elementos da cultura espiritual nesse desenvolvimento, contribuímos assim para o desenvolvimento dos sentimentos patrióticos de nossos filhos. A introdução à cultura nativa deve se tornar a parte principal da educação de cada criança - um cidadão de sua pátria. Os objetos que cercam a criança desde a infância, despertando em sua alma um senso de beleza e admiração, devem ser nacionais. Então, desde a infância, nossos filhos terão orgulho de seu país, o amarão, protegerão sua natureza, observarão as tradições e costumes de seu povo, enquanto formam seu próprio gosto artístico.

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Projeto

"O artesanato popular como meio de desenvolver as habilidades criativas das crianças mais velhas no contexto da implantação da Norma Estadual de Educação Federal"

Nikolaeva L. N.

Potylitsina N.V.

MBDOU "Floco de Neve"

2015

Tipo de projeto: cognitivo - criativo;

Participantes do projeto:crianças do grupo preparatório para a escola, pais de alunos, educadores.

Relevância do projeto:

O problema do desenvolvimento da criatividade infantil é atualmente um dos mais relevantes tanto em termos teóricos quanto práticos: afinal, estamos falando da condição mais importante para a formação de uma identidade individual de uma pessoa já nos primeiros estágios de sua formação. Muitos cientistas (A.V. Bakushinskaya, P.P. Blonsky, T.S. Shatsky, N.P. Sakulina, Yu.V. Maksimov, R.N. Smirnova e outros). Eles observaram que a arte desperta as primeiras idéias vívidas e figurativas sobre a Pátria, sua cultura, contribui para a formação do senso de beleza e desenvolve as habilidades artísticas das crianças.

O patrimônio cultural é passado de geração em geração. Desenvolvendo e enriquecendo o mundo da criança, introduzindo elementos da cultura espiritual nesse desenvolvimento, contribuímos assim para o desenvolvimento dos sentimentos patrióticos de nossos filhos. A introdução à cultura nativa deve se tornar a parte principal da educação de cada criança - um cidadão de sua pátria. Os objetos que cercam a criança desde a infância, despertando em sua alma um senso de beleza e admiração, devem ser nacionais. Então, desde a infância, nossos filhos terão orgulho de seu país, o amarão, protegerão sua natureza, observarão as tradições e costumes de seu povo, enquanto formam seu próprio gosto artístico.

Observando as crianças, suas brincadeiras, conversando com elas, percebemos que nossas crianças conhecem pouco as tradições do povo russo e seus ofícios. Isso não é surpreendente, porque em seu ambiente, as crianças modernas raramente encontram artesanato popular. No jardim de infância, trabalhando no programa "Do nascimento à escola", o número de aulas para familiarizar as crianças com o artesanato do povo russo é limitado. Artes e ofícios populares (artesanato popular) - uma ampla gama de produtos feitos com materiais simples improvisados ​​e ferramentas simples. Este tipo de artesanato tradicional é diversificado em atividades criativas, onde as coisas são criadas com as próprias mãos com a ajuda de habilidades e engenhosidade.Os professores-cientistas provaram que a arte popular desperta nas crianças as primeiras idéias brilhantes e figurativas sobre a Pátria, sua cultura, contribui para a educação do senso de beleza e desenvolve as habilidades artísticas das crianças.Com isso em mente, decidimos realizar um trabalho adicional para familiarizar as crianças com a arte popular, ao mesmo tempo em que enriquecemos o ambiente de desenvolvimento do grupo. Para isso, foi desenvolvido este projeto. O trabalho do projeto é construído em três direções:

1. Trabalho com crianças (teórico e prático);
2. Trabalhar com os pais;
3. Criação de um ambiente em desenvolvimento.

Os tipos mais populares de pinturas folclóricas foram escolhidos para o trabalho - neblina, Khokhloma, Gzhel, Gorodets, ornamento Yakut.

O processo de familiarização com cada pintura é imersivo, enquanto tentaremos integrar cada tópico na maioria das áreas educacionais.

Hipótese: se introduzirmos os pré-escolares no artesanato popular da Rússia em várias atividades, isso permitirá que nossos filhos se sintam parte do povo russo, sintam orgulho de seu país, rico em tradições gloriosas. A criação de um ambiente em desenvolvimento enriquecido com artesanato popular contribuirá para o desenvolvimento das habilidades criativas das crianças.

Objetivo do projeto: Formação e desenvolvimento de habilidades artísticas dos alunos através da interação com as artes e ofícios.

Objetivos do projeto:

• Desenvolver as habilidades artísticas e criativas das crianças.
• Cultive um interesse constante pela arte popular Rússia, Yakutia.
• Envolver os pais no espaço pedagógico, reforçando o interesse na cooperação com o jardim de infância.

Fases de implementação do projeto.

Fase preparatória:

• O estudo da literatura metodológica, recursos da Internet.
• Seleção de materiais visuais e didáticos (fotos temáticas, cartazes com elementos murais);
• Preparação de apresentações para familiarizar as crianças com o artesanato popular;
• Seleção de obras folclóricas, poemas sobre o tema do artesanato popular;
• Preparação de materiais para a organização de atividades criativas de crianças;
• Elaboração de um plano para a criação de um ambiente em desenvolvimento;
• Juntamente com os pais, a criação de mini-museus de arte popular aplicada;

Palco principal.

A fase final:

1. Resumindo os resultados do projeto;
2. Concepção da exposição "Artesanato Popular" no museu;
3. Desenvolvimento de um conjunto metodológico "Introdução ao artesanato popular".

Local do projeto:

• Grupo escolar preparatório "Bell";
• Salão de música;
• Estúdio de artes plásticas;
• Museu;
• Escritório metódico.

Links externos:

• Aldan Museum of Local Lore - organização de excursões,
• Meios de comunicação regionais - cobertura do projeto.

Resultados esperados:

Acreditamos que a participação no projeto será interessante e informativa para crianças e pais.

Esperamos que as criançasideias formadas sobre diferentes tipos de pinturas de objetos, como patrimônio nacional e valores morais.O trabalho realizado contribuirá para a formação e desenvolvimento das capacidades artísticas dos alunos mais tarde na vida. Os pais após a participação no projeto estarão mais atentos à criatividade conjunta com as crianças,respeito pelos objetos de arte popular.

INSTITUIÇÃO EDUCACIONAL PRÉ-ESCOLAR DO ESTADO MUNICIPAL DA CIDADE DE NOVOSIBIRSK "JARDIM DE INFÂNCIA № 388 DO TIPO COMBINADO "BEBÊ"

projeto criativo "O uso do trabalho manual no desenvolvimento da fala infantil através do estudo do artesanato popular russo"

Período de implementação 1 ano

De uma criança de cinco anos para mim, apenas um passo.
E de um recém-nascido a uma criança de cinco anos é uma distância terrível.
L.N. Tolstoi

Desde o primeiro ano de vida de uma criança, agarrar e sentir um objeto é de grande importância não só para o desenvolvimento das habilidades motoras, mas também para o desenvolvimento da fala. Nessa idade, o bebê está tentando "tomar o mundo inteiro em suas próprias mãos". A partir deste momento começa uma nova etapa no desenvolvimento da mão e do cérebro. Um salto no desenvolvimento das habilidades motoras leva a um salto no desenvolvimento da fala.

Encontramos atenção aos problemas de fala de crianças pré-escolares nos trabalhos de muitos cientistas. Então A. E. Vodovozova acreditava que a educação deveria ser baseada no discurso popular, na arte popular.

Um tipo único de atividade infantil em idade pré-escolar é produtivo ou prático. Este tipo de atividade permite satisfazer as necessidades básicas da criança: o desejo de agir de forma prática com objetos, para obter um resultado significativo. No processo de atividade prática, a criança desenvolve habilidades motoras finas da mão, representações espaciais, domina vários métodos de ações práticas, aprende as propriedades de vários materiais, aparecem elementos de criatividade, a fala se desenvolve.

Com o sistema de trabalho e a abordagem correta do educador, os elementos do trabalho manual dão uma importante contribuição para o desenvolvimento mental da criança, permitem satisfazer as necessidades básicas da criança: o desejo de agir praticamente com objetos, para obter um resultado significativo. Esses tipos universais de atividade artística contribuem para o desenvolvimento estético, intelectual e criativo da criança.

O trabalho manual está intimamente relacionado ao desenvolvimento cognitivo, que ajuda a enriquecer a mente das crianças com novos conteúdos, sistematizar as informações acumuladas e recebidas, desenvolver habilidades artísticas e criativas e uma percepção emocional positiva do mundo ao seu redor.

Trabalhando com crianças, chegamos à conclusão: a criança precisa do resultado que lhe cause alegria, espanto, surpresa. Afinal, criando artesanato com as próprias mãos, a criança reflete não apenas o que vê ao redor, mas também mostra sua imaginação, criatividade, imaginação. No trabalho manual, seu mundo interior é revelado.

Acreditamos que o meio mais eficaz no desenvolvimento da fala infantil é o estudo do artesanato popular por meio do trabalho manual.

Faço do projeto

Definição de metas e objetivos, planejamento de projetos, seleção de ferramentas metodológicas.

Objetivo do projeto: Criação de um sistema de trabalho no desenvolvimento da fala com a ajuda do trabalho manual através do estudo do artesanato popular russo.

Tarefas para crianças:

1. Incutir o interesse pela "pesquisa" do material, despertar na criança o desejo de fazer algo com as próprias mãos.

2. Formar nas crianças habilidades práticas no trabalho com materiais e ferramentas.

3. Promover o desenvolvimento de habilidades motoras finas da mão, aumentar o nível de desenvolvimento da fala e uma atitude criativa em relação ao mundo ao redor.

Tarefas para professores:

1. Melhorar habilidades profissionais, auto-educação, auto-desenvolvimento.

2. Criar condições para ensinar às crianças vários métodos de trabalho com materiais e ferramentas.

3. Crie um sistema de trabalho sobre este tópico.

4. Despertar nas crianças o interesse em fazer artesanato com diversos materiais, para ajudar a identificar as habilidades construtivas e criativas da criança.

5. Estimular o desenvolvimento da fala, memória, atenção, pensamento, imaginação.

Tarefas para os pais:

1. Criação na família de condições favoráveis ​​ao desenvolvimento da criança, levando em consideração a experiência das crianças adquiridas no jardim de infância.

2. Desenvolvimento da criatividade conjunta de pais e filhos.

3. Desenvolver nos pais a capacidade de ver uma personalidade na criança, respeitar sua opinião, discutir com ela trabalhos futuros.

4. Interessar os pais na vida do grupo, promover o desejo de participar dele.

Duração do projeto: longo prazo

Tipo de projeto: criativo.

Participantes do projeto:

educadores de grupo,

- crianças do grupo preparatório,

- pais.

Formas de organização do trabalho com crianças:

▪ atividades conjuntas de pesquisa;

▪ atividades produtivas com um subgrupo de crianças;

▪ interação independente com o ambiente do sujeito;

▪ trabalho criativo individual das crianças.

Integração de áreas educacionais:"Cognição", "Desenvolvimento da fala", "Artístico e estético", "Trabalho", "Social - Comunicativo".

Resultados esperados do projeto para crianças:

• Dominar as habilidades práticas mais simples do trabalho manual; idéias sobre as propriedades dos objetos; surgimento da atividade cognitiva.
• Desenvolvimento de habilidades motoras finas da mão de acordo com a idade das crianças; manifestação de independência na escolha de meios e materiais.
• O desenvolvimento da fala, aumentando o nível de desenvolvimento da fala, pronúncia sonora, vocabulário, estrutura gramatical e discurso coerente.
• Desenvolvimento da imaginação, pensamento espacial e lógico.

Resultados esperados para os professores:

• Aumentar a competência pedagógica nesse sentido.
• Procure maneiras de implementar tarefas.

Para os pais:

• O surgimento de interesse no processo educativo, o desenvolvimento da criatividade, conhecimento e habilidades nas crianças.
• Desejo de se comunicar com os professores, de participar da vida de um grupo em idade pré-escolar.

II fase do projeto

Plano de trabalho de longo prazo para a implementação do projeto

Setembro "Matrióska russa, brinquedo russo"

Alvo: Matrioska. Continue a enriquecer a compreensão das crianças sobre a arte popular. Para dar às crianças uma ideia da matryoshka russa, como se fosse um brinquedo antigo. Para despertar o interesse pela arte popular.

Preste atenção ao brilho, sua elegância, elementos constituintes, composição, esquema de cores.

Desenvolver uma percepção estética de objetos de arte popular.

Conversas: “A Rússia é minha obra”, “Tudo sobre bonecas aninhadas”, “Viajando com uma boneca aninhada”

"Leitura de ficção": Poemas sobre bonecas aninhadas, bonecas V. Prikhodko, T. Ladonshchikov.

Elaborando histórias criativas: "As Aventuras de Matryoshka - Nastya", "Oh, boneca aninhada, que bom!" Ginástica de dedo: "Matryoshka"
Exame de ilustrações e álbuns de fotos: "matryoshka russa", "traje folclórico russo", "trajes dos povos da Rússia".
Criatividade artística:
Desenho: "Mezen Matryoshka"
Aplicação “Decore um vestido de verão para uma boneca aninhada” Modelagem: “Bem, Matryoshkas são apenas um milagre!”
NOD: “Semenovskaya matryoshka” com uma apresentação Desenhe um livro caseiro: “Tudo sobre bonecas aninhadas”, fazendo uma boneca russa junto com os pais. Entretenimento: “Matryoshkas veio nos visitar”, “Feira Russa”.

Outubro "Bonecas do Baú da Vovó"

Alvo: Bonecas feitas pelo homem acompanham a vida dos camponeses russos há séculos. Eles foram cuidadosamente guardados em baús e passados ​​de geração em geração.

Conversas: “De onde veio o baú?”, “Antiguidades russas”, “O que nossas avós brincavam”, “Por que nossos ancestrais precisavam de bonecas?”.

Exame de ilustrações e álbuns de fotos: "Bonecas antigas", "Bonecas em jogos e rituais folclóricos russos".

Compilação de histórias criativas: "Minha boneca favorita".

"Ler ficção" M.A. Pozharova "Boneca de pano", I. Ryumin "Bonecas de nossas avós".

Criatividade artística:
Desenho: "Desenhe uma boneca de pano"

Modelagem: "Brinquedo da minha avó"

NOD: “Viagem ao passado de uma boneca” com uma apresentação Master class: fazendo bonecas de amuleto “Coelho em um dedo”, “Kuvadka”, “Pelenashka”, “Kuloma”.

Excursão ao DDT Gaidar, círculo "Sibirochka" - fazendo bonecas.

Interação com os pais: Peça às avós que tragam artesanato para decorar a exposição (tricot, bordado, etc.).

Novembro "Brinquedo de barro" "Smoky"

Alvo:"Brinquedo Dymkovo" Conte às crianças a história do brinquedo Dymkovo. Para formar conhecimento sobre as características dos brinquedos de pintura, cor, os principais elementos do padrão.

Conversas: “Tudo sobre a história do brinquedo Dymkovo”

Exame de ilustrações e álbuns de fotos: exame de uma imagem representando a aldeia de "Dymkovo", exame de livros ilustrados sobre Dymka. "Ler ficção": aprendendo poemas sobre brinquedos Dymkovo.

Criatividade artística:
Desenho: "Pintura da jovem Dymkovo".

Modelagem: "Dymkovskaya jovem" (de massa de sal)

Dezembro "Maravilhoso Gzhel"

Alvo: Continue a familiarizar as crianças com o artesanato popular russo e, em particular, com a porcelana Gzhel. Para formar conhecimento sobre as características dos brinquedos de pintura, cor, os principais elementos do padrão.

Incutir amor e respeito pelo trabalho dos artesãos.

Desenvolver o interesse pelo estudo do artesanato popular, realizando trabalhos de “acostumação” à imagem dos produtos dos artesãos populares, potenciando a sua percepção através do folclore.

Continue a educar o interesse das crianças pelo artesanato popular russo e o desejo de estudá-lo.

Incutir nas crianças o amor pela arte folclórica russa e uma compreensão da conexão entre vários tipos de criatividade (arquitetura de madeira, artesanato em cerâmica, música folclórica russa e folclore).

Conversas: Conversa sobre as características do artesanato popular "O Milagre Azul de Gzhel".

Exame de ilustrações e álbuns de fotos: Exame de produtos da Gzhel.

Criatividade artística:

Desenho: "Flores de Gzhel"
Modelagem: "bule Gzhel" (massa de sal)

Aplicação: "Flor de fada Gzhel"

NOD: "The Art of Gzhel Masters" com uma apresentação

Master classes sobre a criação de pratos Gzhel - papel machê, massa salgada, plasticina, design de papel e apliques.

Pintando pratos Gzhel

Janeiro "cozinha russa"

Alvo: Conhecimento das crianças com a culinária russa, com várias receitas da culinária russa. Cultivar o respeito pela cultura russa, a história da culinária russa. Para dar às crianças uma ideia sobre um ferro fundido, um caldeirão, um fogão russo. Sobre o que eles cozinhavam na Rússia.

Conversas: "Sobre a variedade de pratos da culinária russa"

Exame de ilustrações e álbuns de fotos: Exame de livros, enciclopédias sobre culinária russa.

Escrevendo histórias criativas: "Meu prato favorito"

Visualização de apresentações sobre cozinha russa.

Criatividade artística:

Modelagem: "Baranki" (massa salgada)

Desenho: "Batata - comida russa"

Aplicação: "Kalachi no forno russo"

Excursão à cabana russa.

Juntamente com os pais, elabore um livro caseiro "A História da Cozinha Russa"

Fevereiro "Kokhloma Dourado" Alvo: Familiarização das crianças com as obras de artesãos de madeira. Ensinar as crianças a distinguir as características de várias técnicas de marcenaria. Continue a educar o interesse das crianças pelo artesanato popular russo e o desejo de estudá-lo.

Conversas: "História dos utensílios de madeira". De que material são feitos os pratos Khokhloma? Como esse utensílio pode ser usado? Que poemas, provérbios, ditados você conhece?

Exame de ilustrações e álbuns de fotos: exame de ilustrações, fotografias, leitura de ficção, poemas sobre Khokhloma.

NOD: "Milagres Khokhloma" com uma apresentação.

Criatividade artística:

Modelagem: “Bandeja “Ryabinka”

Aplicação: trabalho coletivo "Placa"

Pintura de colheres de pau: "Nossas colheres Khokhloma são a melhor lembrança"

Marchar "Contos folclóricos russos" Alvo: Desperte o interesse pelos contos folclóricos russos. Desenvolver nas crianças habilidades criativas, imaginação criativa, pensamento, fantasia, cultivar o interesse em completar a tarefa.

Conversas: “Por que os contos de fadas são chamados de folclore russo?”, “Que tipo de contos de fadas existem”

Compilação de histórias criativas: "Meu conto de fadas favorito"

Ver apresentação: "Visitar um conto de fadas"

Criatividade artística:

Fazemos contos de fadas com nossas próprias mãos "Chipollino", "Moydodyr", "Gingerbread Man", "The Stolen Sun", "The Frog Princess"

Excursão à biblioteca com o nome de Lermontov

Contos de fadas faça você mesmo com os pais.

Abril "artesanato de páscoa"

Alvo: Em meados de abril, todos os ortodoxos celebram o brilhante feriado da Páscoa. A Páscoa também é comemorada nos jardins de infância. Desenvolver atividade de fala, gosto estético.

Conversas: "O que é a Páscoa?" com uma apresentação

"Lendo Ficção": "A Lenda da Cotovia de Cristo"

Criatividade artística:

Desenho: "Decore bolos de Páscoa"

Modelagem: "Ovos para o feriado"

Excursão ao DDT Gaidar, círculo "Sibirochka".

Master class sobre como fazer ovos de Páscoa

Maio "A Rússia é minha artesã"

Alvo: A conversa final é entretenimento. Consolidar o conhecimento das crianças sobre artes e ofícios russos, sobre artesanato russo.

Consolidar a compreensão da relação entre as artes decorativas e aplicadas russas, a música folclórica russa e o folclore russo.

Ensinar as crianças a distinguir os traços característicos de cada tipo de pintura, para artesanato em cerâmica, para brinquedos de diversos ofícios.

Juntamente com crianças, pais e educadores Criação de um mini-museu "Museu de Artesanato Folclórico"

Feriado folclórico "A Rússia é meu artesão"

3º estágio

Implementação de projeto

Modelagem de massa "Dymkovo jovem"

Esculpindo e pintando "pratos Gzhel" Criando uma pasta - movendo "Artesanato popular"

livros caseiros "História da culinária russa"

Desenho: "Desenhe seus personagens favoritos de contos de fadas"

Estágio IV

Apresentação do projeto

Crianças, educadores e pais participaram ativamente de atividades criativas e apresentaram seu projeto

• As crianças fizeram vários produtos artesanais.
• Exposições de trabalhos criativos infantis foram organizadas no canto dos pais e no grupo.
• Foi criado um mini-museu "Artesanato Folclórico"

Exposição de obras "Colher Khokhloma" Criatividade de crianças e pais "Russian Matryoshka"

Exposição "Maravilhoso Gzhel" Contos de fadas com as próprias mãos "Visitando um conto de fadas"

Exposição "Ovo de Páscoa" Exposição de obras infantis "Dymkovo jovem"

Mini-Museu "Artesanato Popular"

Resultados do projeto.

• As crianças conhecem e nomeiam pelo menos 7 tipos de materiais e 7 propriedades dos materiais (Natural, lixo, papel, plasticina, massa, fios, etc.).
• Eles sabem como trabalhar com materiais (cola, tesoura, pilhas, bastões, etc.).
• O desenvolvimento de habilidades construídas e gosto artístico: eles criam e executam um design, de forma independente, à escolha das crianças, decoram-no.
• As habilidades motoras finas das mãos são bem desenvolvidas: as crianças prendem firmemente as peças sozinhas.
• O vocabulário ativo e passivo das crianças foi ativado e enriquecido.

Autores: Donina Olga Vladimirovna, Senkova Yulia Viktorovna
Cargo: educadores da categoria de qualificação mais alta
Local de trabalho: MKDOU d/s nº 388
Localização: região de Novosibirsk, Novosibirsk

Tema da semana: Artesanato popular

Termos de implementação ____________________________

Produtos planejados de interação criança-adulto: Exposição

LITERATURA

1. 
   Khalezova N. B. Moldagem plástica e decorativa popular no jardim de infância / N. B. Khalezova. - M.: Iluminismo 1984
2. 
   Bondarenko T. M. Aulas abrangentes no grupo preparatório do jardim de infância: um guia prático para educadores e metodologistas de instituições de ensino pré-escolar. - Voronezh: IP Lakotsenin S.S., 2009.
3. 
   Educação pré-escolar: revista. - 1994. - Nº 4.
4. 
   Shvaiko G.S. Aulas de atividade visual no jardim de infância. Grupo preparatório para a escola / G. S. Shvaiko. - M.: Centro editorial humanitário "Vlados", 2000.
5. 
   Skorolupova O.A. Planejamento temático exemplar de aulas de atividade visual em uma instituição de educação infantil, parte 1. - M.: Editora Scriptorium 2003, 2007.
6. 
   Averyanova A.P. Atividade visual no jardim de infância: planos de aula. Um guia prático para professores de instituições pré-escolares. - M.: Mosaico-Síntese; M.: TC Esfera, 2003.
7. 
   Dorozhin Yu.G. Fabulous Gzhel. Apostila sobre os fundamentos da arte popular - M.: Mosaic-Synthesis, 2009.
8. 
   Pintura de Dorozhin Yu. G. Gorodets. Apostila sobre os fundamentos da arte popular - M.: Mosaic-Synthesis, 2009.
9. 
   Dorozhin Yu. G. Padrões de flores Polkhov - Maidan. Apostila sobre os fundamentos da arte popular - M.: Mosaic-Synthesis, 2009.
10. 
    Brinquedo Bartkovsky A. I. Filimonovskaya. Visualmente - um guia metodológico para professores e pais. Editora "Karapuz", 2002.
11. 
    Bartkovsky A. I. Golden Khokhloma. Visualmente - um guia metodológico para professores e pais. Editora "Karapuz", 2002.
12. 
    Jogos folclóricos infantis ao ar livre. - M.: Educação, Vlados, 1997.
13. 
    Pense em uma palavra: Jogos de fala e exercícios para pré-escolares: livro. Para educadores crianças. jardim e pais / O. S. Ushakava, A. G. Arushanova, E. M. Strunina e outros; Ed. O. S. Ushakova. - M.: Educação: Proc. Lit., 1996.
14. 
    Averina I. E. Minutos de cultura física e pausas dinâmicas em instituições de ensino pré-escolar: prática. subsídio / I. E. Averina. - 2ª edição. – m.: Iris-press, 2006.

1. 
   Plano-programa de trabalho educativo no jardim de infância / compilado por N. V. Goncharova (e outros); ed.
2. 
   Z. A. Mikhailova. - São Petersburgo: Acidente, 1997.
3. 
   Invente uma palavra: jogos de fala e exercícios para pré-escolares: um livro para professores e pais de jardim de infância / O. S. Ushakova, A. G. Arushanova, E. M. Strunina, T. M. Yurtaikina; ed. O. S. Ushakova. - M.: Editora do Instituto de Psicoterapia, 2001.
4. 
   Potapova L.M. Crianças sobre a natureza: ecologia em jogos para crianças de 5 a 10 anos /L. M. Potapova. - Yaroslavl: Academia de Desenvolvimento: Academia K*, 1998.
5. 
   "Nós". O programa de educação ambiental para crianças / N.N. Kondratieva et al. - 2ª ed., corrigida. E adicionais. - São Petersburgo: M 94 "Infância-imprensa", 2006.
6. 
   Selikhova LG Conhecimento da natureza e desenvolvimento da fala. Aulas integradas. Para turmas com crianças de 5 a 7 anos. - M: Mosaico-Síntese, 2008.
7. 
   Tsvyntary V. V. Brincamos com os dedos e desenvolvemos a fala. São Petersburgo, 6 Lan, 1999.
8. 
   Karpova S.I., Mamaeva V.V. O desenvolvimento da fala e habilidades cognitivas de pré-escolares de 6 a 7 anos. - São Petersburgo: Discurso, 2007.
9. 
   Belaya A.E. Jogos de dedo para o desenvolvimento da fala de pré-escolares: um guia para pais e professores / A.E. Belaya, V. E. Miryasova. – M.; Astrel Publishing House LLC: AST Publishing House LLC, 2002.
10. 
    Galkina K. G., Dubinina T. I. Os dedos ajudam a falar. Aulas correcionais para o desenvolvimento de habilidades motoras finas em crianças / G.G. Galkina, T. I. Dubinina. - M.: Editora "GNOM e D", 2007.
11. 
    Kurochkina, N. A. apresentamos a pintura de paisagem: guia de estudo. subsídio / N.A. Kurochkin. - São Petersburgo: Detstvo-Press, 2003.
12. 
    Malysheva A. N. Aplicação no jardim de infância / A. N. Malysheva, N.V. Ermolaeva. - Yaroslavl: Academia de Desenvolvimento, 2004.
13. 
    Sokolova S. V. Origami para pré-escolares mais velhos / S. V. Sokolova. - São Petersburgo: Detstvo-Press, 2004.
14. 
    Kutsakova, L. V. Design e trabalho artístico no jardim de infância: programa e notas de aulas / L.V. Kutsakova. - M.: TC "Esfera", 2005.
15. 
    Mosaico Zotov VV Forest: Livro. Para educadores crianças. jardim e pais / Fig. V. Khramova. – M.: Iluminismo, 1993.

Pozdnyakova T.V., educador MBDOU No. 417, Nizhny Novgorod

Plano de perspectiva para trabalhar com pais no grupo do meio

Um plano promissor para trabalhar com os pais no grupo sênior e preparatório